cinemaska

Сафо: Борьба за свободу (1960)

2009-11-26T03:12:00.000-08:00

Сафо: Борьба за свободу / Сафо, Венера с Лесбоса
Saffo, venere di Lesbo / The Warrior Empress
1960; Италия/Франция; 105 мин./87 мин. (Великобритания)

Adventure/History
* / 5.2

Режиссер: Пьетро Франчески
В ролях: Кервин Мэтьюс, Тина Луис, Риккардо Гарроне, Сьюзи Андерсон, Альберто Фарнезе, Энрико Мария Салерно, Антонио Баттистелла, Стрелза Браун, Анни Горассини, Альдо Фьорелли, Эльда Таттоли

Итальянское кино славится не только Феллини, Пазолини и Венецианским кинофестивалем, но и тем, что в Италии снято огромное количество второсортных жанровых фильмов, к которым неизменно прибавляется приставка «спагетти». Вестерны, фантастика и конечно пеплумы – один из самых распространенных жанров, эксплуатировавшихся после Второй Мировой войны в Италии. В 50-е и 60-е было снято огромное количество картин жанра «меча и сандалий», большинство из которых были жалкими попытками приблизиться к славе «Спартака». К таковым можно причислить и «Сафо» – древнегреческую историю любви жрицы-поэтессы и борца за свободу, воплощенную на экране итальянцем Пьетро Франчески, благодаря которому на свет появились такие «шедевры» итальянского спагетти-конвейера, как «Аттила» (1954), «Подвиги Геракла» (1958), «Осада Сиракуз» (1960), «Геракл против Самсона» (1963) и научно-фантастическая «2+5: Миссия Гидра» (1966).

На протяжении всего фильма правительственные войска пытаются найти предводителя повстанцев Фаона (Кервин Мэтьюс, исполнитель роли Синдбада в классическом фильме «Седьмое путешествие Синдбада» 1958), который скрывает свое имя и борется за свободу простого народа, находящегося под гнетом власти, обложившей его непомерными налогами. Во время одной из битв он оказывается ранен и находит прибежище в храме Афродиты, где прекрасные девушки в откровенных туниках занимаются своими повседневными делами – танцуют, соревнуются в гонках на колесницах и поклоняются Афродите. Там в него влюбляется Сафо (25-летняя Тина Луис – бывшая модель и певичка в ночном клубе, которая сделает себе в дальнейшем карьеру на телевидении, умудрившись появиться в таких сериалах, как «Кунг-фу», «Даллас», «Коджак», «Женаты.... с детьми» («Счастливы вместе» в русской версии) и даже «Санта Барбара») – самая красивая и умная, чьи стихи сравнивают с лучшими поэмами всех времен. К тому же она является племянницей Меланкра (Энрико Мария Салерно) – местного правителя. Это играет не последнюю роль в том, что к ней безуспешно сватается знатный воин Гипербий (Риккардо Гарроне в отличие от остальных умудрился сняться в «Сладкой жизни» и «Мошенничестве» Федерико Феллини). Этот любовный треугольник – Сафо, Гипербий и Фаон – и составляет центральную сюжетную линию. Героя все же поймают и разоблачат, но по просьбе Сафо, согласившейся на брак с Гипербием ради его спасения, казнь ему заменят на вечную ссылку. На корабль с пленником нападают повстанцы и освобождают своего вождя, а через некоторое время повстанцы с боем берут столицу царства. Так Фаон обретает власть, но теряет любовь, так как Сафо уходит в жрицы, решив посвятить себя служению Афродите.

Вообще-то при всем желании этот фильм бездарным и никчемным назвать нельзя, хотя все необходимое у него для этого имеется. По крайней мере внешне все выглядит не так уж и плохо, ведь оператор Карло Карлини свой хлеб все же отработал: недаром до этого он снимал «Маменькиных сынков» и «Дорогу» для Федерико Феллини, «Генерала Дела Ровере» для Роберто Росселлини и «Все по домам» для Луиджи Коменчини. Как занесло в этот проект такого человека – непонятно, не иначе – профсоюз послал. Остальное же в этом фильме оставляет желать лучшего. Батальные сцены в фильме больше напоминают сражения игрушечных солдатиков на полу детской, чем реальные боевые действия. Игрушечными солдатиками выглядят и актеры, одинаково торжественно произносящие как призывы к борьбе и свободе, так и слова любви. Их игра является просто совершенством картонного актерского мастерства, и страсти, пылающие в речах героев, не способны не только зажечь огонь в сердцах зрителей, но даже хотя бы подпалить собственные картонные сущности. Сюжет также являет собой набор штампов, склеенных наспех уже бывшим в использовании скотчем, а некоторые его повороты просто потрясают своим идиотизмом. Чего только стоит ров со львами, окружающий храм Афродиты, в который с завидной периодичностью валятся герои фильма. При этом львы едят всех, за исключением дважды побывавшего там Фаона.

Кто знает, быть может и эту историю можно было бы рассказать должным образом, ведь мы неоднократно сталкивались с отличными фильмами, сюжет которых на самом-то деле был весьма посредствененым. В данном же случае мы имеем ярко выраженный пример того, каким не должен быть фильм, какие бы люди над ним не работали. Так и хочется назвать этот фильм плохим или отвратительным, но сделать это как-то не получается, так как его просмотр не вызывает даже отрицательных эмоций. Он вообще не вызывает ничего. Ничего кроме скуки и непонимания, как такое вообще могло появиться на свет.

Плюсы: работа оператора – единственное, к чему не хочется придираться.

Минусы: это совершенно двухмерный фильм с плоскими героями и бездарным воплощением безликой истории, да и фигурирующее в названии слово Lesbo – не более чем название острова, так что и не надейтесь.

Дракула (1931)

2009-11-26T02:21:00.000-08:00

Дракула
Dracula
1931; США; 75 мин.

Fantasy/Horror
* * * * * / 7.7

Режиссер: Тод Браунинг
В ролях: Бела Лугоши, Дэвид Маннерс, Хелен Чендлер, Дуайт Фрай, Эдвард Ван Слоан, Герберт Банстон, Франсис Дейд, Джоан Стэндинг, Шарль К. Жерар

Легенды о темных существах, высасывающих кровь и отнимающих жизнь, появились давно. В мифологии многих народов – от Европы до Азии – издревле существовали легенды о пьющей кровь нечисти – упырях, вурдалаках, вампирах. Поэтому нет ничего удивительного в том, что появились они и в литературе. О вампирах писали Гете, Байрон, Дюма и Алексей Толстой, но самый известный вампир появился из-под пера Брэма Стокера, в 1897 году давшего жизнь графу Дракуле.

Образ трансильванского графа Стокер заимствовал из народных легенд, существовавших в районе Карпат, которые рассказывал ему его друг – востоковед Арминий Вамбери. Те же во многом основывались на жизни реально существовавшего человека – Влада III Цепеша, правившего в середине XV века на территории современной Румынии – в Валахии. Влад III прославился как своей непримиримой борьбой с турками, так и своей жестокостью по отношению к врагам, за что даже получил прозвище «Сажатель на кол». Также он получил имя «Сын дракона» – «Дракул». Именно его и использовал Брэм Стокер в своем романе. Имеющийся портрет карпатского князя отразился и на внешнем облике графа Дракулы – высокий лоб, густые брови, тонкий орлиный нос и пышные, тяжелые усы. Но как бы ни был кровав и жесток правитель Валахии, он не приобрел бы такой известности, если бы малоизвестный ирландский литератор и театральный агент не написал бы о нем книгу, представившую миру самого известного и популярного монстра в истории – графа Дракулу.

Появление книги Брэма Стокера было весьма своевременным: времена романтизма прошли, на смену ему твердой поступью шел ничего не скрывающий реализм, но британское королевство все еще продолжало оставаться викторианской империей, где чудесным образом соединялись наука и вера в потусторонние силы. И, несмотря на то, что развитие науки и техники росло в геометрической прогрессии, архаические верования в нечистую силу все еще оставались живы. При этом параллельно с развитием философской мысли прекрасно чувствовало себя и увлечение различными мистическими учениями – от спиритизма до теософии. Под натиском научного прогресса отступала и религия, уже не так рьяно отстаивавшая свое право на истину в последней инстанции, что также сыграло не последнюю роль в жизни графа Дракулы. Но решающе слово в возведении Дракулы в культ сделала именно наука, благодаря которой двумя годами ранее появился кинематограф – главное чудо XX века.

Хоть триумф знаменитого графа и пришелся на век кино, до своего появления на экране он уже обрел некоторую известность в кругах любителей литературы и театра. Пьеса, основанная на романе Стокера, с успехам шла на сценах европейских театров вплоть до 30-х годов, а интерес широкой общественности ко всему страшному и таинственному подогревался вошедшими в начале XX века в моду мистицизмом и готикой, что отразилось как на литературе и театре, так и на кинематографе, который хоть и не имел еще голоса, не смог пройти мимо такого соблазнительного фактора, как человеческий страх. Уже были экранизированы «Доктор Джекилл и мистер Хайд» Стивенсона, «Голем» Метерлинка, «Портрет Дориана Грея» Уайлда, рассказы Эдгара По и «Франкенштейн» Мэри Шелли, но до «Дракулы» дело еще не дошло. Хотя вампиры тоже не были лишены удовольствия появиться на экране – в 1915 году был выпущен многосерийный фильм Луи Фейада «Вампиры», а в 1922-м в Германии Фридрих Вильгельм Мурнау снял один из шедевров экспрессионизма – «Носферату». При этом последний основывался именно на романе Брэма Стокера, но из-за проблем с авторским правом историю о бессмертном вампире пришлось переделать. Но подлинная слава к зловещим кровопийцам пришла только тогда, когда за дело взялась американская компания Universal, решившая взяться за набиравший обороты жанр хоррора. Фактически именно ей и ее главе Карлу Леммле (он вынашивал планы экранизации романа Брэма Стокера с тех пор как в 1914-м перебрался в Калифорнию) мы и обязаны той популярности, которая вскоре обрушилась на «очень страшное кино».

Режиссером первого хоррора, запущенного на студии, стал Тод Браунинг, подтвердивший год спустя свою приверженность ко всему странному и необычному из ряда вон выходящими «Уродами», которые в ряде стран даже были запрещены к показу. Звезд же на главные роли в картине, от которой ничего особенного не ждали, приглашать не стали (хотя и пробовали таких звезд, как Пол Муни, Конрад Вайд, Ян Кид, а сам Тод Браунинг мечтал снять в роли Дракулы знаменитого Лона Чейни, которого уже снимал в своих фильмах, но тот скоропостижно скончался от рака бронхов), – роли Дракулы и Ван Хельсинга достались венгру Беле Лугоши (планировавшийся на роль звезда ужасов Лон Чейни умер в 1930 году) и голландцу Эдварду Ван Слоану, которые не только практически соответствовали происхождению главных героев романа Стокера, но и играли вместе в одной из постановок «Дракулы» на театральной сцене. И, хотя до этого они и были романтическими и характерными актерами, после «Дракулы» их жизнь навсегда связалась с «фильмами ужасов» (при этом Лугоши сыграл Дракулу еще раз лишь в 1948 году в комедии «Эбботт и Костелло встречают Франкенштейна»). Что любопытно, роль Мины Харкетт вполне могла исполнить будущая обладательница «Оскара» Бетт Дэвис, имевшая в то время контракт с «Юниверсал», но стечение обстоятельств избавили ее от этой участи (хотя, кто знает, быть может, это было бы любопытно, и жизнь ее сложилась иначе). Самым же удачным приобретением новой картины стал оператор Карл Фройнд, который в 1930 году перебрался в США из Германии, где им были сняты ставшие впоследствии классическими «Голем» (1920), «Тартюф» (1926) и «Метрополис» (1927). «Дракула» стал его пятым фильмом в Америке, поэтому никто не сомневался, что яркий представитель немецкого экспрессионизма как никто другой сможет передать атмосферу ужаса, царящую в романе Стокера. В этом создатели картины не прогадали, так как выпущенный в 1931 году «Дракула» был фактически лишен каких-либо спецэффектов и стал хитом во многом именно благодаря мастерству Карла Фройнда. Примечательно, что из-за отсутствовавшей в то время возможности дублирования картин, параллельно с этим «Дракулой» снималась испаноязычная версия, которая, как говорят немногие из видевших ее, выглядит на порядок лучше оригинала (она была снята всего за одну ночь с испанскими актерами).

Сам роман Брэма Стокера построен в форме своеобразного диалога многочисленных личных записей героев – писем, телеграмм, записок и особенно дневников, которые были достаточно широко распространены среди образованной публики в конце XIX века. Это давало возможность взглянуть на события и героев с разных точек зрения, а также представить всю картину в целом, не упуская нюансы и детали. Это с одной стороны дало большой простор для написания сценария, а с другой – значительно усложнило процесс, так как героями романа является стразу несколько человек, каждый из которых фактически имеет собственную историю, хоть все они и концентрируются вокруг персоны графа Дракулы. Возможно, именно это и побудило Гарретта Форта, автора сценария, обратиться не к самому роману, а к пьесе Хэмилтона Дина и Джона Балдерстона, написанной на основе книги Стокера и с успехом шедшей на Бродвее с Белой Лугоши и Эдвардом Ван Слоаном в главных ролях. Сложно сказать, что это решение было верным, так как оно значительно сузило рамки действия романа и лишило зрителя множества зрелищных сцен, но студия явно не рассчитывала на успех «Дракулы», что и отразилось на минимуме действия и некоторой театральности происходящего. Как уже говорилось ранее, спецэффекты в картине практически отсутствовали, хотя существовавшие тогда технологии вполне могли осуществить большинство из описанных в романе событий. Первоначально продюсер Карл Леммле планировал снимать «Дракулу» с размахом, но из-за Великой Депрессии ему пришлось урезать бюджет до скромных 335 тысяч долларов, из-за чего «Дракула» рядом с появившимися вслед за его успехом «Франкенштейном» и «Мумией» выглядит весьма скромно и даже несколько старомодно. Но тогда боссы студии еще не были уверены в правильности принятого решения и не спешили вкладывать в сомнительный по их мнению проект значительные средства. А жаль, ведь будь они чуточку смелее, мы бы сегодня имели гораздо более зрелищное кино, хотя с другой стороны именно благодаря скромности визуального ряда мы и имеем то, что является классическим образцом «фильма ужасов».

Фильм Тода Браунинга был рассчитан на широкие зрительские круги, не знакомые с первоисточником, поэтому сценарий был весьма вольным переложением романа Брэма Стокера, что отразилось практически на каждом кадре, но при этом каким-то удивительным образом картина все же смогла передать атмосферу литературной основы. Несмотря на это начинается фильм фактически так же, как и роман – с приезда в Трансильванию молодого адвоката, направляющегося к графу Дракуле для заключения сделки о покупке недвижимости в предместье Лондона. Румынское поселение окружают горы, местные жители отговаривают адвоката ехать к графу, а добросердечная хозяйка вешает ему на шею крестик для того, чтобы тому сопутствовала удача. Но на этом соответствие изначальному тексту прекращается, лишь изредка придерживаясь основной сюжетной линии. Для человека, читавшего роман, первым удивлением становится тот факт, что приезд адвоката приходится на Вальпургиеву ночь (канун Святого Георгия в романе), а местный крестьянин сходу выкладывает адвокату то, о чем в романе он начинает догадываться только через пару глав, – в замке Дракулы живут вампиры, которые пьют кровь, выходят из могил и превращаются в волков и летучих мышей. И если в книге адвокат приходит к осознанию своего бедственного положения постепенно, лишь встретив невест Дракулы и увидев графа, ползущего по отвесной стене замка, и успевает окунуться в настоящий кошмар, почувствовав себя пленником Дракулы, то в фильме адвокат не обращает внимания ни на какие предупреждения, встречающиеся ему на каждом шагу, чему во многом способствует тот факт, что вместо положенного месяца он пребывает в замке вампира всего один день. Его не пугают ни предупреждения крестьян, ни волчий вой, ни окружающий его туман, ни летучая мышь, «управляющая» его экипажем, ни самостоятельно открывающиеся двери, ни запустение в замке, ни ползающие по полу броненосцы (!!!), ни сам граф, с легкостью проходящий сквозь паутину (тем самым «Дракула» становится родоначальником всех «ужастиков», в которых безмозглая молодежь, не глядя по сторонам, отправляется в неизвестные дали на поиски «приключений»). Все это нисколько не удивляет адвоката, а вот зрителю, знакомому с романом, предстоит начать удивляться довольно скоро и весьма впечатляюще: в фильме адвокатом оказывается не Джонатан Харкер, а Рэнфилд, который в книге был обычным буйнопомешанным, находящимся на излечении в специализированной клинике. Правда, в данном случае появляются причины его помещения в лечебницу, а также становится ясна его связь с Дракулой. Вообще же создатели фильма весьма вольно обходятся с оригиналом, правда делают это аккуратно и оправданно, не позволяя себе скатиться до образцов типичного хоррора категории «В».

В попытке сократить количество действующих лиц из романа выкидывается целый ряд героев, и если в романе с вампиром боролась организованная группа из 6 (!) человек, то фильм довольствуется двумя – профессором Ван Хельсингом и молодым Джонатаном Харкером, чье имя сокращается до Джона, а занимаемая им социальная ниша ограничивается до возлюбленного Мины (при этом не указывается – является он ее мужем или нет). Ван Хельсинг оказывается работником лечебницы для душевнобольных, которая разрастается до размеров полномасштабного госпиталя, на что указывает сцена в анатомическом театре, хотя у Стокера Ван Хельсинг был всего лишь другом и голландским коллегой доктора Сьюарда. Сам же Сьюард, бывший в романе молодым и крепким мужчиной, оказывается пожилым врачом, который к тому же еще и является отцом Мины, не имевшей с ним в оригинале никаких родственных связей, да и вообще не бывшей с ним знакомой до появления в Лондоне графа Дракулы. Сам же Дракула в исполнении Белы Лугоши тоже значительно отличается от того, что был описан Стокером. По книге граф – это «высокий старик с чисто выбритым подбородком и длинными седыми усами» (см. оригинал). Именно таким его и хотел представить Дэвид Кэррадайн, перенявший через несколько лет эстафету у Лугоши, но и в его случае решено было ограничиться лишь щегольскими черными усиками. Что же касается знаменитого черно-красного плаща графа, то и о нем в романе не говорится, а придуман он был уже на театральной сцене специально для того, чтобы можно было показать сцену исчезновения графа, – актер, исполнявший эту роль, под прикрытием длинного плаща просто скрывался в люке в полу. Но самым удивительным в образе графа в исполнении Белы Лугоши является то, что он ни разу не демонстрирует канонические острые белые зубы, на чем неоднократно концентрирует внимание читателя Брэм Стокер. Любопытно, что и в последующих фильмах о Дракуле этот непременный атрибут вампира появляется далеко не сразу, и лишь Кристофер Ли в постановке 1958 года наконец-то демонстрирует знаменитый кровавый оскал. Но как бы ни странно было явное несоответствие Белы Лугоши с образом, описанном в романе, он на удивление точно передает черты, характерные своему герою, – надменность, властность, холодность и постоянную угрозу. И всего этого Лугоши и Карл Фройнд добиваются только при помощи одних глаз вампира, – оператор, давая крупные планы Дракулы, особенно ярко выделяет светом именно глаза, что придает Лугоши абсолютно дьявольское очарование (для достижения эффекта глаза просто подсвечивали из-за камеры точечными источниками света.). Если же говорить о других героях, то из всех их точно в цель попадает только Ван Слоан: его Ван Хельсинг полностью соответствует описанному Стокером – опытен, мудр, прозорлив, строг, но мягок, когда надо, осведомлен и расчетлив. Джон Харкер из смелого и решительного человека, пережившего ужас вампирского плена, превращается в недалекого и ни во что не верящего субъекта, только мешающего в борьбе с графом, тогда как его боевая подруга Мина становится этакой светской барышней, чья роль ограничивается ролью жертвы вампира. Доктор Сьюард отходит на второй план, где его оттеняет остальная медицинская прислуга – молчаливая сестра Мейд и усатый смотритель Мартин, довольно хилый для усмирения умалишенных, но весьма словоохотливый; именно ему принадлежит замечательная фраза: «Они все психи. Все спятили, кроме нас с тобой. Хотя насчет тебя я не уверен». Отдельного упоминания заслуживает Рэнфилд – пожалуй, самый яркий персонаж: играющий его Дуайт Фрай запоминается сразу – его подобострастный, вечно пригнувшийся Рэнфилд с безумными глазами, мерзким смехом и постоянным дрожащим «Хоз-з-зяин…» довольно точно передает характер «мухоеда», описанного Брэмом Стокером. Напоследок хочется сказать и о подруге Мины – Люси, которая в книге была одним из центральных персонажей, тогда как в фильме она появляется лишь в пяти коротких сценах. И если в начале она предстает дамой, весьма заинтересованной личностью графа и его речами, что дает надежды на возможность возникновения между ними каких-то более сложных отношений, то уже после сцены с «первым поцелуем» мы можем наблюдать Люси лишь дважды – в виде трупа и в виде бродящей по парку «красивой женщины в белом». После этого создатели фильма совершенно забывают о существовании Люси, оставив вампира бродить по городу, тогда как в романе борьба за жизнь медленно уходящей в мир призраков Люси (изгнание демонов из девушки чем-то напоминает в книге обряд экзорцизма из «Изгоняющего дьявола») и последующее ее уничтожение (вбивание кола в сердце и отпиливание головы – достойное хоррора зрелище) является центральной частью повествования. Но это далеко не единственное, чем фильм отличается от первоисточника.

Как уже говорилось выше, многие сцены романа либо исключаются, либо объединяются вместе. При этом самому Дракуле в фильме уделяется гораздо больше внимания, тогда как в книге он существует как бы за границами повествования, постоянно сопровождая наших героев, но не показываясь на глаза. Там он действует открыто лишь в своем замке, тогда как в фильме не гнушается появляться в общественных местах и даже совершенно спокойно ведет беседы с профессором Ван Хельсингом. Однако именно эта его наглость и представляет нам самые запоминающиеся сцены – Дракулу, укрывающегося плащом от распятья, и Дракулу, выбывающего табакерку с зеркалом из рук профессора. А чего стоят его многозначительные фразы: «Для человека есть удел и похуже, чем смерть» или «Для человека, у которого только одна жизнь, вы слишком умны, Ван Хельсинг», ну и конечно классическое «Я никогда не пью… вина». Только за эти крылатые фразы мы можем поблагодарить создателей фильма.

Дракула в фильме появляется довольно часто – в театре, на лондонских улицах, перед окнами Рэнфилда, на террасе, в спальне Мины и Люси. Но при этом нам ни разу не показывают, что именно он делает со своими жертвами, – сперва за окном появляется большая летучая мышь (единственный спецэффект в картине – летучая мышь, трепыхающая своими крылышками на веревочках), затем камера переходит на жертву, потом – на стоящего у окна Дракулу, вот он, вытянув вперед свои тонкие пальцы и согнувшись, медленно и бесшумно приближается к своей жертве, вот он склоняется над ней… и все. Этим преступная деятельность Дракулы и ограничивается, и мы узнаем о ее результатах лишь после того, как нам сообщают о появившихся на шее жертвы ранках. Вообще действия в фильме предельно мало. Так и хочется сказать, что большая часть картины проходит в разговорах, но и их немного, а те, что имеются в наличии, держат на себе сюжет и не являются лишними. Также довольно примечателен тот факт, что в фильме фактически отсутствует музыкальное сопровождение, музыка появляется лишь дважды – в театре, где после прозвучавшей увертюры вдруг воцаряется тишина, позволяющая нам наслаждаться сценой знакомства графа с основными героями, и во время начальных титров, сопровождаемых, как ни странно, музыкой из «Лебединого озера» Чайковского. Все остальное время действие картины развивается в абсолютно естественной тишине. Зная роман и посмотрев другие фильмы о вампирах, только удивляешься тому, как может этот фильм, абсолютно лишенный крови (и это в кино о вампирах!!!) и являющийся при этом хоррором, не казаться комедией и вызывать неподдельный интерес. Конечно, сегодня он выглядит довольно архаично, но при этом все равно производит впечатление. И пусть многие моменты в нем вызывают удивление, а смерть Дракулы остается за кадром (вместо нее нам показывают Мину, избавляющуюся от проклятья вампира под звук последнего вздоха Дракулы; позже в «Дилижансе» Джон Форд таким же образом не покажет главного – дуэли), но фильм по-прежнему не кажется второсортным продуктом, которых о зловещем графе было выпущено великое множество.

Гораздо проще смотреть этот фильм, не читав Брэма Стокера, но гораздо интереснее смотреть его, зная роман. Тогда открывается великое множество нюансов, на которые не обращаешь внимания без знания литературной основы. И, казалось бы, замечаешь, насколько фильм далек от книги, но при этом не можешь не признать того факта, что роман переработан в довольно стройную историю лишь с некоторыми недочетами и упущениями вроде забытой сценаристом Люси. А учитывая хронометраж картины (чуть больше часа), только удивляешься, как создатели картины умудрились запихать все события в столь незначительный промежуток времени.

При этом легендой Дракулу делает именно фильм, а не роман, хотя именно в последнем описываются все основные повадки и способы борьбы с вампирами – от чеснока до кола в сердце; и здесь фильм и книга сходятся только в одном – Дракула не отражается в зеркалах. В остальном же – расходятся: в книге граф не появляется на людях до захода солнца, вместо книжного чеснока Ван Хельсинг использует некую волчью траву, опять же в книге Дракула не носит плаща, но при этом имеет ярко выраженные зубы, да и умирает совсем не так, как у Тода Браунинга – не от кола в сердце, а от солнечного света, рассыпавшись в прах. Но именно соединение этих несоответствий и рождает современный миф о вечно живущем графе, пьющем кровь у невинных и хорошеньких девушек. Все это произойдет позже, когда многочисленные картины о Дракуле самого разного качества и содержания (а их около двухсот) сделают легендой именно того, самого первого Дракулу – медлительного, старомодного, беззубого, но при этом внушающего уважение и олицетворяющего собой опасность и страх. И пусть сегодня он сможет испугать только самого неискушенного зрителя, образ, созданный на экране Белой Лугоши, навсегда останется отправной точкой при любой новой попытке экранизировать роман Брэма Стокера, благо в нем достаточно простора для творческой реализации.

Увы, несмотря на многочисленные попытки, оптимального результата в переносе истории Дракулы на широкий экран не добился никто, и хочется верить, что когда-нибудь мы все же увидим идеального «Дракулу». Ведь как говорил профессор Ван Хельсинг в романе: «Сущность моей речи следующая: я хочу, чтобы ты уверовал. Уверовал в то, во что верить не можешь. На жизнь надо смотреть широко, но не следует допускать, чтобы маленькая ничтожная истина подавляла бы великую истину. Сначала нам нужна незначительная истина. Мы храним и ценим ее, но не следует верить, что она истина всего мира».

P.S.: Когда в 1956 году забытый всеми Бела Лугоши умер, он был похоронен в костюме графа Дракулы – таким, каким его и запомнили миллионы зрителей.

Плюсы: канонический Дракула. И этим все сказано.

Минусы: хотите красок – ищите Кристофера Ли или Гэри Олдмана.

Бабушки бьют наверняка! (1983)

2009-11-26T01:01:00.000-08:00

Бабушки бьют наверняка!
Babicky dobijejte presne!
1983; Чехословакия; 82 мин.

Comedy/Horror/Sci-Fi
* * / 4.8

Режиссер: Ладислав Рихман
В ролях: Даниэла Коларова, Юрий Лябус, Либуше Хавелкова, Катка Урбанкова, Дана Балунова, Карел Хромик, Яна Дитетова, Петр Фролик

Зденек и его жена Ярмила – чрезвычайно занятые люди и не справляются с домашней работой. Чтобы облегчить себе жизнь, они выписывают в фирме «Биотекс» электронную бабушку модели Roza 350 GLS (Хавелкова). Новая бабушка и выглядит как живая и ведет себя как настоящая – убирает, варит, моет посуду, воспитывает детей. Но вскоре появляется одна проблема, – соседи, никогда не ладившие со Зденеком и Ярмилой, тоже покупают себе электробабушку, только более дорогой модели. Вскоре и электорбабушки начинают испытывать неприязнь к соседским семьям, поэтому кроме домашней работы (надо сказать, чрезмерно усердной) они начинают вести тайную войну со своими соперниками. Сперва это обрезанная бельевая веревка с висящим на ней сушащимся бельем, потом – проткнутые автомобильные шины… Противостояние набирает обороты, и когда они начинают убивать хозяйских домашних животных, родители начинают беспокоиться о безопасности своих детей. Ну а когда бабушки-роботы вступают в открытое столкновение и начинают настоящую войну, враждовавшие некогда соседи решают объединиться для того, чтобы уничтожить взбунтовавшие машины, после чего приходят к выводу, что гораздо безопаснее обходиться без роботов.

Эта малоизвестная за пределами Чехословакии картина была снята в 1983 году известным чешским режиссером Ладиславом Рихманом. Он приобрел популярность у себя на родине в 60-х годах, когда в Чехословакии после 1958 года насупило время оттепели. В этот период Рихман снял несколько музыкальных фильмов для кино и телевидения, пользовавшихся большим успехом. Однако после событий 1968 года, известных как Пражская весна, время свободы прошло, а вслед за этим пошла на спад и карьера Рихмана, но он все равно продолжал снимать. Когда на экраны вышли «Бабушки», режиссеру был уже 61 год.

Эта фантастическая история о войне роботов была решена режиссером как комедия с элементами хоррора. Правда, последние в фильме выглядят скорее комедийно, ну а внешний вид робо-бабушек делает происходящее еще более смешным. Так что фильм можно смотреть даже детям, если конечно они смогут его где-то найти. Ну и если они будут знать чешский.

Плюсы: битва роботов-бабулек.

Минусы: допотопные роботы и чешский язык.

Апокалипсис (2006)

2009-11-26T00:18:00.000-08:00

Апокалипсис
Apocalypto
2006; США; 139 мин.

Action/Adventure/Drama
* * * * * / 7.9

Режиссер: Мел Гибсон
В ролях: Руди Янгблад, Далиа Эрнендес, Моррис Бердиеллоухэд, Карлос Эмилио Баез, Джонатан Бревер, Израэль Контрерас, Амилькар Рамирез, Мария Изабель Диаз, Эспиридьон Акоста Каше, Майра Сербуло

Лапа Ягуара (Янгблад) – доблестный сын одного из американских племен майя, живущего в лесу. Жизнь племени посвящена простым радостям – работе, охоте, семье. Племя не ищет себе врагов, оно лишь хочет жить в тишине и покое – в лесу, в котором жили и охотились их отцы и деды. Но однажды и к ним приходит беда в лице зловещих воинов, охотящихся на людей. Их добычей и становится мирное лесное племя. Прежде чем попасть в плен, Лапа Ягуара успевает спрятать свою молодую беременную жену (Эрнандес) с сыном в глубокой яме, сам же он вместе с другими оставленными в живых соплеменниками отправляется в далекий путь навстречу неизвестности. Связанных пленников гонят через лес, реку, каменоломни… в город майя, где их ждет незавидная участь – стать жертвами, принесенными богу Солнца, который должен скрыться во тьме, чтобы потом, после принесенных ему жертв, вновь появиться перед взорами собравшихся людей. Именно в тот момент, когда Лапа Ягуара лежит на жертвенном камне, наступившее солнечное затмение благополучно завершается, что дарит ему еще несколько мгновений жизни.

По приказу жреца, больше не нуждающегося в новых жертвах, воины, захватившие пленников, должны избавиться от них и для этого они выбирают весьма своеобразный способ. Они приводят пленников на открытое место, развязывают их и заставляют их бежать, давая им шанс выжить. Только вот это значительно осложняет то, что на протяжении этих трехсот метров на пути к спасительным джунглям пленники становятся прекрасными мишенями для воинов, вооруженных стрелковым и метательным оружием – луками, копьями, пращами. Добежать до леса практически невозможно и справиться с этим способен только тот, кто ничего не боится и очень хочет жить. Этим человеком и оказывается Лапа Ягуара. Во время бегства он умудряется убить одного из воинов, оказавшимся сыном их военачальника. Тут и начинается настоящая погоня, так как военачальник не желает оставлять в живых беглеца, унесшего жизнь его сына. Погоня превращается в настоящую охоту – на огромной скорости и с десятками труднопреодолимых препятствий. Но, несмотря ни на что, Лапа Ягуара должен выйти победителем в этой схватке, так как его ждет его жена, заточенная в глубоком каменном мешке, откуда выбраться самостоятельно не представляется возможным. А тем временем над джунглями собираются тучи…

Многие даже после «Страстей Христовых» посчитали новый фильм Мела Гибсона жестоким и кровавым. Да, эти люди в чем-то правы – крови здесь хватает. Но вот называть его жестоким не стоит, так как вся жестокость картины обусловлена изображаемой эпохой, когда смерть не казалась чем-то исключительным. На войне, как на войне, поэтому даже главный герой (положительная все-таки персона) чужд какой-либо политкорректности, ведь именно от него зависит жизнь его семьи. На пути к достижению цели им двигают самые первобытные чувства, поэтому фильм и выглядит таким «диким». Но именно эта дикость и является главным стержнем, на котором и держится вся картина. Мел Гибсон редко снимает фильмы, но когда делает это, старается быть честным и всегда старается выбирать для своей истории настоящих героев – будь то предводитель шотландцев Уоллес, полудикий американец Лапа Ягуара или сам Иисус. Всех их объединяет одно – на пути к победе им предстоит преодолеть множество препятствий и заглянуть смерти в лицо. При этом ни один из фильмов Гибсона не длится меньше двух часов, но ему всегда каким-то образом удается удерживать зрительское внимание. И если до этого он позволял себе рассказывать историю, не торопясь, то в «Апокалипсисе» он напротив максимально взвинчивает темп, превращая свой фильм в отчаянную гонку. Фильм начинается с погони, и эта погоня не прекращается до самого его конца. Вся картина – двухчасовой забег с препятствиями, прерываемый редкими передышками, и эти передышки нужны режиссеру только для того, чтобы усугубить драматическую составляющую и еще больше поднять градус действия, которое в этом фильме буквально бьет через край. И все это в картине о жизни полуголых полудиких племен, скупых на слова и эмоции.

Пусть некоторые критики скептически отнеслись к татуированным индейцам, увешанным пирсингом. Пусть некоторые пытались уличить Гибсона в исторических несоответствиях (особенно в том, что касается цивилизации майя и появления в финале испанской конкисты). Пусть некоторым неженкам не понравилось обилие крови (но разве ее не будет, если со всего размаху ударить противника здоровенной дубиной по голове?). Пусть кто-то попытался упрекнуть режиссера в том, что он снова снял фильм на родном для героев языке (основным языком предыдущих «Страстей Христовых» был арамейский). Пусть многие пытались зацепиться за само название – «Апокалипсис» – хотя сам Гибсон неоднократно в своих интервью говорил о том, что греческое слово Apocalypto означает «новое начало», а никак не конец. Но что бы ни говорили те, кому нашлось, что сказать, Мел Гибсон все же снял настоящее кино, что бывает не часто. И это не просто фильм – это настоящий брутальный боевик – без прикрас и лишних сантиментов. Подобных лент не появлялось уже давно, со времен «Хищника» и «Рэмбо». Именно к этим фильмам и близок «Апокалипсис», несмотря на кажущееся сходство с всевозможными доисторическими историями вроде «10 000 лет до нашей эры» и «Борьбы за огонь».

Мел Гибсон (он, кстати, является одним из авторов сценария и продюсером по совместительству), всегда трепетно относящийся к истории в своих картинах, и на этот раз подошел к делу со всей ответственностью. Дабы сохранить аутентичность происходящего и не вызывать упреков зрителей, Гибсон снимал фильм на языке майя, сохранившемся до сегодняшнего дня (картина сопровождалась субтитрами). При этом он полностью отдал себя проекту, пожертвовав своей актерской карьерой и отказавшись от всех предложений (среди которых «Башни-близнецы» Оливера Стоуна), а также принял еще одно решение, казавшееся поначалу весьма спорным – он не занял в своем фильме ни одного известного актера, предпочтя звездам местных жителей, настоящих индейцев, проживающих в мексиканском штате Веракрус, где и проходили съемки. Конечно, основные актеры все же не были дикими индейцами: так Руди Янгблад известен как фолк-танцор, музыкант и художник, тогда как Далиа Эрнандес была всего лишь студенткой Университета в Веракус. Как ни странно, но эти фактически не имевшие кинематографического опыта актеры-любители оказались на удивление гармоничны и талантливы – каждому их поступку, взгляду и жесту веришь на все сто процентов, а любая мысль о том, как в этом фильме смотрелась бы какая-нибудь голливудская звезда, кажется кощунством. Ни один фильм Мела Гибсона не прошел незамеченным, так произошло и на этот раз, правда, в прокате фильм едва окупился, собрав всего на 10 миллионов больше своего 40-миллионного бюджета. При этом фильм был выдвинут на соискание премий Британской киноакадемии и «Золотой глобус» как «Лучший фильм на иностранном языке», а также на три технические премии «Оскар», но, к сожалению, ни одной из этих наград так и не получил (жаль, ведь как минимум оператор Дин Селмер заслужил «Оскар» за то, как он показал лесную погоню – от общих планов до видения самих героев погони). Возможно, киноакадемики посчитали, что Гибсону хватит и всего полученного за «Храброе сердце», но скорее всего они просто еще не готовы к тому, чтобы награждать фильмы, в которых нет ни одного белого человека.

Плюсы: безумная гонка по джунглям.

Минусы: напечатанные белым цветом субтитры периодически теряются на светлом фоне, который иногда оказывается в нижней части экрана.

Аладдин 3: Аладдин и принц воров (2001)

2009-11-25T12:20:00.000-08:00

Аладдин 3: Аладдин и принц воров / Аладдин и король разбойников / (V)
Aladdin and the King of Thieves
2001; США; 80 мин.

Animation/Family/Fantasy/Musical
* * / 5.9

Режиссер: Тэд Стоунз
Роли озвучили: Скотт Вейнер, Линда Ларкин, Робин Уильямс, Джон Рис-Дэвис, Гилюерт Готфрид, Джерри Орбах, Вэл Беттин, Фрэнк Велкер, Джефф Беннетт, Джим Каммингс, Кори Бертон

Вышедший в 1992 году полнометражный «Аладдин» оказался настолько успешен, что продюсеры студии Диснея сразу же задумались о том, чтобы снять продолжение, породив таким образом первый для студии многосерийный франчайз. Но вторая часть была уже не настолько хороша и снималась уже специально для видеопродаж. Она же стала и основой успешного телесериала о приключениях Аладдина и его друзей. При этом наличие сериала и незначительный успех второй части «Аладдина» не помешали продюсерам студии думать о третьей полнометражной картине, которая, правда, появилась далеко не сразу.

На этот раз Аладдин (Вейнер) и Жасмин (Ларкин) как никогда близки к давно ожидаемой свадьбе, которую в самый ответственный момент прерывает ворвавшаяся во дворец банда злых разбойников. Наведя шороху и разграбив Агробу, разбойники под предводительством Касима (эту роль получил Джон Рис-Дэвис, хотя до этого компания вела долгие переговоры с Шоном Коннери) исчезают так же стремительно, как и появились. Во время нападения Аладдин узнает, что за набегом кроется стремление Касима завладеть магическим жезлом, вызывающим оракула, которому можно задать любой интересующий вопрос. В схватке с Касимом Аладдину все же удается отстоять жезл и при его помощи он узнает, что он вовсе ни какой не сирота, а его отец жив и здоров. К тому же оказывается, что его отец – Касим, король разбойников. Отправившись в погоню за разбойниками, Аладдин оказывается в их пещере, открываемой, разумеется, магическим «Сезам, откройся!» Там ему предстоит схватиться со зловещим Салуком (Орбах) и обрести отца, который предпочтет сына своему разбойничьему прошлому. Но не забудет он при этом и о своей цели – оракуле, у которого он узнает о том, где находится волшебный исчезающий остров, на котором спрятан таинственный артефакт – Рука Мидаса, превращающая все, к чему она прикоснется, в золото. За это сокровище и разыграется последняя битва.

Кто знает, быть может для сказки эта история вполне бы могла подойти, но вот к диснеевской сказке об Аладдине она подходит не самым лучшим образом. Все эти «Папа! – Сынок!» больше были бы свойственны индийским мелодрамам со всеми их потерянными и найденными родственниками. Ну а 40 опереточных разбойников, выдающих умопомрачительные вокально-танцевальные номера в духе классического Бродвея, так и вообще превращают третьего «Аладдина» в чистую «Зиту и Гиту». При этом количество героев вновь увеличивается, но ни слащавый Касим, ни его бывший подручный Салук, ставший главным злодеем после воссоединения семьи Аладдина, ни на мгновение не могут скрасить вязнущее в излишней морализаторской мелодраматичности действо.

При этом окончательно и бесповоротно скатиться в абсолютный идиотизм фильму не дает лишь неугомонный Джинни (на эту роль вновь вернулся Робин Уильямс, а вместе с ним и многие гэги, не вошедшие в первого «Аладдина»), которому на этот раз была доверена роль этакого Максима Галкина, пародирующего все и вся, причем делающего это весьма успешно и настолько хорошо, что продолжаешь смотреть фильм уже только в надежде увидеть то, по чему в следующий раз пройдется Джинни. Вот лишь немногие из тех, в кого он превращается: Рокки Бальбоа, Элвис Пресли, Золушка, Белоснежка, Минни и Микки Маус, Русалочка, Джафар, Робокоп, Эйнштейн, Вито Корлеоне, Пумба, Плуто, Моисей, Белый кролик и даже Вуди Аллен. И все эти превращения сделаны как всегда изящно, так что за работу художников и сценаристов, ответственных за чудеса Джинни, можно только похвалить, чего не скажешь о других героях. Увы, они ничем подобным похвастаться не могут. И даже блиставший во второй части попугай Яго уже не может предложить хоть каких-нибудь замечательных выходок.

Как результат мы имеем типичное индийское кино о семейных ценностях от Диснея, в главных ролях в котором снимаются Аладдин и 40 опереточных разбойников, чью компанию иногда успешно разбавляет Джинн, чьи появления выглядят так, будто он совершенно случайно оказался на экране, придя в третьего «Аладдина» из какого-то совсем другого кино.

Плюсы: огромное количество отсылок на классику диснеевской мультипликации и не только.

Минусы: происходящее больше похоже на индийское кино, чем на продукцию студии Диснея.

Аладдин 2: Возвращение Джафара (1994)

2009-11-25T12:00:00.000-08:00

Аладдин 2: Возвращение Джафара (V)
The Return of Jafar / Aladdin 2
1994; США; 69 мин.

Animation/Family/Fantasy/Musical
* * * / 5.3

Режиссеры: Тоби Шелтон, Тод Стоунз, Алан Заслов
Роли озвучили: Скотт Вейнер, Линда Ларкин, Джонатан Фримен, Дэн Кастелланета, Гилберт Готфрид, Джейсон Александер, Джим Каммингс, Фрэнк Велкер, Вэл Беттин, Брэд Кейн

Продолжение знаменитого фильма «Аладдин», не заставило себя долго ждать, ведь успех первого фильма был настолько выдающемся, что помог студии «Дисней» не только как следует заработать, но и найти новые источники для прибыли. Вторая часть «Аладдина», хоть и была сразу выпущена на видео, послужила основой для нового телесериала студии, героями которого стали так полюбившиеся зрителю Аладдин, Жасмин, Яго и неутомимый Джинни.

В новом фильме Яго (Готфрид) с лампой Джафара (Фримен) выбирается из пещеры, но отказывается выпустить того, предпочитая действовать самостоятельно. Он прилетает в Агробу, где втирается в доверие к Аладдину (Вейнер), спасая его от разбойника Абисмаля (Александер) и его банды. Так он оказывается во дворце, где ему все-таки прощают «былые заслуги». Султан как раз собирается сделать Аладдина главным визирем, когда в Агробу после кругосветного путешествия возвращается Джинн (Кастелланета). А в это время лампу случайно находит Абисмаль, Джафар хитростью и угрозами выманивает у него два желания, после чего просит доставить его в Агробу, где он сможет отомстить Аладдину, с которым Абисмаль имеет свои счеты. Пробравшись во дворец, Джафар силой убеждает Яго предать своих «новых друзей», в результате чего все (от Жасмин до Ковра-самолета) оказываются в темнице, а Аладдин приговаривается к смерти. Но в последний момент Яго все же решает быть хорошим и освобождает Джинна, а тот, в свою очередь, – Аладдина. Теперь все, что нужно, чтобы победить Джафара, – это уничтожить лампу. Джафар же пытается вынудить Абисмаля в качестве последнего желания даровать ему свободу. И вновь начинается погоня за лампой, в которой на этот раз участвуют абсолютно все.

Этот часовой мультфильм, в отличие от первого, посвященного Аладдину, скорее является бенефисом Яго, полюбившегося зрителям, хотя он и продолжает сюжетную линию первой части. Но в данном случае все герои отходят на второй план, уступая пальму первенства хитрому попугаю. Именно поэтому Яго становится чрезмерно разговорчив, принимает участие во всем происходящем и даже исполняет сольные вокальные номера. При этом для полноты картины и убедительного хэппи-энда требовалось сделать его положительным героем, так что на протяжении всего фильма он мечется между темной и светлой сторонами, в итоге став именно тем персонажем, кто и сыграет решающую роль в уничтожении Джафара. Другим нововведением сиквела становится появление Абисмаля – злого и жадного, но трусливого разбойника, который хоть и не проявил себя во всей красе, но сделал серьезную заявку на то, чтобы стать одним из основных героев стартовавшего вскоре на телевидении сериала об Аладдине и его друзьях.

В связи с размолвкой между студией «Дисней» и озвучивавшим Джинна Робином Уильямсом от услуг последнего пришлось отказаться. Ему на смену пришел Дэн Кастелланета, уже успевший прославиться озвучанием Гомера Симпсона, легендарного главы семейства Симпсонов. Он, конечно, со своей ролью справился, только вот в отличие от Уильямса, импровизировать не стал, почему его Джинни и не смог повторить успеха Джинна-Уильямса. Остальные же актеры остались на месте и достойно справились с возложенной на их плечи задачей. Только вот для повторения успеха первой части этого явно было недостаточно, поэтому боссы студии решили не тратиться на рекламную компанию и прокат в кинотеатрах и сразу выпустили фильм на видео. Это решение оказалось правильным, так как вряд ли «Аладдин 2» смог бы повторить успех своего предшественника. На видео же фильм расходился хорошо и подготовил публику к сериалу об Аладдине, вскоре запущенному на телевидении.

Несмотря на то, что энергии и искрометности у нового «Аладдина» заметно поубавилось, новая встреча с полюбившимися героями может порадовать зрителей и сегодня. Особенно ярко это выражено в таких харизматичных героях как Яго и Джинни. При этом можно было бы конечно сделать фильм и подлиннее, но видимо фантазии сценаристов (а их было ни много, ни мало 13 человек) на этот раз на большее не хватило.

Плюсы: Джинни все еще на месте.

Минусы: Абисмаль – не лучший образ для антигероя, хотя и удачная находка для телесериала.

Аладдин 1 (1992)

2009-11-25T11:34:00.000-08:00

Аладдин
Aladdin
1992; США; 90 мин.

Animation/Family/Fantasy/Musical/Romance
* * * * * / 7.8

Режиссеры: Джон Маскер, Рон Клементс
Роли озвучили: Скотт Вейнер, Робин Уильямс, Линда Ларкин, Джонатан Фримен, Фрэнк Велкер, Гилберт Готфрид, Дуглас Сил, Чарльз Адлер, Джек Энджел, Кори Бартон

В давние времена на Востоке стоял прекрасный город Агроба, где правил султан (Сил), пусть слегка инфантильный и наивный, но чертовски милый, и была у него единственная дочь – Жасмин (Ларкин) – красавица из красавиц, которой уже давно пора было выйти замуж. Только вот была она с характером и ни в какую не хотела свадьбы по расчету, мечтая о настоящей любви. И однажды ей повезло – сбежав под покровом ночи из дворца в город, она встретила замечательного парня – Аладдина (Вейнер), который, к сожалению, оказался не принцем, а обычным уличным воришкой. Может быть, на этом бы все и закончилось, если бы в историю не вмешалась судьба. Был у султана главный советник – злой и коварный Джафар (Фримен), мечтавший, как это и положено всем злодеям, о власти и могуществе, и узнал он о том, что где-то в песках находится пещера, в которой хранится волшебная лампа с джинном (Уильямс), исполняющим все желания, только вот достать эту лампу мог только один человек. Им-то и оказался Аладдин.

Приблизительно так начинается эта классическая диснеевская сказка, ставшая одним из последних рисованных шедевров студии Диснея. Уже через несколько лет появилась «История игрушек», после которой в мультипликации воцарилось 3D. Но именно на конец 80-х – начало 90-х пришелся настоящий пик успешных и во всех отношениях замечательных рисованных историй – «Русалочка», «Красавица и чудовище», «Король Лев», «Аладдин». Все эти мультфильмы были выполнены в классической диснеевской манере – с юмором, песнями, танцами, веселыми приключениями и непременной романтической историей. Именно так все было и в «Аладдине», в котором сюжет развивался по классическим канонам Голливуда, где добро противостоит злу и обязательно побеждает. Главный герой – Аладдин – подросток, каких миллионы, но он проворен, храбр, умен и сообразителен. Его нарочитую правильность оттеняют его друзья и компаньоны: обезьянка Абу, строящая смешные гримасы и все время норовящая что-нибудь стащить, остается типичным Санчо Пансо и сопровождает своего хозяина и компаньона повсюду; волшебный летающий Ковер, который присоединился к компании в подземной пещере, готов на все ради своих новых друзей; ну и конечно всемогущий Джинн, ласково именуемый Джинни и превратившийся из преданного раба в настоящего друга. А противостоит этой разношерстной компании зловещий змееподобный Джафар со своим прихвостнем – попугаем Яго, почти таким же злым и коварным, только значительно более комичным. И если приключения и экшн выпадают на долю Аладдина, то за комическую сторону дела отвечают именно герои второго плана, особняком среди которых стоит Джинн. Он просто блещет остроумием и ни секунды не стоит на месте, не замолкая ни на минуту и постоянно во что-то превращаясь – от официантов, стюардесс, мертвецов, красоток и кассовых аппаратов до Пиноккио и целого варьете с танцующими слонами и взрывающимися фейерверками. Именно Джинн и несет на себе всю ответственность за то, чтобы как следует развлечь зрителя, и это получается у него с блеском.

Образ джинна художник-мультипликатор позаимствовал у американского карикатуриста Эла Хиршфелда, а его голосом стал популярный комик Робин Уильямс, согласившийся принять участие в проекте только при том условии, что образ и голос Джинна будет занимать не более 25 процентов в любых рекламных и других побочных продуктах. Студия «Дисней», поначалу пошедшая ему навстречу, своего обещания не сдержала, результатом чего стал грандиозный скандал, после которого Уильямс отказался принимать участие в каких-то бы ни было продуктах «от Диснея», помирившись со студией лишь через несколько лет, когда в компании сменилось руководство. При этом любопытно, что конкуренцию Робину Уильямсу в борьбе за роль Джинни составляли такие «мастодонты комедии», как Джон Кэнди, Стив Мартин и Эдди Мерфи. Во время работы над ролью Уильямс был занят в фильмах «Игрушки» и «Крюк», и Стивен Спилберг специально включал громкую связь с актером для того, чтобы поднять настроение всей съемочной группы снимавшегося тогда «Списка Шиндлера». Все это не помешало популярному комику записать 16 часов импровизированного текста Джинна, из которого в фильм вошло меньше 5 процентов.

Сама идея сделать мультфильм из классической сказки об Аладдине пришла в голову Ховарду Эшману, который в 1989 году вместе с композитором Аланом Менкеном работал над «Русалочкой» (следующей их совместной работой станет «Красавица и чудовище»). Он воодушевил своей идеей Менкена и, пока Эшман писал сценарий, тот даже написал 6 песен, но в 1991 году Эшмана не стало. Его сценарий, в котором Аладдин был подростком, доказывающим свою состоятельность родителям, заинтересовал режиссеров «Русалочки» Джона Маскера и Рона Клементса и те взялись за написание развернутого сценария к будущему мультфильму. Они, взяв за основу персонажа Аладдина, полностью переписали сценарий и приблизили его к фабуле классического «Багдадского вора». В связи с тем, что из сценария пропали родители Аладдина, из него была вычеркнута и песня «Proud of You Boy» (песни Менкена по-прежнему остались), которую герой должен был петь своей матери. После нескольких переработок из сценария пропала и песня Аладдина и его друзей (первоначально у него было трое друзей, волшебное кольцо и целых два джинна), а также песня Джафара «Humiate the Boy», которую сочли слишком жестокой, и «Count on Me» – композиция, посвященная друзьям и родителям Аладдина, переработанная позже Менкеном в «оскароносную» «A Whole New World». Всего в фильм не вошло 8 специально написанных песен.

Следующим шагом к успеху стало создание мира Аладдина, для которого было придумано следующее цветовое решение, базировавшееся на трех основных цветах – голубом (он, как цвет воды, символизировал добро), красном (цвет огня, символ зла) и желтом, нейтральном, цвете. Сам Аладдин изначально должен был быть похож на актера Майкла Дж. Фокса, но продюсеры настояли на том, чтобы он был более узнаваем, после чего в его образ внесли внешние черты Тома Круза. С Жасмин все было гораздо проще – она стала симбиозом образов актрисы Дженнифер Коннелли и сестры художника Марка Хена. Джафар же, на которого была возложена функция главного злодея, строился на внешнем сходстве со злой волшебницей Мелифисант, героиней другого диснеевского мультфильма «Спящая красавица».

Вышедший в ноябре 1992 года фильм произвел настоящий фурор. Зрители буквально влюбились в героев мультфильма, результатом чего стало 504 миллиона в прокате (из них в США – 217 миллионов). Фильм даже планировалось выпустить в специальной версии для кинотеатров IMAX, но эти планы так и не были реализованы. Когда же фильм вышел на видео, только в первую неделю он разошелся тиражом в 10,8 миллионов копий. Это достижение было побито только два года спустя «Королем-львом», Кроме всего вышеперечисленного, «Аладдину» принадлежит и другое достижение – именно он стал тем фильмом, после которого студия «Дисней» пришла к решению выпускать продолжения своих успешных проектов.

Благодаря своему отвязному и заразительному настроению, полюбившемуся не только детям, но и взрослым, «Аладдин» стал картиной, вошедшей в золотой фонд киноклассики Голливуда, заставив мультипликаторов двигаться дальше и придумывать новые истории. Так что в появлении «Шреков» и «Мадагаскаров» во многом повинен и он, за что ему отдельное спасибо. Что же касается непосредственно «Аладдина», то он не потерял своей притягательности и в век царствования 3D-анимации, по сей день даря зрителям ни с чем не сравнимые ощущения, способные появиться только от погружения в настоящую волшебную сказочную атмосферу, что и сегодня остается редким явлением в мире, в котором хоть и появляются новые истории, но лишь немногие из них способны надолго остаться в наших сердцах.

Плюсы: один из последних «классических» диснеевских мультфильмов. Ну и конечно бесподобный Джинни!

Минусы: продолжения можно было и не снимать.

Ад в поднебесье (1974)

2009-11-24T12:42:00.000-08:00

Ад в поднебесье
The Towering Inferno
1974; США; 165 мин.

Action/Disaster Film/Drama/Thriller
* * * * / 6.8

Режиссер: Джон Гиллермин, Ирвин Аллен
В ролях: Стив Маккуин, Пол Ньюман, Уильям Холден, Фэй Данауэй, Фред Астер, Сьюзан Блейкли, Ричард Чемберлен, Дженнифер Джонс, О Джей Симпсон, Роберт Воэн, Роберт Вагнер, Сюзан Фланнери

Продюсер Ирвин Аллен прославился тем, что вывел в разряд блокбастеров «фильмы-катастрофы», отметившись такими яркими представителями жанра, как «Приключения Посейдона», «Когда время истекло» и «Землетрясение». «Ад в поднебесье» был, пожалуй, лучшей из «катастроф» своего времени, став эталоном жанра, в котором удачным образом переплелись эффектное зрелище и драматургия человеческих характеров.

В центре Сан-Франциско архитектором Дагом Робертсом (Ньюман) возведен 140-этажный небоскреб из стали, стекла и бетона – совершенный как внутри, так и снаружи. На открытие нового здания, совмещающего в себе жилые и офисные помещения, прибыл весь цвет города – бизнесмены, чиновники, звезды кино и телевидения, и даже мэр с сенатором. Еще до начала вечеринки Даг узнал, что далеко не все его требования к возведению здания (в первую очередь по безопасности) были выполнены, но отменять что-либо уже было поздно, поэтому торжественное мероприятие все же началось. Праздничную обстановку смог прервать только возникший в электропроводке пожар, на который поначалу не обратили должного внимания, и лишь когда прибывшие пожарные приступили к тушению, шеф пожарной команды О’Хэллоран (Маккуин) смог настоять на срочной эвакуации людей. Но так как между очагом возгорания и местом проведения вечеринки было без малого этажей тридцать, его предупреждения всерьез восприняли только тогда, когда огонь отрезал веселящейся публике все пути к спасению. Так около полусотни людей оказались заперты в огненной ловушке, в которой и открылись истинные лица многих из них.

После успеха «Приключений Посейдона» (1972), в котором Ирвин Аллен с размахом утопил гигантский океанский лайнер, крупные студии, почуяв запах больших денег, стали выискивать нечто подобное. Так взгляд студии Warner Bros. упал на роман «Башня» (The Tower) Ричарда Мартина Стерна, права на экранизацию которого были приобретены за $390 тысяч, а восемь недель спустя Ирвин Аллен, работавший на 20th Century Fox, обнаружил похожий роман – «Стеклянный ад» (The Glass Inferno) Томаса Н. Скортиа и Фрэнка М. Робинсона – и купил права на него за $400 тысяч. Оба романа рассказывали об одном и том же – о пожаре во Всемирном Торговом Центре, которому через два десятилетия на самом деле предстояло исчезнуть в результате террористической атаки 11 сентября (любопытно, что съемочный процесс фильма закончился именно 11 сентября). Чтобы избежать конкуренции из-за двух схожих сюжетов, студии решили объединить свои усилия, что стало первым случаем сотрудничества столь крупных студий. Сценарист объединил два романа в один сценарий, составив название фильма из названий обеих книг и взяв по семь персонажей из каждой из них. Из разных книг перекочевали в фильм и варианты спасения людей – спуск на крышу соседнего небоскреба в спасательной люльке был взят из «Башни», а тушение пожара при помощи взрыва резервуаров с водой – из «Стеклянного ада». Благодаря богатому выбору в картину удалось привлечь целый ряд звезд первой величины. Фэй Данауэй, которой досталась роль Сьюзан, подруги Дага Робертса, не только продемонстрировала свои стройные ножки, но и блеснула драматическим талантом, став одним из ключевых героев картины. Звезда мюзиклов Фред Астер сыграл уже немолодого афериста, пытающегося всучить поддельные акции одинокой вдовушке и нашедшего в ней свою последнюю любовь: в этой второстепенной роли он даже умудрился вставить пару танцевальных па и был настолько трогателен, что был удостоен «Золотого глобуса» и номинации на «Оскар». Роли же главных героев – архитектора Дага Робертса и шефа О’Хэллорана – достались Полу Ньюману и Стиву Маккуину. Причем для того, чтобы между ними не возникало конфликтов, их имена на постерах, в начальных и финальных титрах стояли рядом, отметая всякие возможности для споров о первенстве. Равными были и гонорары двух звезд – по миллиону долларов и 7,5% от кассовых сборов. При этом актеры вели себя по разному: Маккуин (как и Данауэй), требовал, чтобы на площадке во время съемок не было посторонних, и отказывался давать интервью, тогда как Ньюман просто попросил, чтобы не было никаких «сюрпризов». Любопытно, что изначально Ирвин Аллен хотел, чтобы роль Дага Робертса сыграл именно Маккуин, но тот соблазнился ролью пожарного, и та (в сценарии роль главы пожарных, известного под именем Марио Инфантино, была сравнительно невелика) специально для него была превращена в одну из главных. Оба актера на съемках фильма проявили себя настоящими мужчинами, самостоятельно выполняя большую часть трюков. Так Ньюман сам спускался по разрушенному лестничному пролету, а Маккуин, когда однажды на площадке вспыхнул настоящий пожар, лично помогал пожарным тушить огонь. Один из пожарных, поначалу не узнавший актера, потом сказал ему: «Моя жена в это никогда не поверит», на что тот ему ответил: «Да я и сам не верю».

Для фильма в голливудских студиях было построено 57 декораций, из которых после окончания съемок осталось стоять только 8 – остальные были благополучны уничтожены. При этом Ирвин Аллен, славившийся размахом и страстью к обилию звезд в своих картинах, в очередной раз умудрился уложиться в сравнительно небольшой бюджет, ограничившись 14 миллионами. При этом он экономил на всем возможном. Так, компьютер, которым управлялась «Стеклянная башня», на самом деле был собран из уцелевших частей компьютера AN/FSQ-7, старой системы ВМС, которая использовалась в 60-х годах, для защиты США от советских бомбардировщиков. Само же здание было на самом деле миниатюрами и изображениями на матовом стекле, а для актеров и исполнителей трюков сооружались лишь части конструкции здания. Натуральные же кадры использовали реально существующий небоскреб «Хайат Ридженси» в Сан-Франциско с дорисованными к нему 50 этажами. Так же, как были распределены роли, между студиями были разделены и режиссерские обязанности: Джону Гиллермину (через два года он снимет ремейк «Кинг Конга» с Джессикой Лэнг) достались драматические сцены, а Ирвин Аллен, оставаясь при этом продюсером картины, снимал все экшен-сцены, включая сцену финального пожарища и тушения его при помощи 700 галлонов воды.

Стоило фильму лишь выйти на экраны, как он мгновенно возглавил список хитов. Люди шли на фильм, привлеченные звездным актерским составом и ожидаемым грандиозным зрелищем гибнущего в пожаре здания. Надежды зрителей оказались не напрасны, и как результат картина собрала в прокате 140 миллионов долларов. Не преминули отметить фильм и киноакадемики: в США фильм собрал 3 «Оскара» и 4 номинации (в том числе за лучший фильм) на него, а в Великобритании был отмечен призом Фреду Астеру и двумя второстепенными номинациями. Также «Ад в поднебесье» был награжден двумя премиями «Золотой глобус». Долгие годы после этого фильм остается любим многими зрителями, а в течение всех 80-х и 90-х он ежегодно показывался под Новый Год шведским телевидением.

Когда в 1974 году снимался этот фильм, никто даже не предполагал, что картина окажется не просто очередным фантастическим развлечением. В конце фильма из уст Стива Маккуина звучат слова о том, что когда-нибудь подобное произойдет в гораздо более значительных масштабах. Кто бы мог подумать, что в 2001 году крупнейшие здания Америки – башни-близнецы Всемирного Торгового Центра – станут объектом нападения террористов, и эта более чем реальная катастрофа унесет жизни нескольких тысяч человек. Так «Ад в поднебесье» из развлекательного «фильма-катастрофы» в один момент превратился в фильм-предупреждение, фильм-пророчество. А безопасные небоскребы строить никто так и не научился…

Плюсы: звездный актерский состав, удачное сочетание зрелищных и драматических сцен – даже не обращаешь внимания на то, что фильм длится больше двух с половиной часов.

Минусы: есть шанс запутаться в обилии героев, да и небоскреб мог бы гореть повнушительнее.

SuperПерцы (2007)

2009-11-24T11:53:00.000-08:00

SuperПерцы
Superbad
2007; США; 114 мин.

Comedy
* * * * * / 7.8

Режиссер: Грег Моттола
В ролях: Джона Хилл, Майкл Сера, Кристофер Минц-Плассе, Сет Роген, Билл Хейдер, Марта Маклсаак, Эмма Стоун, Эвиа, Кевин Корриган

Школьные деньки подходят к концу, выпускной уже на носу, а приятели Сет (Хилл) и Эван (Сера) до сих пор ходят в лузерах, не познавших прелестей любви. При этом по-настоящему сексом озабочен только толстячок Сет, выдающий за первые пятнадцать минут фильма такое количество пошлых скабрезностей, что просто диву даешься (как было подсчитано, слово «fuck» прозвучало в фильме 186 раз). Чего стоит только его рассказ о том периоде его детства, когда ему всюду мерещились члены. Эван же ведет себя гораздо скромнее и серьезнее, ведь он в отличие от своего приятеля готовится поступать в колледж и мечтает только об одной девчонке. При этом оба они чрезвычайно закомплексованы и стеснительны, становясь «крутыми» только в обществе друг друга. Но однажды все меняется, когда красавица Джул приглашает Сета на свою вечеринку – возможно последнюю в школьной жизни.

Есть только одно «но»: Сет сдуру обещает Джул, которую уже видит с собой в койке, что сможет обеспечить всех выпивкой. В этом ему должен помочь Эван и еще один их приятель – Фогель (Минц-Пласс), законченный ботаник и неудачник. Тот подделал фальшивые документы, так что теперь им точно должны продать алкоголь. Фогель вписал в документы просто потрясающую фамилию – Мактрахер (McLovin), или как значится в более откровенном варианте перевода – Ебарь. Но и это оказывается не самым ужасным, ведь в винной лавке ворвавшийся в магазин грабитель съездит Фогелю по лицу, а прибывшая на место полиция возьмет его в оборот, подарив ему незабываемый вечер. Сет и Эван, посчитав, что Фогеля загребли, в поисках обещанной выпивки окажутся на еще одной вечеринке, куда их завезет подозрительный тип, случайно сбивший Сета на своем автомобиле. И события завертятся в таком невообразимом калейдоскопе, что скучать не придется ни героям, ни зрителям. Но веселее всего будет Фогелю, который разъезжая по городу с парочкой придурковатых копов, помешанных на «Звездных войнах», умудрится напиться, подраться, пострелять из пистолета, угробить полицейский автомобиль и даже почти потрахаться (единственный из всей троицы). Но это не значит, что Сет и Эван останутся в дураках, ведь именно этот вечер даст им шанс повзрослеть, познав настоящую дружбу и распрощаться с дурацкими подростковыми комплексами.

Фильм «SuperПерцы», который внешне кажется совершенно стандартной молодежной комедией в стиле «Американского пирога», оказался настолько по-хорошему идиотским, что буквально взорвал кинорынок, сорвав внушительную кассу (121 миллион долларов при 20-миллионном бюджете), не имея ни одного звездного имени в списке создателей. Имена режиссера Грега Моттолы, десять лет не снимавшего большого кино и подвизавшегося на телевидении, а также актеров, занятых в фильме, никому ни о чем не говорили, и лишь Сет Роген, блестнувший незадолго до этого в удачной комедии «Немножко беременна», и продюсер Джадд Апатов, поставивший «40-летнего девственника» и «Немножко беременна» были относительно известны. Но именно «SuperПерцы» вывели всех этих людей в высший дивизион комедийного жанра, причем вполне заслуженно и оправдано, так как комедий такого уровня действительно не снималось со времен первого «Американского пирога». При этом фильм Моттолы больше похож на молодежные комедии 80-х со всеми вытекающими из того времени «Горячими жевательными резинками», только более изобретателен, отвязен и откровенен. Причины же сходства со старыми комедиями кроются в том, что школьные приятели Сет Роген и Эван Голдберг придумали эту историю еще тогда, когда им было по 13, они учились в старших классах и только мечтали о девушках (именно их имена были даны главным героям). Немного подрастя и уже соприкоснувшись с кинобизнесом, они доработали свои детские фантазии и превратили их в одну из лучших молодежных комедий первого десятилетия нового века. При этом Роген, писавший образ Сета с себя, жутко хотел сыграть главного героя, но в силу явного возрастного ограничения вынужден был отдать роль своему лучшему другу – Джоне Хиллу, взяв себе роль одного из безумных копов и окрасив этот образ ну совершенно незабываемыми красками.

Плюсы: SuperКопы и Фогель – убойное трио.

Минусы: жаль, но до секса у парней так и не дошло… хотя шансы у них остались.

THX 1138 (1971)

2009-11-24T11:25:00.000-08:00

THX 1138 / Галактика THX 1138

THX 1138
1971; США; 84 мин.

Drama/Sci-Fi
* * * * * / 6.8

Режиссер: Джордж Лукас
В ролях: Роберт Дювалл, Дональд Плизенс, Дон Педро Колли, Мэгги Макоми, Йен Уолфи, Сид Хейг, Маршалл Эфрон, Джон Пирс, Джонни Вайсмюллер-мл., Роберт Фиро

Сейчас в это сложно поверить, но когда-то не существовало «Звездных войн». Не было тогда и ILM (Industrial Light & Magic) – компании, сделавшей спецэффекты совершенными. Когда-то Джордж Лукас был никому не известным парнем, страстно желавшим делать кино. Но уже тогда он был немного сумасшедшим, ведь только такой человек мог придумать и воплотить в жизнь то, что теперь стало историей.

Объект THX 1138 (Дювалл) живет и работает в некоем совершенном обществе. Иначе как объект его назвать сложно, так как совершенно неясно, кто он, откуда взялся и для чего существует. По-видимому, он и сам не знает ответа на все эти вопросы. Днем он управляет роботом, собирая сложные механизмы, а вечером наслаждается просмотром голографического телевидения, ориентированного либо на эротику, либо на насилие. Вместе с THX живет объект женского пола – LUH 3417 (Макоми). Наверное, они не должны обращать друг на друга внимания, но у них это не получается, – они любят друг друга. Непонятно, разрешается ли делать это в этом обществе, ведь каждый день его граждане должны принимать специальные пилюли, по-видимому, глушащие какие-либо желания. А для успокоения души служит и некий виртуальный проповедник, символизирующий Бога, высшее существо, к которому можно обратиться за помощью в трудный момент. Все должны быть послушными роботами и трудиться на благо общества. Но находятся и те, кто хочет узнать, как это – по-другому… Герои фильма принадлежат именно к этой категории, – взаимное чувство для них важнее общего блага. Кроме того, THX задает слишком много вопросов, сомневаясь в правильности своего существования. Но долго подобное продолжаться не может.

Когда THX разлучают с возлюбленной и судят за «уклонение от приема лекарств и сексуальные отклонения от нормы», он оказывается в некоем бесконечно белом пространстве среди таких же отщепенцев, как и он. Они произносят невнятные вычурные монологи, призывая то к единству, то к революции. Но здесь никто никого не слышит, никто никому не верит, никто ни на что не надеется. Лишь один из них, SEN 5241, обращает внимание на THX. Он ведет с ним пространные беседы, но герой не обращает ни на кого внимания. Он словно закрыт внутри своей скорлупы, внутри своего «я». Его лишили смысла жизни – лишили любви. И, несмотря на то, что ему уже промыли мозги, он не забыл об этом. Долгое время THX остается безучастным ко всему и лишь после того, как ему возвращают LUH, чтобы потом вновь забрать (сон это или реальность – этот вопрос так и остается открытым), он принимает решение – уйти. Он хочет не столько найти свою любимую, сколько вырваться из этого мира. Уйти из реальности, хотя какая реальность является мнимой, а какая настоящей – неизвестно. Однажды он начинает свой путь. Он не знает, куда нужно идти. Он просто идет. С ним увязывается SEN, так, из интереса, проверить, хватит ли у THX сил и терпения. Но есть у него и свои интересы – он ищет Бога, того самого, из прошлой жизни. Белой пустоте вокруг не видно конца, но однажды беглецам на пути встречается еще один странник, который просто потерялся. Но он знает, где выход.

Выйдя из пустоты одиночества, герои оказываются среди сотен себе подобных. Таких же – одетых в белое и обритых наголо, спешащих по своим делам и ни на кого не обращающих внимание. Таких, какими когда-то были они – существ, не имеющих цели. Все вокруг шумит и движется, но не имеет жизни, как и окружающее все холодное пространство, созданное из стали, стекла и бетона. Весь этот мир совершенно безличен, ни одно из населяющих его существ не имеет души, кажется, что все они – винтики в едином механизме, предназначенном для какой-то высшей, недоступной их пониманию цели. И среди этого движутся наши герои, проходя сквозь лабиринты стальных конструкций и безучастных машин. Все это время их будут преследовать представители местной правоохранительной системы, которая следит за каждым и ведет строгий финансовый учет – во сколько обходится тот или иной объект. Эти безликие существа со стальными лицами, закованными в полицейские шлемы, идут по следу, но все время отстают на полшага. Героям все же удается получить ответы на мучающие их вопросы, но лишь отчасти, поверхностно. Так, SEN находит Бога, с которым он общался столько времени, но тот оказывается всего лишь элементом телевизионной студии. Он – фикция, обман, но существует ли настоящий Бог? На этот вопрос SEN ответа не находит, а когда пытается сделать еще один шаг вперед, страх перед неизвестным берет верх и он возвращается в пусть бездушный, но привычный мир. THX же, узнав, что LUH разобрана на органы, продолжает искать свою правду, искать выход из окружающей его действительности. Он не останавливается и бежит вперед, пытаясь вырваться из темницы, в которую заточен. И когда он на автомобиле мчит по пустынному тоннелю навстречу неизвестности, он все еще верит в то, что ответ где-то рядом, нужно лишь успеть до него добежать. Преследователи сидят у него на хвосте, почти настигая его, но когда из координационного центра приходит сообщение, что расходы на объект превышают все допустимые нормы, его оставляют в покое. Его, лезущего по металлическим поручням гигантского колодца навстречу свету. Тогда он и обретает настоящую свободу. А когда он оказывается на поверхности и в первый раз видит бескрайнее небо и огромное солнце на нем, он не только находит ответ, но и обретает смысл. И пусть впереди неизвестность, теперь он свободен…

Джордж Лукас снял очень тонкое, философское кино, смотря которое не сразу осознаешь всей его глубины. И если в «Звездных войнах» он окружил всю философскую начинку сказочным антуражем, то здесь он предельно реалистичен. Несмотря на то, что действие происходит в выдуманном мире будущего, все вопросы, которые поднимает автор, актуальны и сегодня. Поиск своего «я», попытка обрести свободу и найти ответ на главный вопрос – это то, что интересует каждого. Заключив героя в подземные лабиринты гигантской фабрики, Лукас показывает тем самым не столько безразличный к человеку мир, сколько его личную тюрьму, в которой заключен каждый из нас. Все хотели бы вырваться из нее, но не каждый делает первый шаг. Быть не как все – вот один из главных призывов этой медленной, но все же динамичной картины.

В своем первом фильме Лукас предельно точен, что отражается во всем – от точно выверенного сценария до безупречно выстроенной картинки. Каждый кадр фильма – идеальная фотография, за что можно благодарить не только Лукаса, но и работавших с ним операторов – Дэвида Майерса и Альберта Кина. И пусть картине не хватает тепла, а главенствующим цветом в ней является белый, все это совершенно оправдано задумкой режиссера. Смотря этот фильм, не сразу начинаешь понимать, чего именно хочет режиссер. Сюжет кажется невнятным, действие – вялотекущим, герои – безликими. Возникает куча претензий. Такова уж была воля режиссера – для понимания этой картины нужно досмотреть ее до конца. И лишь потом понимаешь, что хотел сказать автор. Понимаешь многое, но вопросы все равно остаются.

В год выхода картины сравнивать ее было практически не с чем, и что-то подобное можно было обнаружить только в литературе. Так что тогда какие-либо параллели можно было проводить только с «Космической одиссеей» Стэнли Кубрика. Сегодня же, когда фантастика стала одним из самых востребованных жанров, начинаешь замечать, что след «THX 1138» можно найти во многих фильмах. Вышедший несколькими годами позже «Побег Логана» также рассказывал о попытке вырваться из «идеального» общества. По духу близок ему и «1984», по Джорджу Орруэлу. Даже «Матрица» со своим миром машин и людей-батарей явно ориентирована на фильм Лукаса. Но ближе всего к фильму, как бы это странно не звучало, находится картина Майкла Бэя «Остров», которая по сути своей просто разжевывает сюжет «THX 1138». Конечно сомнительно, чтобы Джордж Лукас в 1971 году задумывался о клонировании или чем-то подобном. Скорее он имел в виду нечто другое. Да и не столько это было для него важно. Гораздо важнее для него было выразить, как это – обрести свободу.

Плюсы: идеальная гармония изображения и действия, за которыми скрыт глубочайший смысл.

Минусы: не сразу понимаешь, куда клонит Лукас, но в итоге и это становится плюсом.

20.000 лье под водой (1916)

2009-11-24T11:00:00.000-08:00

20.000 лье под водой
20,000 Leagues Under the Sea
1916; США; 105 мин./84 мин. (британская версия)

Action/Adventure/Sci-Fi
* * * / 7.0

Режиссер: Стюарт Пэйтон
В ролях: Луис Александер, Кертис Бентон, Уоллас Кларк, Аллен Холубар, Дэн Хэнлон, Мэтт Мур, Уильям Уэлш, Ховард Крэмптон

Это уже не первая экранизация классического приключенческого романа Жюля Верна «20.000 лье под водой»: ранее выходили немые короткометражки 1905, 1907 (режиссером этого фильма был один из родоначальников кино Жорж Мельес), 1913 и 1914 годов. Но только в 1916 году появилась первая полнометражная картина, которая отличалась от предшественниц не только хронометражем, но и некоторыми своими особенностями и техническими достижениями, что и позволило ей оставить свой след в истории.

Сегодня этот фильм среди историков и любителей кино известен не благодаря сюжету или актерской игре, а благодаря тому, что именно в здесь впервые в истории кино были проведены полномасштабные подводные съемки. Можно говорить, что эти «20 000 лье» вошли в историю именно благодаря операторским новшествам, но дело не только в этом, ведь для начала ХХ века это было не только зрелищное, но и просто хорошее кино.

О сюжете картины говорить глупо, ведь историю о капитане Немо и его неожиданных попутчиках благодаря большим тиражам романа Жюля Верна и неоднократным экранизациям знают почти все. Именно Жюль Верн был первым человеком, кто заставил поверить в то, что люди могут плавать и жить под водой.

В фильме капитан Немо (Холубар) пытается отомстить Чарлзу Денверу (Уэлш), из-за которого погибла его дочь. Для этого он строит гигантскую подводную лодку «Наутилус». Денвер соответственно прячет свою дочь от мести капитана на отдаленном острове, куда заносит ураганом воздушный шар с пятью американцами. В это время «Наутилус» атакует в открытом море корабль «Авраам Линкольн», на котором плывет профессор Ароннакс (Хэнлон), после чего профессор и его спутники оказываются на борту «Наутилуса» – сначала как пленники, а затем как гости капитана Немо.

В самом романе профессор Ароннакс охотился за подводным монстром (им по сути и являлся «Наутилус» капитана Немо) и наконец столкнулся с ним в лице настоящего монстра – гигантского кальмара Кракена. Эта сцена создателям фильма была особенно интересна, так как именно в ней можно было продемонстрировать битву между человеком и природой. Настоящие монстры в кино появятся только спустя десятилетия, поэтому для создания этой сцены (как и для многих прочих) нужны были настоящие энтузиасты. Именно поэтому начинающий продюсер Карл Леммле, взяв кредит (фильм обошелся ему в сумасшедшие по тем временам 200 тысяч долларов), пригласил братьев Джорджа и Эрнеста Уильямсон, которые взялись за то, чтобы снять настоящие подводные красоты. Следует заметить, что до них никто никогда не пытался не только снять подводный мир, но и поместить в его среду целую фантастическую историю. Стоит признать, что у братьев не было должного по нынешним меркам оборудования, поэтому им пришлось придумывать все самим. Так при помощи хитрой системы подводных линз, ламп и зеркал (именно их отражения снимала камера) они изловчились снять то, что вошло в историю кино как первая подводная съемка. При этом стоит вспомнить, что первый акваланг Жак-Ив Кусто придумал только несколько десятилетий спустя. Однако братья справились со своей задачей, благодаря чему сегодня мы можем наблюдать чудеса операторского искусства, а впоследствии – монтажа и режиссуры.

Специально для подводных съемок киногруппа выехала на Багамские острова, остальные же сцены снимались в Нью-Джерси и на студии Universal в Калифорнии. При этом для съемок фильма были привлечены не только звезды, но и многие неизвестные актеры, сделавшие карьеру позже. Но в любом случае в производстве фильма были заняты настоящие величины кинематографа как тех, так и этих лет. Так, режиссер Стюарт Пэйтон, начав снимать лишь за год до выхода этого фильма, впоследствии снял 67 фильмов (и все это за 20 лет работы – до 1938 года), а оператор Юджин Гаудио был младшим братом Тони Гаудио (впоследствии лауреата «Оскара» за операторскую работу) и за свою недолгую карьеру (он умер в возрасте 34 лет) снял 21 фильм.

В актерском составе тоже были свои находки. Исполнитель Неда Лэнда – Кертис Бентон – к тому времени уже был известным актером, снявшись в 17 фильмах, среди которых главными были роли в картинах «Совесть» (1915), «Сила слабого» (1916) и «Ревность» (1916). Капитан Немо – Ален Холубар – был одним из первых режиссеров Карла Леммле на студии Universal. В этой роли он поставил 33 фильма, также снявшись в 38 фильмах («Белый ужас», 1915; «Совесть», 1915). При этом стоит отметить, что и его судьба могла сложиться удачнее – он умер в 1923 году в возрасте 35 лет во время операции. Удачнее всех оказался Карл Леммле, продюсер картины, ведь именно он основал крупнейшую и по сей день кинокомпанию Universal Pictures. За все время своей работы он принял участие в создании 643 (!) фильмов, среди которых такие хиты, как «Горбун из Нотр-Дамма» (1923), «Шок» (1923), «Призрак оперы» (1925), «Человек, который смеется» (1928), «На западном фронте без перемен» (1930), «Мост Ватерлоо» (1931), «Дракула» (1931), «Франкенштейн» (1931), «Мумия» (1932), «Человек-невидимка» (1933), «Черный кот» (1934), «Невеста Франкенштейна» (1935) и «Ворон» (1935). Он никогда не боялся использовать классические и общеизвестные сюжеты, и именно это держало его на плаву. Многие жанры появились на свет именно благодаря ему, и даже сегодняшнее царствование кинокомикса во многом обязано Леммле, ведь именно он был тем, кто снял первую полнометражную версию комикса «Флэш Гордон» в далеком 1936 году.

По нынешним меркам к фильму можно было бы найти много претензий, но если учесть, что кинематограф появился за два десятилетия до появления картины, то то, что сделали в 1916 году, оказывается просто удивительным фактом того, как молодые кинематографисты умудрились сделать фантазию реальностью. Их «20.000 лье под водой» сразу же после выхода на экраны стал хитом и вошел в историю кино как классика научной фантастики. Можно посмотреть его и сегодня, особенно если учесть тот факт, что в 1991 году фильм был отреставрирован и переиздан с музыкой Александра Рани и Брайана Бенисона.

Кинокомпания Universal до этого фильма не была крупной компанией, Карл Леммле не был известным продюсером, а Жюль Верн был малоизвестным за океаном французским беллетристом, однако именно после этой картины все они вошли в историю и стали теми, с кем до сего дня считается жизнь.

Плюсы: классика кино, проверенная временем и сохранившаяся в нем + возможность посмотреть первые в истории подводные съемки (как бонус для дайверов).

Минусы: фильм слишком стар для того, чтобы выглядеть как 90 лет назад, поэтому значительно потерял в качестве изображения.

Тяжелые времена (1975)

2009-11-23T12:44:00.000-08:00

Тяжелые времена / Уличный боец
Hard Times / The Streetfighter
1975; США; 93 мин.

Action/Drama
* * * / 7.2

Режиссер: Уолтер Хилл
В ролях: Чарльз Бронсон, Джеймс Кобурн,аргарет Блай, Майкл Макгуайр, Фелис Орланди, Эдвард Уолш, Брюс Гловер, Роберт Тессье

30-е годы, США. Немногословный (как подсчитано, за весь фильм он произнес меньше 500 слов) уличный боец Чейни (Бронсон) уже не молод, но все еще крепок. Однажды он предлагает свои услуги опытному, но не самому удачному дельцу по имени Спенсер «Спид» Уид (Кобурн). Тот занимается подпольными боями, и Чейни оказывается для него настоящей находкой – в первом же бою он валит своего противника с первого удара. Ударив по рукам Спид и Чейни отправляются в турне по подпольным рингам Америки, и из каждого боя Чейни неизменно выходит победителем. Ставки на его победу повышаются с каждым разом, и вот наконец он выходит на бой с чемпионом, за которым стоит местный воротила. Уложив и этого бойца, Чейни на время отходит от дел, но ему придется вновь продемонстрировать свою силу. Все дело в том, что Спид задолжал крупную сумму местному мафиози. и когда он вместо того, чтобы расплатиться, проигрывает все заработанное в кости, мафиози берет его в заложники. Теперь спасти Спида может только Чейни, который должен сойтись в бою с новым бойцом проигравшего воротилы, жаждущего реванша.

В середине 70-х Чарльз Бронсон («Великоблепная семерка» 1960, «Большой побег» 1963, «Грязная дюжина» 1967, «Однажды на Диком Западе» 1968, «Жажда смерти» 1974) находился на пике карьеры и был в прекрасной форме, что он с успехом продемонстрировал в «Тяжелых временах», спортивном боевике, поставленном Уолтером Хиллом. Хилл еще не был известным режиссером и снимал свой первый фильм, а настоящий успех ждал его впереди – время «Воинов», «Скачущих издалека» и «48 часов» еще не пришло. Но снять качественный боевик это ему не помешало, и бывший сценарист Уолтер Хилл снял свой дебютный фильм в Новом Орлеане за 38 дней. Конечно, до «Рокки» этому фильму было далеко, но и фильм с участием Сталлоне появился на экранах только год спустя, так что сравнивать его с «Тяжелыми временами» тогда было еще рано. Но все же фильм Хилла оказался весьма достойным внимания, чему во многом способствовала харизма Чарльза Бронсона, которую он пронес через всю свою продолжительную кинокарьеру. Здесь он как всегда играет сурового и немногословного «самца», опирающегося на только ему известные принципы чести и достоинства. Аккомпанирует ему Джеймс Кобурн («Одинокий всадник» 1959, «Великолепная семерка» 1960, «Большой побег» 1963, «Пэт Гарретт и Билли Кид» 1973), также не пытающийся выйти за рамки привычного амплуа. При помощи двух этих звезд Уолтер Хилл и снимает свой фильм, большую часть времени которого занимают кулачные бои, больше напоминающие современные бои без правил, чем классический бокс – бой без перчаток и правил до полной и окончательной победы. Нельзя сказать, чтобы эти схватки выглядели особенно зрелищно, но для Америки 30-х годов они смотрятся вполне гармонично, да и сняты они на вполне достойном уровне, хоть им и далеко до гонконгских боевиков и все того же «Рокки». В любом случае этот фильм не пытается прыгнуть выше своей головы, что только идет ему на пользу и ставит его на высокие позиции в списке лучших фильмов о подпольных боях, коих за годы существования кино было снято достаточное количество. Учитывая же тот факт, что немногие из них достойны похвалы, «Тяжелые времена» и по сей день остаются одним из лучших фильмов в своем жанре.

P.S.: Фильм вышел в Великобритании под названием «Уличный боец», но так как одноименный фильм был снят в 1974 году режиссером Сони Чиба, решено было вернуться к оригинальному названию – «Тяжелые времена».

P.P.S.: Фильм собрал в прокате 5 миллионов долларов при бюджете в 2,7 миллиона.

Плюсы: Чарьлз Бронсон, находящийся в прекрасной форме.

Минусы: как это и свойственно подобным фильмам, сюжет картины достаточно прост и оставляет желать лучшего.

Мумия и проклятие шакалов (1969)

2009-11-23T12:33:00.000-08:00

Мумия и проклятие шакалов
The Mummy and the Curse of the Jackals / Mummy's Curse of the Jackal
1969; США; 86 мин.

Horror
* / 1.6

Режиссер: Оливер Дрейк
В ролях: Энтони Эйзли, Джон Кэррадайн, Роберт Алан Браун, Морин Доусон, Марлиза Понс, Сол Голдсмит, Берк Рейнольдс, Уильям Уиттон

Как известно, фильмы бывают разные. Проще было бы разделить их на хорошие и плохие, но в данном случае мы вспомним о том, что кроме этого бывают и очень плохие фильмы. Некоторые же с трудом вписываются даже в эту категорию. Перед нами именно такой фильм, и если о многих плохих фильмах можно сказать, что это плохо настолько, что даже хорошо, то «Мумия и проклятие шакалов» – это настолько плохо, что хуже уже почти некуда. Для описания этого непотребного дешевого ужастика (и хоррором-то его язык назвать не поворачивается) достаточно нескольких слов: Скучно! Нелепо! Глупо! Безвкусно!

Сюжет этого «шедевра» Оливера Дрейка, ветерана вестерна категории «В», глуп до такой степени, что порой кажется, что коэффициент интеллекта сценариста колеблется где-то между нолем и единицей, и даже грудной младенец написал бы лучше, если бы умел. В фильме рассказывается история профессора-египтолога (Эйзли – «Дракула против Франкенштейна»), который украл две мумии и решил оживить их при помощи заклинания, которое он прочитал на одной из гробниц. Но произнесенные им слова оказываются проклятием шакалов (кто такие? откуда?), которое превращает профессора в шакала. При этом шакал оказывается самым нелепо выглядящим персонажем во всем фильме и больше походит на жирного кролика, обожравшегося стероидов, чем на представителя собачьего племени. Попутно заклинание оживляет и мумий, которые тоже выглядят весьма экстравагантной парочкой: теперь мы можем полюбоваться на лупоглазого мумифицированного жирдяя и смазливую грудастую девицу (она, между прочим, принцесса). Кроме зрителей всю эту красоту созерцает и главный герой, которому теперь предстоит разгребать все то «гуано», которое вывалится на сверкающие улицы ночного Лас-Вегаса (фильм именно там и снимался – видимо, на оставшиеся от похода в казино деньги). Что самое удивительное, на оживших мумий и шакала-кролика обращает внимание только он, и даже их появление в стриптиз-клубе практически никого не смущает. Что поделать, видимо в Лас-Вегасе, «гнезде порока», уже ко всему привыкли. Вся эта вакханалия будет продолжаться целый час, пока на последних пятнадцати минутах фильма на экране не появится главная приманка «Мумии» – Джон Кэррадайн, блиставший некогда в классических хоррорах студии «Юниверсал» в роли Дракулы и прочих. Его появление ненадолго оживляет тоскливое действо, после чего это безобразие наконец-то благополучно кончается. Всех победили, финальную речь толкнули, конец.

Практически все актеры, чей звездный час пришелся на фильмы ужасов, снимавшиеся в 30-х и 40-х, в конце концов скатились в бездну дешевых телевизионных и кинопостановок, снимаемых на небольших студиях при мизерном бюджете. И если Бела Лугоши (знаменитый Дракула) погряз в болоте фильмов категории «B», то Джон Кэррадайн увяз еще глубже, снимаясь в многочисленных картинах, которые можно было бы отнести разве что к категории «Z», если бы таковая существовала. Эти бездарные фильмы, не успевая пройтись по «деревенским киношкам», исчезали так же быстро, как и появлялись, и Кэррадайн тоже оказался бы вместе с ними на свалке истории, если бы не былые заслуги и не оставленное потомство, пошедшее по стопам отца. И при том, что Кэррадайн снимался в подобном мусоре, он продолжал оставаться актером, что в случае с «Мумией и проклятием шакалов» выглядит настолько явно, что просто режет глаза, так как все остальное по сравнению с этим кажется нелепым недоразумением. Только вот одного Кэррадайна для фильма недостаточно, ведь все прочее – режиссура, сценарий, игра актеров, звук, свет, грим, спецэффекты – находится до такой степени за гранью понимания, что даже и говорить об этом не хочется.

Плюсы: пять минут Дэвида Кэррадайна, пышногрудость смазливой принцессы и саундтрек, в котором дивным образом пересеклись джаз-фанк, ситар, лаунж и рок-безумие.

Минусы: все 86 минут экранного времени.

Мумия жива (1993)

2009-11-23T12:26:00.000-08:00

Мумия жива / Ожившая мумия
The Mummy Lives
1993; США; 97 мин.

Horror
* / 3.1

Режиссер: Джерри О’Хара
В ролях: Тони Кертис, Лесли Харди, Грег Ранглер, Джек Коэн, Мохаммед Бакри, Моско Алкалаи, Моше Ивги, Йозеф Шилоч

В титрах этого фильма указано, что его сценарий написан по мотивам рассказа Эдгара Аллана По, но на самом деле он просто-напросто является очередной версией классического «юниверсаловского» хоррора 1931 года с Борисом Карлоффом в главной роли. В данном случае в очередной раз рассказывается об ожившей мумии (на это раз она носит имя Азири), которая, вернувшись в образе доктора Мохассида, пытается соблазнить и очаровать девушку, в которой мумия видит реинкарнацию своей погибшей в далекие времена любви. Эта история в той или иной интерпретации повторялась на экранах уже неоднократно, но к самой первой «Мумии» смогли приблизиться разве что британская версия студии «Хаммер» (1959) с Кристофером Ли и голливудский блокбастер 1999 года. Детище Джерри О’Хара, сошедшее со стапелей независимой компании «Глобал пикчерз», на лавры победителя не претендовало, поэтому и снималось специально для выпуска на видео, предназначаясь для прокатов и продаж в магазинах. Чтобы хоть как-то при этом привлечь к фильму покупателей, было принято решение пригласить в картину какую-нибудь звезду. Правда, за неимением средств пришлось остановиться на пожилых звездах прошлого, которых заманивали в проект всеми возможными средствами.

Наконец на роль Мумии был подписан Энтони Перкинс («Убить пересмешника»), но он, к сожалению, незадолго до начала съемок скончался. После этого роль была предложена Тони Керису («В джазе только девушки»), который тоже дышал на ладан, но, уже выйдя в тираж, не смог отказать себе в удовольствии снова оказаться на съемочной площадке. Но выбор Тони Кертиса на роль Мумии оказалась большой ошибкой, что впоследствии признали и создатели фильма. Кертис был уже настолько стар, что выглядел в картине чуть ли не старше самой Мумии, а уж о какой-то возможной любви и говорить не приходилось. Его Мумия оказалась совершенно мертвой, став плохой пародией на другие старые второсортные фильмы о мумиях. Отличную компанию Кертису составили и прочие актеры, демонстрирующие потрясающе бездарную актерскую игру. Не отстает от них и режиссер, даже не предпринимающий хоть какой-то попытки для того, чтобы спасти это ужасное зрелище. И лишь некоторые декорации и пейзажи (фильм снимался в Египте) выглядят достойно, но одного этого картине явно не хватает, ведь снимать фильм без актеров – все равно, что пытаться плыть на лодке посуху.

Плюсы: отсутствуют как вид.

Минусы: ну не надо было Тони Кертису ввязыватся а эту аферу, являющуюся одним сплошным минусом.

Метаморфозы (2007)

2009-11-23T12:17:00.000-08:00

Метаморфозы
Metamorphosis
2007; Германия/ Великобритания/
Венгрия/Австрия; 105 мин.

Horror/Thriller
* / 3.7

Режиссер: Джино Ходи
В ролях: Кори Севьер, Ирена А. Хоффман, Кристофер Ламберт, Дженнифер Хайгем, Чарли Холлуэй, Андрис Керн, Флорентина Лам

Двое парней и девушка приезжают в венгерскую глухомань, где один из них хочет посетить местный замок, принадлежавший некогда графине Батори, о которой в местных преданиях говорится как о настоящем вампире. Парень увлекается историей и пишет работу о событиях, происходивших в этих краях 500 лет назад, когда печально известная графиня была линчевана местными жителями, возмущенными гибелью нескольких юных девушек. По дороге к находящемуся поблизости от замка монастырю и постою ребята подбирают красивую местную девушку, которая к их радости говорит по-английски, тогда как практически все остальные местные не понимают ни слова. Уже в монастыре, где им дали несколько комнат, общение героя и девушки затягивается, и довольно быстро они, найдя много общих тем для обсуждения, оказываются в постели. На пике сексуального наслаждения девушка обнажает свои острые клыки и… ничего не происходит. Она отказывается от убийства парня и, попрощавшись до завтра, уходит. После этого действие начинает стремительно набирать обороты. Сперва друзьям отказывают в сопровождении к замку, потом монах говорит им, что та девушка – никто иная, как дочь самой графини Батори, которая живет вот уже несколько столетий. Герой отказывается в это верить, ведь он успел полюбить ее. Вслед за этим они все же отправляются к замку в сопровождении дочери Батори, которая вызвалась быть их гидом. Подробности происходившего дальше ненадолго можно упустить, так как это никак не влияет на происходящие на экране события, хотя герои вдруг оказываются в каких-то подвалах, где некий злобный вампир с лицом сильно сдавшего Кристофера Ламберта разбирается со здоровенным байкером и его девицей. При этом Ламберт долгое время перед тем, как прикончить парочку, забавлялся с ними, предоставив им возможность умертвить его. Байкер, как это ни странно, оказался хорошо вооружен: в бой пошли арбалет, кинжал, распятие, Библия и молитвы, но на вампира это никак не подействовало, а когда все это ему надоело, он по быстрому умертвил сладкую парочку, после чего принялся за вновь прибывших. Из троицы американцев в схватке, разумеется, выжил только главный герой, и помогла ему в этом его возлюбленная вампирша, сказавшая ему: Иди на свет. Когда свет был достигнут, вампир экс-Горца немного поразглагольствовал о том, что это он тут – самый главный вампир (Дракулой, слава богу, именоваться не стал), повозмущался чему-то и умер… А парень, протянув руки к возлюбленной, исчезающей в лучах света, тоже затих. Затих, чтобы прийти в себя под каким-то косогором рядом со своими погибшими друзьями. Сначала он, как и зрители, ничего не понял, но потом появилась его прекрасная вампирша и все ему объяснила. Оказывается, по дороге к замку их машина попала в аварию, его друзья умерли, а он сам пережил клиническую смерть, побывав в преисподней. Но тот ужасный вампир встречался ему там на самом деле, а Батори-младшая оказалась там вместе с ним потому, что как бессмертная вампирша, она может перемещаться между измерений. Так что она помогла ему на том свете как могла, так что теперь все прекрасно, только вот есть один нюанс: для того, чтобы вытащить своего любимого «из могилы», ей пришлось и его сделать вампиром. «И что, я теперь буду вампиром?» – «Да». И точка. Мир, совет, да любовь, и герои удаляются по проселочным дорогам венгерской земли. А тем временем по пыльной грунтовке на раздолбанном грузовичке едет местечковый Ван Хельсинг, в сундучке которого припасены осиновые колья и деревянная киянка для забивания последних в сердца кровопийц…

Вот такую животрепещущую историю придумал, спродюсировал и срежиссировал венгр Джино Ходи, успевший к тому времени снять аж 6 картин (в том числе фильм с говорящим названием «Американский кикбоксер 2»). Зачем он это сделал – непонятно, видимо ему просто очень хотелось снять кино. Хоть какое-нибудь. А тут как раз под руку подвернулся бывший когда-то популярным Кристофер Ламберт, цены на услуги которого уже давно стали доступны чуть ли не любому независимому кинематографисту, нашедшему пару сотен тысяч для формирования бюджета будущего «шедевра». Джин Ходи не смог отказаться от такого соблазна, а оставшиеся пару сотен (вообще-то бюджет, как ни странно составил ни много, ни мало 6 миллионов долларов) потратил на спецэффекты, которые, видимо, помог ему отрисовать соседский сынишка-старшеклассник. С остальными актерами поступили, скорее всего, по тому же принципу, одну половину набрав из соседей, а вторую – завербовав прямо на съемочной площадке из любопытных местных жителей и членов съемочной группы.

А теперь соедините все описанное выше вместе и попытайтесь представить, как именно выглядят все эти «Метаморфозы». А выглядят они невесело, и единственным чувством, которое появляется при просмотре фильма, является обида за неплохого некогда актера Кристофера Ламберта, вот уже два десятилетия катящегося под уклон и умудряющегося падать все ниже и ниже даже тогда, когда дно, казалось бы, уже достигнуто. Глядишь, недалек тот миг, когда мы сможем увидеть постаревшего Горца в рекламе средств для восстановления потенции на каком-нибудь крыжопольском кабельном канале…

Плюсы: эти «Метаморфозы» можно не смотреть.

Минусы: если же ознакомиться с фильмом все же придется, останется только взглянуть на постаревшего Кристофера Ламберта и вздохнуть с сожалением.

Мадагаскар 2 (2008)

2009-11-23T12:05:00.000-08:00

Мадагаскар 2
Madagascar 2: Escape 2 Africa
2008; США; 89 мин.

Adventure/Animation/Comedy/Family
* * * * / 6.9

Режиссеры: Эрик Дарнелл, Том Макграт
Роли озвучили: Бен Стиллер, Крис Рок, Дэвид Швиммер, Джада Пинкетт Смит, Саша Барон Коэн, Цедрик «Энтертейнер», Берни Мак, Алек Болдуин, Шерри Шеферд, Уилл Ай Эм, Элиза Габриэлли, Том Макгрaт, Крис Миллер

Четверка старых друзей решает покинуть сумасшедший Мадагаскар и вернуться домой в Нью-Йорк. В этом им помогают технически продвинутые пингвины во главе с неутомимым Шкипером (его голос принадлежит одному из режиссеров – Тому Макграту). Починив самолет и воспользовавшись гигантской катапультой, они отправляются в полет. С ними летит Джулиен (Барон Коэн), король лемуров, и его «главный министр». Но этот ржавый рыдван вряд ли мог пролететь достаточно долго, так что нет ничего удивительного в том, что он терпит крушение через некоторое время полета, но отважные пингвины обеспечивают судну мягкую посадку. Так герои оказываются в настоящем раю – в Африке. Там каждый из них находит то, что искал: Марти (Рок) находит целое стадо себе подобных, Мелман (Швимер) получает признание жирафов, став доктором-шаманом (больные жирафы до его появления просто уходили в умиральные ямы), Глория (Пинкетт Смит), жаждущая любви, становится объектом вожделения мачо Мофо Мофо (Уилл Ай Эм), чье имя с африканского можно перевести как Секси Секси, а Алекс (Стиллер) находит своих родителей. Именно Алекс и становится зерном раздора в местном зверином племени, где его отца Зубу (Мак) уже давно пытается подсидеть Макунга (Болдуин) – лев с прической в стиле рокабилли. Алекс не проходит испытание на право ношения гривы – он думает, что его ждет танцевальный баттл, но драка оказывается самой настоящей – и его изгоняют из прайда, нацепив на голову дурацкий фруктовый колпак. Так Африка оказывается совсем не тем раем, который искали наши герои, ведь и у остальных не все складывается так прекрасно, как того хотелось бы. Марти однажды осознает, что он совсем не уникален, и все остальные зебры так похожи на него, что даже старый друг Алекс путает его с другими. Глория, увлеченная новым ухажером, понимает, что тот туп и примитивен, а ее вечный воздыхатель Мелвин, мучаясь от неразделенной любви и подхватив старое шаманское проклятие (пятно на шее), уходит в умиральную яму.

Все проблемы, как это ни странно, решаются при непосредственном участии лемура Джулиена, который и в Африке находит свою публику и зажигает по полной. На фоне всех этих событий в африканском заповеднике возникает большая проблема – единственный на всю округу водоем пересыхает. Безумный Джулиен, жаждущий зрелищ, убеждает всех, что нужно принести жертву вулкану, а Макунга отправляет Алекса на поиски решения проблемы за пределы заповедника – на верную смерть. Причина же засухи кроется в том, что люди неподалеку в джунглях устроили плотину. Этими людьми оказываются американские туристы, приехавшие на сафари, чьи джипы были похищены пингвинами, все это время занимавшимися восстановлением потерпевшего крушение самолета. Туристов возглавляет отчаянная старушонка – бывший скаут, которая не боится ни бога, ни черта, и способна порвать кого угодно на американские флажки. Так при помощи пингвинов, старушки и Джулиена вода вернется в долину, Алекс с честью вернется в семью и родное племя, Марти вновь обретет старого друга и свою индивидуальность, а Мелвин и Глория наконец-то найдут друг друга.

Несмотря на то, что во второй части «Мадагаскара» нет по настоящему убойных шуток, на протяжении всего фильма с лица зрителя не сходит улыбка – настолько приятна новая встреча со старыми знакомыми. И не взирая на появление целого стада новых персонажей, все они не мешают получить удовольствие от новой истории. Да, пингвинов в этой серии все так же недостаточно, как и в первом эпизоде, но и это не особо разочаровывает, так как всего в фильме ровно столько, сколько и должно было бы быть – ни больше, ни меньше. И если появление конфликта Зубы и Макунги – не более чем второстепенный сюжетный ход духе Шекспира и «Короля-льва», призванный скрепить сценарий, то обилие Джулиена не оправдывается ничем, за исключением финальной сцены над жерлом вулкана – не особо выдающегося лемура слишком много. Но вот новое появление старушки-скаута из первого «Мадагаскара» с ее вечной присказкой «Плохая киса!» только радует – ее маниакальный характер и приключения в духе «Остаться в живых» приходится весьма кстати второму «Мадагаскару». Со всем остальным же все в порядке – и танцы Алекса, и цинизм пингвиньего спецназа, и бегемотье-жирафья лав-стори, и юмор, и песни (даже пара сольных номеров) во главе с неизменной «Ай лайк ту мув ит», – все это происходит к месту и вовремя, делая картину без пяти минут идеальным фильмом для всей семьи – от дошколят до старшего поколения.

Появление этого фильма было предопределено успехом предшественника, собравшим денег в три раза больше потраченных, так что нет ничего удивительного в том, что команда анимационного отделения DreamWorks решилась выпустить продолжение. Выпустив рождественскую короткометражку о любимых зрителями пингвинах, аниматоры приступили к созданию полного метра. Для этого они даже посетили настоящую Африку, где посмотрели на все живьем, что не могло не сказаться на том, что мультипликационная Африка получилась у них весьма колоритной. Для озвучивания новых героев вновь были приглашены звезды: чернокожий комик Берни Мак, Алек Болдуин и рэппер из Black Eyed Peas Уилл Ай Эм. К сожалению, для Берни Мака эта работа стала последней – за три месяца до премьеры он умер от рака в возрасте 51 года. Именно ему и был посвящен новый «Мадагаскар», сразу после выхода на экраны приковавший внимание как критиков, так и зрителей. И если критики встретили появление фильма весьма сдержанно, то зрители были в восторге, проголосовав за картину своими кошельками. После таких результатов DreamWorks решили не останавливаться на достигнутом, запланировав выход третьей части на 2012 год.

Плюсы: любимые герои все так же хорошо делают старый добрый «ай лайк ту мув ит».

Минусы: слишком много лемура Джулиена и снова мало пингвиньего спецназа.

Маленький магазинчик ужасов (1986)

2009-11-23T11:43:00.000-08:00

Маленький магазинчик ужасов
Little Shop of Horrors
1986; США; 94 мин.

Comedy/Horror/Musical/Sci-Fi
* * * * / 6.6

Режиссер: Фрэнк Оз
В ролях: Рик Моранис, Эллен Грин, Винсент Гардения, Стив Мартин, Тичина Арнольд, Мишель Уикс, Тиша Кэмпбелл, Леви Стаббс, Джеймс Белуши, Билл Мюррей, Джон Кэнди

Мистер Мушник (Гардения) – владелец маленького цветочного магазинчика. У него работают очкастый рохля Сеймур Крейборн (Моранис) и Одри (Грин), длинноногая блондинка с тоненьким голоском. Дела у Мушника не идут, поэтому он решает прикрыть лавочку, но Сеймур и Одри предлагают ему выставить для рекламы одно из тех экзотических растений, которые выращивает в своем подвальчике юный ботаник Крейборн. Так на витрине появляется неизвестное науке растение, которое Сеймур решает назвать Одри II. Расчет оказался верным: в лавке наконец-то появляются посетители. Все было бы просто замечательно, но Одри II отчего-то захворал. Случайно Сеймур укололся и канул кровью на цветок, от чего тот воспрял. Сеймур благоразумно палец в пасть цветочку класть не стал, а просто накапал «под язык» пару капель, после чего Одри II существенно прибавил в размерах.

После этого в магазин валом повалил народ, чтобы посмотреть на удивительное растение, которое юноша, жертвуя собственной кровью, откормил до невероятных размеров. Однажды, когда Сеймур почти усох от потери крови, Одри II вдруг заявил ему человеческим голосом: «Покорми меня!» Так состоялся первый контакт человека и разумного растения. Одри, любовно называемый Двоечкой, оказался веселым парнем, выдающим на гора отменный фанк. Он предложил Сеймуру все блага цивилизации в обмен на пустяковую услугу: нужно только его покормить. На свою беду первым на ужин подвернулся парень Одри, Орин Скривелло (Мартин). Он крут до невозможности, носит черную косуху и рассекает на мотоцикле, что не мешает ему быть отличным дантистом, пусть и с садистскими замашками. Когда Сеймур приходит в больницу к Скривелло, у того был пациент – некий Артур Дентон (Мюррей), и если герой Мартина был садистом, то герой Мюррея оказался мазохистом с большой буквы. За этот небольшой эпизод длинной не больше пяти минут Мюррей выдал такого Джима Кэрри, что не будет преувеличением сказать, что Артур Дентон – одна из лучших ролей Билла Мюррея.

Пока Сеймур хотел пристрелить безумного дантиста, тот скончался самостоятельно, переборщив с веселящим газом. Сеймур кое как дотащил тело до своей лавки, расчленил его во внутреннем дворике и скормил довольному Двоечке. А на утро Сеймур признался Одри в своих чувствах, и все было бы хорошо, если бы ночную расчлененку не увидел мистер Мушник. Так что следующей жертвой Одри II становится именно он, – Двоечка заглатывает его со всеми потрохами, и даже разделывать его не пришлось. Кто бы мог подумать, но вместо суда и следствия Сеймур получил всеамериканскую славу: фото на обложках, собственную телепередачу о садоводстве и контракт на турне по Америке с лекциями по ботанике. А виной этому был Одри II, разросшийся до невероятных масштабов. Да и аппетит у него разыгрался нешуточный. Поэтому когда Сеймур решил уехать со своей любимой Одри куда подальше, Двоечка, не стерпев этого, решил съесть Одри, но Сеймур вовремя успел вытащить ее из пасти похотливого хищника. И так бы возлюбленные и бежали от страшного места, если бы не специалист Американского ботанического общества (еще одно кратковременное появление комедийной звезды – на этот раз Джеймса Белуши), появившийся с предложением заработать на Одри II кучу денег («При правильной рекламе это будет хлеще, чем хула-хуп»). После подобного Сеймуру оставалось одно – уничтожить кровожадного питомца. В схватке, конечно, победил человек, а Двоечка попутно рассказал, что он – пришелец из космоса, плохой и голодный, так что расселиться по всей планете ему было бы весьма кстати, только вот Сеймур так не думал и пришлось ему поэтому ненадолго стать героем. Ну а дальше, разумеется, – хэппи-энд, свадьба, милый картонный домик и зеленая лужайка перед ним. И маленький Одри (по всей видимости за номером III) на клумбе...

Несмотря на жутковатый на первый взгляд сюжет, страшного в этом фильме нет ничего. А вот веселого – напротив очень много. Когда музыкальный продюсер Дэвид Геффен взялся за экранизацию этой истории, он был уже известен на весь мир благодаря знаменитой фирме звукозаписи Geffen. Поэтому когда он взялся за старый (1960 года выпуска) малобюджетный хоррор «Маленький магазинчик ужасов» трэш-мейкера Роджера Кормана, решив сделать из него мюзикл, никто не удивился. Для написания либретто он пригласил Говарда Эшмана, который превратил дешевую страшилку в шикарную комическую пьесу. В этом ему помог композитор Алан Менкен, соединивший в музыкальных номерах классические бродвейские мотивы с рок-н-роллом, фанком и ритм-н-блюзом. Из хоррора история о кровожадном растении превратилась в комедию, наполненную песнями, танцами и отменным черным юмором. Премьера мюзикла состоялась в театре The WPA Theatre, где он и шел некоторое время с очевидным успехом, позволившим Геффену задуматься о кинопостановке. Когда он попытался запустить проект, им заинтересовался сам Стивен Спилберг, который хотел заняться им как продюсер и даже предлагал Мартину Скорсезе занять режиссерское кресло. Однако этого не произошло и, взяв все расходы на себя, Геффен выделил под проект 30 млн. долларов и в 1985 году начал работу над новым «Магазинчиком ужасов».

Режиссером стал Фрэнк Оз («Отпетые мошенники», «Темный кристалл»), а на главную роль был выбран Рик Моранис, уже зарекомендовавший себя в комедиях. Образ Одри сперва предлагался поп-певице Синди Лоупер, а когда та отказалась – Барбре Стрейзанд, но в итоге достался Эллен Грин, исполнявшей роль Одри в театральной постановке. Надо заметить, со своей задачей она справилась на «отлично»: чего стоит только одна ее выдающаяся «каша» во рту. Однако наиболее запоминающимися оказались эпизодические образы, созданные лучшими комиками 80-х – Джеймсом Белуши, Биллом Мюрреем (в оригинале его роль блестяще исполнил начинающий Джек Николсон) и Джоном Кэнди, но самым заметным стал маньяк-дантист Стива Мартина. Не менее удачным оказался и выбор поющего фона – этакого «греческого хора», состоявшего из некогда знаменитых участниц популярных в 50-60-х годах девичьих групп The Ronettes, The Chiffins и The Crystals. Особого упоминания заслуживает и Леви Стаббс, вокалист популярнейшей в те же годы группы The Four Tops, чей голос достался Двоечке, благодаря чему мы получили одного из самых обаятельных монстров в истории кино. Над самим Одри II работала группа кукольников Джима Хенсона, ответственного за создание «Улицы Сезам», «Скалы фрегглов», «Маппет-шоу», а также удивительных волшебных фильмов «Темный кристалл» и «Лабиринт». Именно работа с куклами вызвала наибольшие трудности. Так, когда две самые большие куклы Одри II снимались в одном кадре с живыми актерами, был применен следующий прием: все эти сцены снимались на скорости 16 кадров в секунду, а сцена финального поединка и того медленнее – 12 кадров в секунду. При этом и актеры двигались и артикулировали в замедленном темпе, что дало в итоге превосходный результат – пластика Одри II выглядит настолько гармонично и естественно, что даже не обращаешь внимание на то, что на экране кукла, а не живой персонаж.

Для съемок в Лондоне была арендована самая большая в мире студия «007», где снимались фильмы о Джеймсе Бонде. Режиссер принципиально не хотел разрушать фантастического настроения фильма, поэтому для него был создан целый квартал с улочками, домами и закоулками. В итоге у Фрэнка Оза получилось сделать весьма колоритный район с ярко выраженными чертами. Но ярче всего эта нарочитая кукольность была выражена в грезах Одри о лучшей жизни, которая в ее представлении была как на картинках модного журнала середины века. Поэтому и домик в кадре предстает в виде фанерного фасада, и газон перед ним напоминает ковровое покрытие. Действие фильма происходит во времена правления Кеннеди, поэтому вся бутафория, все костюмы и декорации были выполнены в этом стиле, что лишний раз привнесло в картину фантастическое и слегка наивное настроение.

Работая над музыкальной частью «Магазинчика», из материала, прозвучавшего в мюзикле, было удалено четыре песни, и только финальная песня, исполняемая Одри II, была написана специально для фильма (именно она в итоге была номинирована на «Оскар»). Только вот без танцев решено было обойтись, благодаря чему картина все же не скатилась к полноценному мюзиклу, став самостоятельным произведением большого кино.

Когда работа над фильмом была закончена, после тестового просмотра пришлось полностью переснять финал: в нем Одри II все-таки съедал Одри и Сеймура, после чего выходил «на большую дорогу», круша город под песню «Не кормите растения». На этом финале настаивал сам Геффен, но негативная реакция публики заставила его все же остановиться на хэппи-энде. Правда, в последние кадры создатели все же умудрились впихнуть маленького Одри, добавив таким образом в финальную бочку меда маленькую ложку дегтя. Незадолго до премьеры была проведена весьма любопытная рекламная кампания, в ходе которой в прессе появился ряд интервью с Одри II, после которых он якобы съедал интервьюеров. Несмотря на громкую рекламу и 3,6 миллиона долларов, собранных в первый уикенд, сборы «Маленького магазинчика ужасов» в прокате лишь ненамного превзошли бюджетные вложения. И хотя фильм и был номинирован на премии Британской киноакадемии, «Оскар» и «Золотой глобус», зритель отнесся к картине прохладно, не оценив по достоинству эту черную комедию. Правда, это не помешало в 1991 году запустить телесериал «Магазинчик», основанный на творениях Кормана и Оза. А 1998 году Дэвид Геффен наконец обнародовал версию «в итоге все умерли», включив первоначальный финал в специальное DVD-издание. Продюсер хотел выпустить эту версию и в кинопрокат, но до этого дело так и не дошло. Конечно жалко, что зрителям в результате досталась лишь веселая музыкальная комедия, которой так не хватало хоррора. Может быть, именно поэтому зрители и не заметили вовремя «Магазинчик ужасов» Фрэнка Оза, и только значительно позже оценили по достоинству это «страшно» смешное кино.

Так что если кто-то хочет повысить настроение себе и друзьям хорошим юмором, веселыми песнями и харизматичным главным героем, смотрите и получайте удовольствие. Да, и не забудьте: НИКОГДА НЕ КОРМИТЕ РАСТЕНИЯ!!!

Плюсы: огромное количество – от актерского состава до самого очаровательного в истории кино злодея.

Минусы: кровавый финал из официальной версии все же был вырезан.

Мумия (3): Гробница императора драконов (2008)

2009-11-23T11:24:00.000-08:00

Мумия: Гробница императора драконов
The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor
2008; Германия/США; 112 мин.

Action/Adventure/Fantasy/Horror/Thriller
* * / 5.2

Режиссер: Роб Коэн
В ролях: Брендан Фрейзер, Мария Белло, Люк Форд, Джет Ли, Мишель Йео, Джон Ханна, Изабелла Люнг, Энтони Вонг, Лайам Каннингем, Дэвид Калдер, Джесси Менг, Альберт Кван

Все такой же молодой искатель приключений Рик О’Коннел (Фрейзер) и его заметно постаревшая супруга Эвелин (Белло) наконец-то решили завязать с поиском сокровищ и удалились на заслуженный отдых, предаваясь тихим семейным радостям: Рик рыбачит, а жена пописывает книжки. Однако, через некоторое время (как минимум пару десятилетий, судя по возрасту их сына) к ним подкрадывается неизбежный кризис. Но на их счастье из сын Алекс (Форд), пошедший по стопам родителей, в это время занимается раскопками гробницы китайского императора. Когда-то давно император Хан (Джет Ли) захватил почти весь Китай и решил замахнуться на бессмертие, для чего послал своего генерала на поиски волшебницы Цуян, владеющей секретом вечной жизни. Но волшебницей оказалась не древняя старуха, а сама Мишель Йео. Увидев такую милую женщину, император тут же положил на нее глаз, тогда как ей приглянулся генерал. Но все это не помешало колдунье найти в императорской библиотеке бамбуковый манускрипт, в котором хранилась мудрость веков. Когда древнее заклинание было прочитано, император, посчитав себя бессмертным, перешел ко второму пункту, стоявшему на повестке дня: овладеть приглянувшейся женщиной. Для этого он привязал генерала к лошадям и пустил их в буквальном смысле на все четыре стороны (жаль, что в силу цензурных соображений эта потенциально живописная сцена не вошла в фильм). Колдунья на такое поведение обиделась и прокляла императора, после чего тот подвергся ужасным метаморфозам: начал выделять коричневую жидкость, воспламенился и обратился в глиняную статую, то есть прошел все стадии гончарного производства. Вместе с ним окаменело и с его войско, и все они во главе со своим повелителем на два тысячелетия упокоились в гробнице, занесенной по обыкновению песками бескрайних пустынь. Тут-то их и обнаружил О’Коннел-младший.

В это время его родителей пригласили в Шанхай, куда уже была перевезена скульптурная композиция «Древний император на своей колеснице» дабы те разделили славу отпрыска. И именно в тот момент, когда счастливая семья взирала на глиняного императора, появились злодеи –генерал Ян (Вонг) с отрядом вооруженных солдат, обуреваемый жаждой оживить заколдованного императора при помощи непонятно откуда взявшегося артефакта. О’Коннелов решено было убить попозже, перед этим воспользовавшись их бескорыстной помощью: мама должна была окропить артефакт своей кровью, а папа пригодился для того, чтобы сдвинуть крышку гробницы, ведь он, как известно, в этом деле большой специалист. И император, разумеется, после этих нехитрых операций предстает во всей своей красе, вслед за чем и начинаются настоящие приключения с погонями, драками, чудесными превращениями и неизбежным хеппи-эндом.

Слухи о третьей «Мумии» пошли стразу после успеха второй, но на этот раз сценаристам пришлось потрудиться, так как египетская тема была уже исчерпана. Тут они и вспомнили об армии терракотовых воинов, обнаруженной в 1974 году в Китае рядом с гробницей императора Цинь Ши Хуанди, умершего в 210 году до н.э. Правда, мумиями они не были, но не переименовывать же успешный брэнд в «Глиняных болванов». Сценаристам пришлось напрячь извилины и вспомнить все, что они знали о Китае. Не лишним в их представлениях о Китае оказалась и одна из серий об Индиане Джонсе, явные цитаты из которого во время шанхайского эпизода так и бросаются в глаза, что особенно ярко проявилось в сцене погони по улицам вечернего Шанхая с неизбежным проползанием под днищем мчащегося грузовика, на этот раз замененного на колесницу императора. Другим воспоминанием о Китае стала Великая китайская стена, которая оказывается была возведена никем иным, как нашим императором, во время строительства приказавшим хоронить умерших прямо под стеной. Этот нюанс станет одним из тех неожиданных финтов, которые наполняют третью «Мумию», ведь именно им и предстоит в финале сразиться с армией терракотовых воинов. На этом знания сценаристов о китайской истории иссякли и тут они вспомнили о стране Шангрила, которая якобы находится где-то в Гималаях. Именно туда и решено было направить воскресшего императора, который должен был окунуться в чудесный источник вечной жизни для обретения бессмертия. А промежуточным этапом на пути к волшебной стране стал затерянный в горах храм, который должен указать путь в Шангрила. Там и состоялась главная битва героев и злодеев, а император продемонстрировал, как нарядно он умеет плеваться огнем, обращать воду в лед и повелевать снежными лавинами. Но к тому времени к семейному трио археологов присоединятся китайская девушка Линь (30-летняя Изабелла Люн, начавшая сниматься только в 2005 году, но уже успевшая сняться в 12 фильмах), которая принадлежит к древнему семейству, охранявшему гробницу императора, и знакомый нам по двум первым сериям «друг семьи» (Ханна), который будет всячески стараться внести в картину элементы комедии. То, что придумали сценаристы для битвы в храме, поражает до глубины души: они вызвали на подмогу героям ЙЕТИ (!!!) – самых настоящих снежных людей – этаких Кинг-Конгов в миниатюре, начинающих играть китайскими солдатами в американский футбол (по крайней мере один удар «мячом» над воротами присутствует).

Ну а дальше их фантазия разыграется вовсю. Рик от руки императора будет смертельно ранен, так что придется (при помощи йети в качестве вьючных животных) тащить его в Шангрила, где ему чудесным образом будет возвращена жизнь (привет профессору Джонсу-старшему). Там же их будет поджидать и волшебница Цуян, когда-то превратившая императора в статую, – она окажется бессмертной и матерью Линь по совместительству. Последнее немного расстроит Алекса, который уже положил глаз на девушку, но потом он решит не обращать внимания на разницу в возрасте (как-никак две тысячи лет). Но и это не станет последним супер-свингом сюжета, ведь император, добравшись до источника и окунувшись в водную прохладу, превратится – барабанная дробь – в трехглавого дракона (!!!). Пару раз полыхнет огнем, ударит о землю хвостом, схватит юную красавицу и улетит оживлять свое терракотовое воинство – ну ни дать, ни взять – Змей Горыныч. И тут уже нельзя не вспомнить о том, что убить эту неведому зверушку можно только волшебным кинжалом, который нужно вогнать по самую рукоятку в его злобное сердце. Ну и кончится вся эта катавасия эпохальным сражением «деревянных солдат Урфина Джуса» с «восставшими мертвецами», которые напоминают скелетов из «Пиратов Карибского моря» и «Язона и аргонавтов» пятидесятилетней давности. Так что зрелище будет увлекательным, кое-кто все-таки принесет себя на жертвенный алтарь победы, но «наши» как обычно победят и любовь восторжествует!

Таковы основные сюжетные перипетии третьей «Мумии». Видимо это и имел в виду режиссер картины Роб Коэн, гордо заявлявший накануне премьеры: «Это не сиквел, у нас полностью новый сюжет!» Но точно именно на это и сослалась Рейчел Вайс, мотивируя свой отказ от съемок тем, что ей не нравится сценарий. А его, между прочим, писали Альфред Гоу и Майлз Миллар, ответственные за появление «Смертельного оружия 4», «Шанхайского полдня», второй части «Человека-паука» и хитового сериала «Смолвиль», что, однако, не помогло им в сочинении достойной истории для третьей «Мумии». Брендан Фрейзер, вторая звезда «Мумии», отказываться от предложения не стал, так как его кинокарьера в отличие от Вайс двигаться вперед не спешила, и предложенный гонорар оказался вполне уместен. Но на четвертую часть франшизы Фрейзер уже не рассчитывал, и поэтому (видимо планируя передать эстафету) в картину и был введен сын Рика О’Коннела в исполнении Люка Форда, который до этого снимался преимущественно в сериалах. Режиссер двух первых «Мумий» Стивен Соммерс на этот раз решил ограничиться продюсерскими функциями, пригласив на место режиссера Джо Джонстона («Джуманджи»), но вскоре того заменили на Роба Коэна. Работа над фильмом затянулась, но когда к лету 2008 года он был готов, продюсеры столкнулись с серьезной конкуренцией в лице Индианы Джонс, новый фильм о приключениях которого должен был выйти в то же время: «Все зависит от трейлера. Моя задача показать публике что-то, что будет больше и лучше конкурентов. Люди должны увидеть, почему им надо обязательно пойти на наш аттракцион» (Роб Коэн). На съемки фильма ушло больше денег, чем на два первых фильма, вместе взятых (150 миллионов), но все-таки не смотря ни на что эти деньги все же окупились благодаря мировому прокату, где фильм собрал 200 миллионов долларов. Еще сотню собрал американский прокат, что говорит о том, что посетители кинотеатров все еще жаждут зрелищ, особенно если идут на проверенный продукт.

Так что если не придираться к сюжету отдельно от визуального ряда, фильм смотрится довольно сносно – погони, взрывы, ненавязчивые диалоги, колоритный злодей и знакомые герои. Технически все выглядит вполне достойно, музыка не напрягает, режиссура хоть и не блещет талантом, но все же выдает руку крепкого ремесленника. О выборе актеров стоит поговорить отдельно, так как тут все же имеются некие недоразумения. Джет Ли справился с ролью главного злодея на твердую пятерку, Мишель Йео выступает в привычном амплуа мудрой воительницы, правда, немного обидно, что им так и не дали как следует поколотить друг друга. Так что за Йео пришлось отдуваться Брендану Фрейзеру, от которого Джету Ли даже немного досталось. Но если Фрейзер остался почти тем же Риком О’Коннелом, которого мы знали прежде, то вот с другими членами семьи вышла неувязочка. Из-за того, что Фрейзер выглядит значительно моложе своих сорока, отец из него вышел неубедительный. Заменившая Рейчел Вайс Мария Белло (сериал «Скорая помощь» 1997-1998, «Бар «Гадкий койот» 2000, «Тайное окно» 2004, «Нападение на 13 участок» 2005, «Оправданная жестокость» 2005, «Башни-близнецы» 2006, «Выкуп» 2007), на которую Роб Коэн делал высокие ставки («Снова смотреть на Брендана и Рейчел было бы скучно. Уверен, Мария сделает эту роль своей»), выглядит гораздо старше экранного супруга, что выставляет ее не в лучшем свете, да и обаяния и у нее поменьше, чем у предшественницы. Поэтому она как-то незаметно отходит на второй план, уступая место Люку Форду, снимавшемуся до того преимущественно в телепроектах и имевшему лишь два полнометражных кинопроекта за плчами. Тут, правда, опять сказывается фактор моложавости Фрейзера: сын выглядит почти ровесником отца, и на первых порах это очень мешает сосредоточиться на чудесах сюжета. В остальном же он – обычный клон Фрейзера, только подешевле. Так что как ни старались создатели фильма, им, если говорить о других семьях знаменитых археологов, не удалось добраться не только до семейства Джонсов (Харрисон Форд и Шон Коннери), но даже и до Лары Крофт с папашей (Анджелика Джоли и Джон Войт). Но если с выбором двух этих актеров режиссер и прогадал, то вот с главной задачей он безусловно справился: каким-то образом он умудрился не затягивать такой насыщенный событиями фильм, уложившись всего в полтора часа экранного времени. При этом на фоне умопомрачительных сюжетных кульбитов и обширного использования спецэффектов он не забыл и о лирике, ненавязчиво проведя сквозь фильм вечную идею о семейных ценностях и крепости родственных отношений. Так что, если не обращать внимания на некоторые нюансы, вполне можно даже и получить некое удовольствие от этого фильма, хотя, конечно, второго просмотра третья «Мумия», в отличие от своих предшественников, не заслуживает.

Плюсы: при просмотре в большой компании в фильме можно найти миллион поводов для истерического смеха.

Минусы: Роб Коэн от былой славы не оставил и следа, потратив огромные деньги на создание дешевого аттракциона, что не помешало продюсерам задуматься о 4-й части.

Все парни любят Мэнди Лейн (2006)

2009-11-23T10:48:00.000-08:00

Все парни любят Мэнди Лейн
All the Boys Love Mandy Lane
2006; США; 90 мин.

Horror/Mystery/Romance/Thriller
* * / 5.9

Режиссер: Джонатан Ливайн
В ролях: Эмбер Херд, Майкл Уэлч, Уитни Эйбл, Эдвин Ходж, Аарон Химельштейн, Люк Граймс, Мелисса Прайс, Энсон Маунт

Мэнди Лейн – самая желанная девушка в школе, ее хотят все и некоторые даже принесли себя в жертву этому желанию, а до окончания школы остается совсем немного времени, поэтому срочно нужно заманить ее на последнюю вечеринку и уж там…

Вот собственно и все, что можно сказать о сюжете этого молодежного хоррора, правда не такой уж он и страшный, но все составляющие жанра налицо. Компания подростков как обычно отправляется за тридевять земель на удаленное ранчо, где они будут пить, курить, употреблять наркотики, пошло шутить и заниматься сексом, – стандартная подростковая вечеринка, которую попытается разнообразить таинственный убийца. Главной особенностью этой вечеринки стала Мэнди Лейн (Херд) – аппетитная блондинистая старлетка, которую хотят затащить в койку все присутствующие здесь парни (в количестве трех человек). Девчонки же преследуют схожие цели, только в роли сексуального объекта выступают парни. Единственная, кто не заинтересован в сексуальных развлечениях – Мэнди Лейн, «последняя девственница Америки». С наступлением темноты страсти накаляются, и первой жертвой этих страстей становится одна из девчонок. Ей, как любительнице орального секса, некто в черном загоняет ружейный ствол в глотку (в натуральном смысле этого слова). Кто именно является убийцей, создатели фильма скрывают не долго – уже со второй жертвой мы узнаем в нем Эммета (Уэлч), единственного близкого друга Мэнди, который некогда вынудил одного из поклонников красотки броситься с крыши, поэтому на этот раз на вечеринку его не пригласили. Так что большую часть фильма события развиваются по стандартному сценарию – молодежь отдыхает и резвится, не обращая внимания на то, что постепенно их количество уменьшается. И лишь финал немного порадует искушенного зрителя, так как вполне предсказуемый сюжет все же совершит весьма любопытный разворот, пустив напоследок действие совершенно по другому и ну никак не ожидаемому пути.

Если кто-то ждет от этого среднестатистического псевдо-ужастика (с мизерным бюджетом в 750 тысяч) чего-то особенного, он будет разочарован. Страшно не будет, да и до сокровенной Мэнди Лейн (а ею, между прочим, должна была стать поп-звездочка Хиллари Даф, но до этого так и не дошло) так никто и не доберется, так что вполне предсказуемые в данном жанре насилие и секс так и останутся нереализованными. Фильм явно снимался для старшеклассников, поэтому все возможные рейтинговые ограничения были соблюдены, и даже крови во время съемок было использовано гораздо меньше, чем вынюханного в кадре кокаина. При этом весьма любопытно, что при такой стерильности подростки курят и пьют ну совершенно не щадя себя, явно предпочитая смерть от заболеваний печени смерти от ножа маньяка. Странно, что такой аморальный образ жизни вписывается в рейтинговые рамки, правда, все, ведущие себя подобным образом в конце концов будут наказаны и выживет лишь самый чистый и непорочный. Но о подобных моральных принципах во время просмотра задумываешься в последнюю очередь.

«Все парни любят Мэнди Лейн» – типичный подростковый хоррор, от которого особых откровений вообще-то и не ждешь. Ничего подобного и не произойдет, и только общая ненапряжность происходящего позволяет смотреть этот фильм без раздражения и даже с некоторым интересом.

Плюсы: финальный финт.

Минусы: крови и секса не будет.

Ворон 1 (1994)

2009-11-23T10:33:00.000-08:00

Ворон
The Crow
1994; США; 102 мин.

Action/Crime/Fantasy/ Romance/Thriller
* * * * * / 7.6

Режиссер: Алекс Пройас
В ролях: Брэндон Ли, Рошель Дэвис, Эрни Хадсон, Майкл Уинкотт, Линг Бай, Софья Шинас, Анна Ливайн, Дэвид Патрик Келли, Энджел Дэвид

Это была мрачная и страшная ночь. Ночь жуткого праздника Хэллоуин, называемая в этом городе Ночью Дьявола. В эту ночь город, погруженный во тьму, озарялся огнями пожарищ. Смерть в эту ночь пришла в дом рок-музыканта Эрика и его невесты Шелли. Банда головорезов ворвалась в их дом и жестоко расправилась с молодой парой, оставив после себя лишь груды мусора, кровь и битое стекло. Убийцы так и не были наказаны, и судьба взяла правосудие в свои руки, вложив карающий меч в ладони Эрика Дрейвена, убитого год назад и теперь возвращенного к жизни для того, чтобы отомстить и покарать зло. Кто он теперь? Человек? Призрак, не чувствующий боли? Карающий ангел? Или Ворон, высматривающий своих палачей с высоты полета среди ночи и дождя, который все-таки должен когда-нибудь остановиться…

Это, пожалуй, лучший, если не сказать единственный, готический нуар в истории кино. Снятый по мотивам одноименной графической новеллы Джемса О’Бара, он поразительно точно передает атмосферу рисованной истории: он так же точен, графичен, лаконичен и немногословен. Да и вообще слова здесь не расходуются попусту и несут лишь важную смысловую нагрузку. Те же герои, что болтают понапрасну, заканчивают свой век быстро и бесславно. Когда фильм вышел в свет, сравнивать его с другими экранизациями комиксов не торопились, так как и сравнивать-то было не с чем – Супермен и Бэтмен проходили совсем в другой весовой категории. Поэтому как-то незаметным оказалось то обстоятельство, что у режиссера Алекса Пройаса получилась действительно удачная киноверсия комикса, что и по сей день является не таким уж частым явлением. Мало кто это отметил, поэтому и проходил «Ворон» по разряду мистических боевиков, на чем не в последнюю очередь сказалось участие в нем сына легендарного Брюса Ли. При этом сам Брэндон в фильме особых бойцовых качеств не демонстрировал, обходясь в большинстве своем своей харизмой. А она у актера все же была, жаль только, что продемонстрировать весь свой талант у молодого актера не хватило времени – актер погиб на съемках этого фильма, когда одно из ружей, приготовленных для очередной сцены, оказалось заряжено боевым патроном. Но вовсе не на главном герое, как бы хорош он ни был, основывался успех «Ворона». Главным все же была неповторимая атмосфера, навеянная нуарами 40-х годов с их суровыми героями, мрачными улицами и непрекращающейся хлябью небес.

Брэндон Ли, сын всемирно знаменитого Брюса Ли, начал сниматься в кино с эпизодических ролей в 1985-м, но успел как следует проявить себя лишь в «Разборке в маленьком Токио» 1991 года и «Беглом огне» 1992-го. «Ворон» стал для него первым серьезным проектом, но его смерть 31 марта 1993 года, когда ему было только 28 лет, перечеркнула все надежды на какое-либо будущее. Его смерть многими была воспринята как эхо гибели его отца, который также скончался во время съемок – на «Игре смерти» (1978). Партнеры и противники Брэндона Ли также не смогли достичь высот кино-Олимпа. Исполнившая роль Шелли Рошель Дэвис так и не смогла продолжить свой путь в кино, отказавшись от кинокарьеры. Майкл Уилкотт, сыгравший главного злодея, хоть и успел до этого засветиться в таких фильмах, как «Рожденный 4-го июля» (1989), «Дорз» (199), «Робин Гуд: Мужчины в трико» (1991) и «Три мушкетера» (1993), после «Ворона» отметился лишь в «Мертвеце» (1995), «Странных днях» (1995). И даже опытный Эрни Хадсон (роль сержанта Албрехта), имевший за плечами «Левиафан» и «Охотников за привидениями 2» и пользовавшийся устойчивым спросом на телевидении, не смог войти в высший пантеон звезд, оставшись среди актеров второго эшелона. Так что никто из участвовавших в фильме так и не смог добиться каких-либо высот (любопытно, что на роль Шелли, подружки Эрика, пробовалась Кэмерон Диаз), и лишь Алекс Пройас попытался уйти от «проклятья Ворона», сняв такие далеко не самые худшие фильмы, как «Темный город» и «Я, робот», но в звезды не удалось выбиться и ему. В связи со смертью Брэндона Ли и последовавшими за ней неудачами для остальных членов съемочной группы сам брэнд Ворона был признан голливудскими воротилами несчастливым (и это при 94 миллионах прибыли при 15 миллионном бюджете), что, однако, не помешало тому, чтобы после него появилось 3 продолжения.

Но несмотря на все это в соединение нуара с готическим антуражем, модным как сейчас, так и 15 лет назад, Пройасу удалось достичь идеала. Нуаровое настроение у него накладывется на готическую архитектуру городских кварталов, герои несут в себе черты как нуара, так и готики, ну а Ворон – Эрик Дрейвен (кстати, «raven» по-английски означает ворон) – так вообще идеальное воплощение готического персонажа, которому при этом свойственен и нуаровый цинизм. Нечто подобное спустя десятилетие воплотил в жизнь Роберт Родригес со своим «Городом грехов»: там тоже нуар графической новеллы заступал на территорию фантастического кино. Но в 1994 году о подобном никто не задумывался, что при этом не помешало фильму быстро обрести «культовый» статус, а сегодня только помогает взглянуть на фильм с новых позиций.

Можно смело утверждать, что перед нами – безусловный хит, чью прелесть последовавшие вслед за ним продолжения не столько омрачают, сколько подчеркивают.

Плюсы: уникальная атмосфера готического нуара.

Минусы: это последний фильм Брэндона Ли.

Властелины Вселенной (1987)

2009-11-23T10:17:00.000-08:00

Властелины Вселенной
Masters of the Universe
1987; США; 106 мин.

Action/Adventure/Comedy/Comics/Fantasy/Sci-Fi
* * / 5.1

Режиссер: Гэри Годдард
В ролях: Дольф Лундгрен, Фрэнк Лангелла, Мег Фостер, Билли Барти, Кортни Кокс, Роберт Дункан Макнил, Джон Сайфер, Челси Филд, Джеймс Толкан, Кристина Пиклес, Тони Кэролл, Понс Мар

80-е годы породили волну интереса к жанру фэнтези в кино, они же ее и похоронили. Из всего, что успело тогда выйти, удачей можно назвать лишь фильм «Конан-варвар», тогда как все остальные картины загубили на корню хорошее начинание. Во многом виной этому была недостаточная серьезность постановщиков, надеющихся на то, что красивых девиц, накаченных парней с мечами и одного колоритного злодея для успеха будет достаточно. Да и денег в жанр вкладывалось немного, результатом чего были «фильмы для детей» с бедными эффектами, минимумом батальных сцен, примитивной сценарной основой и отсутствием эпического размаха, столь необходимого жанру «меча и магии». Таким же оказался и фильм «Властелины Вселенной», основанный на популярной серии комиксов о воине Хи-Мене.

Сюжет картины построен вокруг войны на планете Этерния, столпом которой является Волшебница (Пиклес), живущая в замке Грейскул. Когда злой маг Скелетор (Лангелла), желающий завладеть миром, захватывает замок, ему может противостоять только воин Хи-Мен (Лундгрен), которому помогают его друзья Тила (Филд) и Дункан (Сайфер). Однажды они освобождают из плена тенорианца (это такое человекоподобное существо маленького роста с остроконечными ушами и обильной растительностью на лице) Гвильдора, который оказывается косвенно повинен во вторжении Скелетора. Дело в том, что Гвильдор изобрел Космический ключ, который при помощи звукового кода, вводящего определенные координаты, открывает некие «врата», которые позволяют путешествовать сквозь пространство. Именно так Скелетор, похитивший Ключ, проник в замок Волшебницы. Но Гвильдор создал и второй Ключ, которым теперь и пытается завладеть Скелетор. Попытавшись спасти Волшебницу, Хи-Мен и его друзья сталкиваются со Скелетором, который заявляет, что в полночь откроется Великое Око, после чего он полностью завладеет силой Волшебницы и станет полноправным властелином Этернии. Поэтому у друзей остается совсем немного времени, чтобы остановить Скелетора. Однако все осложняется тем, что Ключ случайно «телепортируется» на Землю – в 80-е, где попадает в руки юного музыканта Кевина (Макнил) и его подружки Джули (Кокс). Из-за этого боевые действия переносятся на Землю, которая почему-то за исключением наших героев и нескольких случайных землян совершенно безлюдна, что не мешает Скелетору и его войску пройтись парадным строем по пустынным улочкам провинциального городка для того, чтобы завладеть вторым Ключом и после этого схватиться в финальной схватке с Хи-Меном в замке Грейскул.

Эта история о Хи-Мене основана на комиксах Дональда Глата и вышедшем в 1983 году мультсериале «Хи-Мен и Властелины Вселенной», а основным заказчиком картины была компания-производитель игрушек Mattel (создатели знаменитой красотки Барби), которой принадлежали права на вселенную Хи-Мена. Первоначальной идеей было снять фильм так, чтобы его действие полностью происходило на планете Этерния и было максимально приближено к оригинальному мультфильму. За дело взялись плодовитые продюсеры Йоран Глобус и Менахем Голан, но они не смогли привлечь достаточное количество средств для создания цельного фантастического мира, поэтому после недолгих раздумий было решено большую часть действия перенести на Землю, что значительно сократило возможные расходы. Стоит заметить, что начальный бюджет в $17 млн. в процессе работы все же был увеличен до $22 млн., что сделало «Властелинов Вселенной» самым дорогостоящим проектом для компании Голана и Глобуса. После окончательного утверждения сценария режиссер и продюсеры взялись за подбор актерского состава. Первым в фильм был взят шведский актер Дольф Лундгрен, который к тому времени хоть и прогремел в роли русского боксера Ивана Драго в четвертой части «Рокки», но все же стоил значительно дешевле планировавшегося ранее Сильвестра Сталлоне. На роль Эвел-Лин (главной сподручной Скелетора) поначалу хотели пригласить Сару Дуглас, которая уже играла злодеек в фильмах «Супермен» (1978) и «Конан-разрушитель» (1984), но она не заинтересовалась ролью, поэтому вместо нее и была приглашена Мег Фостер. Ну а образ землянки Джули был доверен юной Кортни Кокс, которая в 90-х выбилась в пусть не главные, но все же звезды. Последним же был утвержден Фрэнк Лангелла, которому досталась роль Скелетора – достаточно сомнительная честь, если учесть, что весь фильм Лангелла проходил в черепоподобном гриме. Если говорить о гриме вообще, то стоило бы его отметить, так как в фильме, несмотря на значительные сокращения, все же осталось достаточно необычных героев (одним из дизайнеров картины был знаменитый французский художник Жан «Мебиус» Жиро), но самым странным оказался Гвильдор, сыгранный карликом Билли Барти (правда, критики не оценили его стараний, номинировав на «Золотую малину»). Несмотря на то, что этого персонажа не было в оригинальном мультфильме, он был создан вместо Орко из мультсериала 1983 года.

Съемки начались 11 августа 1986 года и продолжались до ноября, и в это время компания Mattel, выпускавшая оригинальные игрушки Хи-Мена, даже проводила конкурс, победитель которого должен был получить роль в фильме. Но так как заканчивалось время съемок и уже был превышен бюджет, режиссер впихнул победителя, Ричарда Спондера, на маленькую роль Пигбоя, приспешника Скелетора. Из-за финансовых трудностей кинокомпания решила остановить рабочий процесс на 3 дня раньше, в результате чего от некоторых сцен пришлось отказаться. Позже именно на это и пытались списать не самые лестные отзывы критиков и провал в прокате (фильм так и не смог окупиться в прокате и не добрал до бюджета 4-х миллионов). На самом же деле причина крылась совсем не в этом. «Властелины Вселенной» оказались типичным примером того, как слабая идея без достаточных вложений в спецэффекты не приносит результата. Пытаясь как-то спасти положение, после заключительных титров в фильм была добавлена появляющаяся из озера голова Скелетора, произносящая «Я вернусь!», как бы намекая на продолжение, которого так никогда и не последовало. Для сиквела уже даже был написан сценарий, но после того, как прокат фильма был окончен раньше запланированного и результаты сборов оказались весьма удручающими, мысли о продолжении были забыты, а готовый сценарий в итоге послужил основой для фильма «Киборг» (1989) с участием Жан-Клода Ван Дамма. А в 1988 году на экраны вышел фильм «Шеман: Госпожа Вселенной» – пародия на «Властелинов Вселенной», основанная на его сюжете. И лишь спустя два десятилетия, когда жанр фэнтези был реабилитирован Питером Джексоном, продюсеры вновь вспомнили о Хи-Мене, запланировав выпуск ремейка.

Что уж скрывать, фильм Гэри Годдара действительно был очень слабой подделкой под «Звездные войны» и «Конана-варвара». Скелетор был утрированной копией императора Палпатина, не говоря уже о его солдатах, которые носят на головах практически точные копии шлема Дарта Вейдера. То же касается и боевых сцен, в которых Хи-Мен (все трюки в фильме Лундгрен выполнял сам) мечом отбивает красные лучи бластеров «имперских» солдат. Да и сам Хи-Мен – ничто иное, как невразумительная перепевка Конана в исполнении Арнольда Шварценеггера. Появление же на Земле непонятных существ в резиновых масках вызывает скорее улыбку, чем заинтересованность действием. Так уж получилось, что деньги, выделенные на фильм, делись неизвестно куда, так как все те же «Звездные войны» и «Конан», вышедшие значительно раньше, имели бюджеты, мало отличавшиеся от того, что был выделен на съемки «Властелинов Вселенной». Только в данном случае мы имеем невнятную детскую сказку, в которой абсолютно все – и проработка вселенной, и яркость характеров, и взаимоотношения между ними, и актерский состав, и режиссерская работа, и сценарная база, и грим, и спецэффекты – обещают желать лучшего. Так что единственным оправданием для того, чтобы посмотреть этот фильм, может послужить лишь интерес к тому, что происходило в жанре в 80-х, или странная и ничем не оправданная любовь к довольно-таки посредственному актеру Дольфу Лундгрену. Остальное – за рамками понимания.

Плюсы: смогут найти только дети дошкольного возраста, если…

Минусы: …если дети еще не видели «Властелина Колец».

Вверх (2009)

2009-11-23T09:58:00.000-08:00

Вверх
Up
2009; США; 85 мин.

Adventure/Animation/Comedy/Family
* * * * * / 8.4

Режиссеры: Пит Доктер, Боб Питерсон
Роли озвучили: Эдвард Эснер, Кристофер Пламмер, Джордан Нагай, Боб Питерсон, Делрой Линдо, Джером Ранфт, Джон Раценбергер, Дэвид Кэй, Эли Доктер, Джереми Лири, Микки Макговен

Карл Фредриксен (Эснер) с детства мечтал о небе и дальних странах, а его героем был путешественник Чарльз Манс (Пламмер). Однажды после просмотра киноновостей о любимом герое, в которых рассказывалось о том, что Манса обвинили в подделке скелета неизвестной науке гигантской птицы, Карл познакомился с Элли (Доктер) – такой же как он любительницей приключений. Их общей мечтой стало поселиться у Райского водопада в Южной Америке, но годы шли, они поженились, взрослели, старели, и однажды Карл остался один. Когда его попытались выселить из их маленького домика, за десятилетия обросшего высотками по соседству, он предпринял отчаянный шаг навстречу мечте, которая всегда сопровождала их с Элли жизнь: на воздушных шарах он оторвал от земли свой домик и отправился к южно-американскому водопаду. Не прошло и пяти минут полета, как в дверь постучали. На пороге стоял скаут-карапуз Рассел (Нагай), который незадолго до начала полета заходил к старику с предложением помочь, – для полного счастья и для того, чтобы стать старшим скаутом, ему недоставало всего одного значка – «За помощь пожилым людям». Так в маленьком домике, летящем над облаками в Южную Америку, оказались двое – угрюмый старик мистер Фредриксен и неугомонный мальчишка Рассел. Вместе они доберутся до водопада, а по дороге встретят новых друзей – гигантскую птицу, названную с легкой руки Рассела бекасом по имени Кевин, и мохнатого вислоухого пса Дага (Питерсон), способного «разговаривать» при помощи специального приспособления, разработанного его бывшим хозяином – тем самым Чарльзом Мансом, который вместе со своими собаками живет в этих краях на своем огромном дирижабле и вот уже много лет охотится на Кевина, который должен доказать правоту путешественника и вернуть ему его честное имя. Только вот за годы отшельничества характер Манса окончательно испортился и теперь из доблестного путешественника он превратился в злобного и коварного старикашку. Именно с ним и придется столкнуться очень странной парочке – мистеру Фредриксену и малышу Расселу.

С каждым новым фильмом студия «Пиксар», по праву являющаяся главным на сегодня производителем качественных анимационных фильмов, предлагает зрительскому вниманию все более человечные и добрые фильмы. Начав когда-то «Историей игрушек», «Корпорацией монстров», «В поисках Немо» и «Рататуем», они дошли до гениального в своей лиричности «ВАЛЛ-И» и вот, наконец, сняли фильм «Вверх», уносящий нас на своих воздушных шариках в такие высоты доброты и тепла, что смотреть оттуда на окружающий мир доставляет ни с чем не сравнимое наслаждение. Предлагаемое фильмом приключение при этом умудряется балансировать на стыке жанров, и если «ВАЛЛ-И» был фантастической любовной историей, то «Вверх» – скорее приключенческая драма, чем фантастическая комедия. Хотя в фильме присутствуют и комедийные, и фантастические (одни «говорящие» собаки чего стоят) элементы. Не удивлюсь, если скоро «Пиксар» выпустит чистую, ничем не замутненную драму.

Каждый раз аниматоры «Пиксар» не только доводят до идеала драматургию фильма, но и совершенствуют свое техническое мастерство. В данном случае весь визуальный ряд достоин похвалы, хотя отдельного упоминания заслуживает анимация собак, – глядя на этих животных, не перестаешь удивляться, насколько точно художники смогли передать собачьи повадки, делая их такими реалистичными, что порой забываешь о том, что они нарисованы на компьютере. Люди при этом, как это водится у «Пиксар», весьма условны и утрированы. И это в фильме, главными героями которого являются люди. В «Вверх» студия «Пиксар» впервые сделала центральными персонажами людей – не рыбок, не игрушек, не животных, не роботов, а именно людей. При этом решено было ограничиться минимумом героев, остановившись на пяти персонажах, если не считать Элли, занимающую в сердце Карла главенствующее место, но присутствующую только в первых пятнадцати минутах картины.

Для озвучивания главных персонажей были приглашены далеко не самые последние люди. Пожилого Карла Фредриксена озвучил 80-летний Эдвард Эснер (во французской версии свой голос герою подарил легендарный Шарль Азнавур), лауреат 5 «Золотых глобусов» и 7 премий «Эмми», более известный за свою работу на телевидении (от «Бэтмана» до «Человека-паука»), тогда как самым успешным его кинофильмом является весьма сомнительный «Эльф», где он сыграл Санту (и это при имеющихся в багаже более чем 200 ролях). Его противника Чарльза Манса озвучил его ровесник Кристофер Пламмер, номинировавшийся на «Золотой глобус» лишь однажды и получивший лишь 2 премии «Эмми», но успевший сняться в таких картинах, как «Звуки музыки» (1965), «Ватерлоо» (1970), «12 обезьян» (1995), «Долорес Клейборн» (1996), «Сириана» (2005), «Не пойман - не вор» (2006) и даже сыгравший Гамлета в 1965-м году. И если главные роли озвучили «почетные старики», то свой голос неуклюжему скауту Расселу подарил 9-летний Джордан Нагай, для которого этот опыт стал первым. Российская версия озвучания оказалась не менее удачной, так как роль Фредриксена была доверена уважаемому и узнаваемому голосу Армена Джигарханяна, идеально подошедшему для этой роли. Что же касается тех прекрасных людей, что стали режиссерами «Вверх», то и они имеют очень богатый киноопыт. Пит Доктер, бывший одним из режиссеров «Корпорации монстров», также был соавтором сценариев обеих «Историй игрушек» и «УОЛЛ-И», а Боб Питерсон участвовал в создании «В поисках Немо» и «Рататуя».

То, что именно «Вверх» стал первым анимационным фильмом, открывающим Каннский кинофестиваль (большинство критиков, которым, как известно, уже далеко за 40, были в восторге от фильма), стало важной вехой в развитии анимационной кинематографии, ведь даже появление отдельной номинации «Оскар» не смогло утвердить позицию мультипликации в мире кинобизнеса. Но хочется верить, что именно после таких серьезных картин (именно картин, а не фильмов и тем более не мультиков) и наступит новый век мировой мультипликации, которой уже давно пора выйти из ниши «детского развлечения».

Плюсы: пожалуй, самый добрый фильм года, которому есть чему научить и детей, и взрослых.

Минусы: к сожалению, подобное КИНО появляется нечасто.

28 дней спустя (2002)

2009-11-23T09:18:00.000-08:00

28 дней спустя
28 Days Later...
2002; Великобритания; 113 мин.

Horror/Sci-Fi
* * * * * / 7.6

Режиссер: Дэнни Бойл
В ролях: Киллиан Мерфи, Наоми Харрис, Ноа Хантли, Брэндан Глисон, Меган Бернс, Кристофер Экклестон

Казалось бы, жанр зомби-хоррора к XXI веку умер окончательно и бесповоротно, однако, нашлись те, кто решил возродить забытый жанр. Одним из этих людей оказался британский режиссер Дэнни Бойл, будущий обладатель «Оскара» («Миллионер из трущоб», 2009), прославившийся такими хитами, как «Неглубокая могила», «На игле» и «Пляж». Его решение обратиться к всеми похороненному жанру могло бы вызвать удивление, но после событий 11 сентября и появления вируса «птичьего гриппа» темы грядущего конца света пришлись как никогда кстати. Практически одновременно с фильмом Бойла на экраны вышли не менее удачные «Земля мертвых» родоначальника зомби-хоррора Джорджа Ромеро, ремейк его же «Рассвета мертвецов» и британская комедия «Зомби по имени Шон», пародирующая штампы жанра. На их фоне «28 дней спустя» выглядел не менее эффектно, сместив кровавое пиршество на задний план и выведя на передний человека... Именно благодаря этому фильм и был признан одним из лучших хорроров десятилетия.

28 дней – столько времени прошло с того момента, как жизнь в Великобритании кардинально изменилась. Это произошло после того, как группа радикально настроенных борцов за права животных выпустила на свободу лабораторных обезьян, зараженных новым вирусом бешенства. Неизлечимый вирус, действующий на человека почти мгновенно, вырвался на волю и оказался на улицах Лондона. На покорение Англии вирусу хватило нескольких недель. Все население, пораженное неведомой заразой, превратилось в кровожадных и алчущих плоти живых мертвецов (любопытно, что Бойл, как и Джордж Ромеро в своем первом фильме, принципиально не называет эту нежить зомби).

28 дней спустя после катастрофы в одной из лондонских больниц приходит в себя Джим (Мерфи), молодой курьер, оказавшийся в клинике после автоаварии. Именно это и спасло ему жизнь, – находясь в коме, он не заинтересовал озверевших людей. Так Джим оказался совершенно один в обезлюдевшем мегаполисе, на чьих улицах царят ветер, мусор и пустота. Такой размах ПУСТОТЫ можно увидеть только в фильмах «Ванильное небо» и «Я – легенда». Именно пустота и является главным героем первой трети картины, когда ничего не понимающий Джим бродит по пустынным улицам среди упавших телефонных будок и поверженных двухэтажных лондонских автобусов. Он ищет хоть одну живую душу и вскоре встретит не только себе подобных, но и тех самых новых хозяев мира – живых мертвецов. В том, что касается «мертвецов», все остается в рамках жанра – при выстреле в голову они все-таки умирают. Чуть позже вместе с встретившейся ему Селиной (Харрис), вооруженной по самые уши девушкой-мулаткой, он находит в недрах лондонских новостроек еще двоих выживших – Фрэнка (Глисон) и его дочь Ханну (Бернс) лет 15-ти. Те рассказывают, что по радио передают, что вымерла еще не вся Англия, и люди еще остались. Именно к ним и отправятся наши герои, прорываясь через толпы мертвецов к светлой цели, которая таковой на самом деле не является…

Именно в этот момент зомби-хоррор перестает быть таковым и превращается в гораздо более страшную драму. Пока герои добирались до зоны, свободной от зомби, им пришлось потерять Фрэнка, но это не помешало им оказаться на изолированной военной базе, где их должны ждать мир и покой. Однако именно здесь и начинается самое страшное. С этого момента монстры за периметром простреливаемой полосы уходят на второй план, а главными монстрами становятся обезумевшие от собственной компании и сексуального воздержания вояки во главе с майором Вестом (Экклестон), держащие оборону на базе. Бойл показывает военных, одержимых властью и похотью, и на этот раз «доблестные воины» не выглядят праведными защитниками человечества, они – те самые «зомби», «живые мертвецы», что жаждут мяса и крови. Чему еще тут удивляться, когда солдатня пытается завладеть юными девами, приехавшими к ним с просьбой о защите и помощи. В этих-то сценах и выражена главная мысль картины: кто хуже – человек или зомби? И кто именно перестал быть человеком?.. Человек, пораженный вирусом бешенства и жаждущий плоти ради пропитания, или человек, жаждущий плоти только ради удовлетворения собственного либидо? Ведь именно солдаты-спасители и оказались теми самыми главными злодеями, которые столь необходимы для любого уважающего себя хоррора.

За основу нового проекта Дэнни Бойл взял сценарий, написанный известным британским писателем Алексом Гарландом, с которым он уже работал над «Пляжем». По словам самого Гарланда, когда он писал сценарий, его вдохновляли фантастический роман Джона Уиндема «День триффидов» (1962), кинотрилогия Джорджа Ромеро о зомби («Ночь…», «Рассвет…» и «День живых мертвецов»), а также фильм «Человек Омега» (1971), поставленный по роману Ричарда Мэтисона «Я – легенда». Результатом работы Гарланда стал сценарий, одновременно как напоминающий нам о своих предшественниках, так и значительно отличающийся от них. Следующим ценным приобретением Бойла стал знаменитый английский оператор Энтони Дод Мантл, одна из ключевых фигур творческого объединения «Догма», в рамках которого (начиная с «Торжества», 1998) он снял три фильма. Впоследствии он снимал «Догвилль» (2003), «Мандерлей» (2004) и «Последнего короля Шотландии» (2006). Именно благодаря мастерству Мантла после просмотра «28 дней спустя» в первую очередь в памяти всплывает именно образ опустевшего Лондона.

Сложнее оказалось с выбором актеров на главные роли. Так на роль Джима Бойл планировал взять Эвана Макгрегора («Звездные войны 1-3», «Остров»), которого он сам вывел в звезды в «На игле». Однако, тот был занят, и следующим претендентом стал Леонардо Ди Каприо, игравший в «Пляже». В результате на главную роль был взят малоизвестный тогда Киллиан Мерфи, отметившийся до того только в «Диско-свиньях» 2001 года. Не менее любопытным был кастинг и на другие роли: на роль Селины пробовалась Тильда Суинтон, а на роль майора Веста – Роберт Карлайл («На игле»). Роли достались не им, но Карлайл все же снялся в «28 недель спустя». В итоге основные роли достались малоизвестным актерам, резко пошедшим вверх именно после работы с Бойлом: Наоми Харрис появилась в роли пиратки Тиа Дальмы в успешнейших «Пиратах Карибского моря», Брэндан Глисон после «28 дней» сыграл в «Трое», 4-м и 5-м «Гарри Поттере» и «Беовульфе». А Киллиан Мерфи именно после фильма Бойла привлек внимание Голливуда, снявшись в «Холодной горе» и двух новых фильмах о Бэтмене – «Бэтмен: Начало» и «Темный рыцарь». Судьба Меган Бернс и Кристофера Экклестона сложилась не так удачно, – Экклестон снимался в популярных телесериалах «Доктор Кто» и «Герои», а вот Бернс в кино больше не играла.

Главные трудности при создании фильма были связаны со съемками опустевшего Лондона. Правительство пошло Бойлу навстречу, и при помощи полиции некоторые улицы города были перекрыты, но даже при этом пришлось прибегать к хитростям. Пустые улицы снимали ранним утром в выходные, а на значительном расстоянии от места съемок выставлялись специально приглашенные красивые девушки топлесс, которые таким образом на некоторое время останавливали дорожное движение. Гораздо проще обстояло дело с больницей, в которой просыпался Джим: она, хоть и является действующим заведением, не работает по выходным, поэтому договориться с ее руководством не составило труда. Все остальное снималось за пределами английской столицы, поэтому подобных трудностей перед съемочной группой больше не возникало.

Когда фильм вышел на экраны, он был благосклонно встречен как критикой, так и зрителями, собрав кучу премий и окупившись более чем в 10 раз при бюджете в 8 миллионов. Таким образом Дэнни Бойл в очередной раз доказал, что не тратясь на спецэффекты и не привлекая суперзвезд, можно снять картину не только финансово успешную, но и ценную как для своего жанра, так и для всего киноискусства в целом.

Плюсы: Дэнни Бойл + зомби + опустевший Лондон.

Минусы: судя по происходящим в жизни событиям, все это вскоре может оказаться правдой.

Убей меня (2007)

2009-11-20T19:42:00.000-08:00

Убей меня
You Kill Me
2007; США; 93 мин.

Comedy/Crime/Romance/Thriller
* * / 6.7

Режиссер: Джон Дал
В ролях: Бен Кингсли, Теа Леони, Люк Уилсон, Деннис Фарина, Филипп Бейкер Холл, Билл Пулман, Маркус Томас, Джейн Иствуд, Скотт Хенди, Элисон Сили-Смит

Фрэнк (Кингсли) – почти счастливый человек, ведь у него есть любимая работа, которую он всегда делал с удовольствием. Только вот его работодатели им не очень довольны, так как в последнее время из-за пристрастия к алкоголю он стал недобросовестно относиться к работе и даже пару раз прогулял работу. Может быть, кому-то другому это и спустили бы с рук, но только не Фрэнку, ведь он – наемный убийца. После того, как он «проспал» убийство главного конкурента своего босса, его благодаря старым заслугам отправляют из родного Буффало в Сан-Франциско на «отдых». Там ему находят новую работу (косметологом в морге) и заставляют встать на учет в местном Обществе Анонимных Алкоголиков, чьи заседания он должен посещать регулярно, борясь с соблазном пропустить стаканчик-другой. Скоро он находит себе нового друга – молодого анонимного алкоголика (Уилсон), и подругу (Леони), чьего отчима ему однажды пришлось готовить к похоронам. А в это время в родном Буффало бизнес его босса потихоньку прибирают к рукам конкуренты, и однажды ему придется вернуться, чтобы отомстить за смерть своих старых друзей.
Смотря этот во всех отношениях удивительный фильм, неоднократно наталкиваешься на мысль, а не являются ли его заказчиком те самые Анонимные Алкоголики, пользующиеся в Америке определенной популярностью. На взгляд русского человека их обязательное «Здравствуйте, меня зовут Фрэнк. Я – алкоголик» (за чем следуют непременные аплодисменты) смотрится не столько странно, сколько наивно и навязчиво. Все эти душещипательные откровения бывших пропойц и наркоманов о том, чем они когда-то были, сопровождаемые одобрением им подобных у нас вызывают улыбку, хотя по идее должны вызывать совсем иные чувства. Главный герой сперва тоже относится к данным мероприятиям весьма скептически, но через некоторое время проникается идеей самобичевания и решает-таки однажды тоже открыться, заявив приблизительно следующее: «Здравствуйте, меня зовут Фрэнк. Я – алкоголик. А еще я – наемный убийца, и я люблю свою работу. Но именно алкоголь стал тем, что заставило меня отказаться от любимой профессии. Но я надеюсь скоро вернуться и снова убивать людей…» Такой вот откровенный и открытый этот Фрэнк, за что его и любят. Любопытно, что ни бывших алкоголиков, ни его новых друзей слова киллера ни капельки не удивили. Возможно, они уже и не такое слышали и уже ко всему привыкли, но скорее всего им была просто совершенно неинтересна и безразлична его судьба. Зритель по отношению к Фрэнку испытывает практически то же самое: он ему неинтересен (кассовые сборы это подтвердили: фильм не добрал полтора миллиона до своего и без того не особо шикарного бюджета в 4 миллиона долларов).
А ведь любопытная история могла получиться – не каждый день встречаешь киллера-алкоголика. Из этого можно было сделать неплохую комедию (что-то подобное можно наблюдать в «9 ярдах» с Брюсом Уиллисом) или душещипательную драму о раскаянии бывшего убийцы, но у режиссера Джона Дала (из-под его легкой руки вышли «Убей меня снова» 1989, «Незабываемое» 1996, «Ничего себе поездочка» 2001, «Великий рейд» 2005) не получилось ни то, ни другое. Не помог ему в этом и сэр, между прочим, Бен Кингсли, в 1982 году получивший своего «Оскара» за роль Ганди в одноименном фильме Ричарда Аттенборо и номинировавшийся на главную премию кино-Америки еще трижды. Аккомпанирующие ему Теа Леони, прошедшая путь в большое кино от сериала «Санта-Барбара» (1989) через «Их собственную лигу» (1992) и «Уайат Эрпа» (1994) до блокбастеров «Плохие парни» (1995), «Столкновение с бездной» (1998) и «Парк Юрского периода 3» (2001), и Люк Уилсон смотрятся на его фоне еще более удручающе. Особенно ярок в этом Уилсон («Крик 2» 1997, «Академия Рашмор» 1998, «Ангелы Чарли» 2000, «Моя супер-бывшая» 2006), исполнивший свою роль настолько невнятно, что только остается теряться в догадках, кто он такой (и не гей ли) и с какой это стати в нем разыгралась такая любовь к стареющему киллеру-алкоголику. Так вот и болтается этот фильм где-то между комедией и драмой, иногда даже пытаясь превратиться в гангстерский боевик, ведь киллер – все-таки не самая мирная профессия, но даже редкие проблески в сознании сценаристов (именно Кристофер Маркус и Стивен Макфили, между прочим, ответственны за обе части «Хроник Нарнии»), увы, не способны увлечь зрителя. Невзрачность сценария и серость режиссерской работы делают свое черное дело, сводя на нет все усилия Бена Кингсли. И это все при том условии, что киллер-алкоголик, работающий в морге, в силу явной предрасположенности к циничному юмору мог бы стать весьма любопытным персонажем, вокруг которого могла бы развернуться целая цепь занимательных происшествий.
Поэтому и возникает при просмотре этой нетленки вопрос не столько о том, как люди умудряются снимать такие фильмы, сколько о том, где эти люди берут деньги на такие фильмы. Ну явно здесь без Анонимных Алкоголиков не обошлось.

Плюсы: стареющий киллер-алкоголик мог был стать занятным персонажем…

Минусы: …но не стал.

Час расплаты (2003)

2009-11-20T19:04:00.000-08:00

Час расплаты
Paycheck
2003; США/Канада; 119 мин.

Action/Mystery/Sci-Fi/Thriller
* * / 6.1

Режиссер: Джон Ву
В ролях: Бен Аффлек, Ума Турман, Аарон Экхарт, Пол Джиаматти, Колм Фиор, Джо Мортон, Майкл С. Холл, Питер Фридмен, Кэтрин Моррис, Ивана Милицевич, Джон Кассини

Инженер Майкл Дженнингс (Аффлек) разрабатывает всякие безделушки вроде трехмерного безмониторного телевидения, после чего ему стирают память, дабы оставить все авторские права за компанией-владельцем. Обычно он теряет из памяти не больше двух месяцев, но однажды его соблазняют золотыми кущами, в которые он погрузится, если отдаст корпорации три года своей жизни. От подобных предложений не отказываются, так что через три года Дженнингс приходит в себя после волшебного укола в полном беспамятстве, зато в радужных надеждах. Говорят, он занимался какой-то разработкой, якобы связанной с оптикой. Майкл и рад был бы вспомнить подробности, но – увы… Взамен потерянных лет он должен был стать обладателем акций на 92 миллиона, а вместо этого получил конверт с набором всякого барахла. Как ему сообщила милая секретарша, он сам отказался от акций и оставил себе только личные вещи – этот самый конверт. Не прошло и пяти минут, как к конверту добавились большие проблемы: Майкла по обвинению в разглашении «государственной тайны» арестовало местное ФБР. Во время допроса ему все же удалось скрыться – и все это благодаря предметам, оказавшимся в конверте. Теперь он оказался один, без денег, без памяти и с погоней на хвосте. Немного поразмыслив, Майкл приходит к выводу, что предметы в конверте все-таки имеют свое значение, и именно благодаря им он сможет ответить на вопрос: с чего это он стал таким дураком, что отказался от честно заработанных миллионов? Пытаясь найти во всем этом смысл, Дженнингс узнает, что оказывается, он, пока был при памяти, разработал агрегат, позволяющий заглядывать в будущее, вернет себе свою возлюбленную Рейчел (Турман), одолеет всех злодеев, спасет мир от неминуемой гибели и, разумеется, заработает свои миллионы (банально подсмотрев в будущем результат лотереи).
Бен Аффлек никогда не пользовался любовью критиков и прочих продвинутых зрителей, хотя «Умница Уилл Хантинг» и вселял в сердца надежду. Но участие в сомнительных проектах вроде «Сорвиголовы», а также подорвавшая доверие связь с поп-дивой Джей Ло расставили все по местам. Бену стоило бы ограничить себя ролями в духе его старого приятеля Кевина Смита («В погоне за Эми», «Догма»), но он почему-то решил выбрать иной путь, упорно пытаясь выбиться в звезды первой величины и герои боевика. Возможно, виной тому был сорвавший большой куш «Армагеддон» или школьный товарищ Мэтт Деймон, пошедший в гору после «Идентификации Борна». Примечательно, что именно Деймон сосватал Аффлека Джону Ву, который как раз собирался снимать «Час расплаты». Сам Деймон только что сыграл Борна, тоже имевшего проблемы с памятью, так что решил не повторяться и, видимо, впоследствии не раз благодарил судьбу, которая отвела его от неверного выбора. Аффлек же, напротив, после разгромленного критикой «Перл-Харбора» и провалившихся в прокате «Азартных игр» посчитал, что фантастический боевик от Джона Ву поможет ему реабилитироваться в глазах зрителей. Только вот при этом он совершенно не учел, что он – далеко не Шварценеггер, который, возможно, и смог бы вытащить подобный слабенький сценарий на своих могучих плечах. Как известно, и другими особыми данными Аффлек не обладает, потому и получился у него довольно странный персонаж – гений инженерии с лицом выпускника сельской школы, который иногда неожиданно вспоминает о том, что знает несколько каратистских приемчиков, выученных во время вживания в образ «Сорвиголовы». Кстати, фильм о слепом супергерое вышел в том же году, подтвердив таким образом, что в боевиках Аффлеку делать нечего (в совокупности за «Час расплаты», «Сорвиголову» и «Джильи» Бен Аффлек заслуженно получил свою «Золотую малину»). И это первый существенный минус «Часа расплаты».
Ума Турман, хоть ее Черная Мамба уже и готовилась к смертельному выпаду, в драках принимать участие не стала, ограничившись изображением влюбленной в инженера профессорши, выдумывающий различные способы управления погодой (ими она как раз и воспользуется). Но ее любовь к Аффлеку получилась какой-то неискренней, что только подтверждает имеющиеся о ней данные, что выбираемые ею мужчины имеют совсем другой типаж. Подтвердило это и то, что Ума гораздо умнее Джей Ло. Только вот все это в данном случае ей совсем не пригодилось. Так и проходила полфильма с ничего не понимающим видом, правда, один раз все-таки не удержалась и припечатала одного из злодеев ногой к полу.
Джон Ву тоже поддался общему настроению и тоже всех разочаровал. Как и Бен Аффлек, он шел к этому постепенно. Прогремев своими ювелирно отточенными гонконгскими боевиками на весь свет и с оркестром войдя в Голливуд, он стартовал с крепко сбитой «Сломанной стрелой», чтобы сорвать бурные аплодисменты практически идеальным боевиком «Без лица». И все это для того, чтобы начать медленно, но верно скатываться вниз – от «Говорящих с ветром» и «Миссии: невыполнима 2» к разрушительному для его карьеры «Часу расплаты». Возможно, и другие его фильмы не имели идеального сценария, но он всегда умел спрятать дыры в сюжете за визуальным пиршеством, царящим в кадре. Однако, к «Часу расплаты» Джон Ву явно выдохся, продемонстрировав, что Голливуд на него влияет далеко не лучшим образом. Нет, конечно, и здесь не обошлось без его излюбленных приемов – и мексиканские дуэли, и непременный рапид, и белые голуби, летящие в камеру, – все это есть и здесь, только как-то все обмельчало и даже количество голубей сократилось до возможного минимума. Так что тот, кто хочет найти в этом фильме старого доброго Ву, будет разочарован – от былой лихости не осталось и следа. Возможно, тому виной требование выпустивших картину DreamWorks максимально сократить уровень насилия, но ведь и «Спасение рядового Райана» снимал Стивен Спилберг (один из владельцев компании), а не Александр Птушко. Что примечательно, попытка превратить фантастический боевик в доступное подросткам зрелище (при всей куче расстрелянных в фильме автоматных рожков в цель попали только два человека – остальные оказались совершенно бездарными стрелками) все равно удалась лишь отчасти – фильму был присвоен рейтинг PG-13 (дети до 13-ти только в сопровождении взрослых).
Что и говорить, фильм оказался неудачным (в США он не добрал почти 7 миллионов до вложенных средств и лишь в мировом прокате кое как доковылял до своего 60-миллионного бюджета). Не спасло его и то, что сценарий к нему был написан по одноименному рассказу (опубликован в 1987 году) Филиппа К. Дика – одного из самых востребованных Голливудом фантастов. Но не стоит забывать, что творчество американского писателя никогда не было простым для переноса на экран, что подтверждает тот факт, что ни одна из экранизаций так и не стала настоящим коммерческим хитом (к этому были близки разве что «Вспомнить все» и «Искусственный интеллект»). Сам рассказ уже давно является классикой научной фантастики, но вот написанный по нему сценарий оказался просто ужасающ. Пытаясь привлечь зрителя действием, в него напичкали погонь, перестрелок, взрывов и драк в стиле кунг-фу. При этом сценаристы совершенно забыли о том, что героям при этом еще надо и разговаривать о чем-то, поэтому все прозвучавшие в фильме реплики просто поражают никому не нужным пафосным идиотизмом, и в них часто совершенно теряются причинно-следственные связи, и лишь спасительный конверт со странным содержимым возвращает память как героям, так и зрителям, теряющим нить повествования. Вот так, начавшись с многообещающей интриги и постепенно запутываясь в дебрях амнезии, фильм повторяет судьбу Бена Аффлека и Джона Ву – медленно, но верно скатывается вниз – к полному краху и разочарованию. И лишь Ума Турман стоит в сторонке и помалкивает: она-то знает, что у нее, в отличие остальных, спрятан туз в рукаве – в лице ее любимого Квентина Тарантино.
Кстати, вот те 20 предметов, которые в случае чего помогут вам спасти мир: пачка сигарет, коробок спичек, инфракрасные (или что-то вроде того) очки, билет на автобус, кольцо с камушком, дезодорант, скрепка, ключ с брелком, увеличительная линза, визитка кафе «Мишель», ключ от сигнализации мотоцикла БМВ, гаечный ключ, конверт с парой лишних марок, пропуск в компанию, где разрабатывают «машины времени», наполовину решенный кроссворд, пуля, наручные часы, предсказание из печенья, ну и конечно, корешок от выигрышного лотерейного билета.

Плюсы: погоня злого дяди за мотоциклом Бена и Умы.

Минусы: не надо было портить хороший рассказ этим фильмом. Причины описаны выше.

Четыре танкиста и собака (1966-1970)

2009-11-19T19:59:00.000-08:00

Четыре танкиста и собака (TV-Series)
Czterej pancerni i pies
1966 (1-7 серии), 1969 (8-15 серии), 1970 (16-21 серии); Польша; 441 мин.

Adventure/War
* * * * / 8.1

Режиссеры: Анджей Цекальский, Конрад Налецкий
В ролях: Франтишек Печка, Януш Гайош, Влоджимеж Пресс, Пола Ракса, Веслав Голас, Роман Вильгельми, Малгожата Нимирска, Александр Белявский, Витольд Пиркош, Тадеуш Калиновский, Януш Клосинский

Мальчишки всегда любили играть в войну, и даже повзрослев они нет-нет, да и вспомнят о тех днях, когда каждый из них мог совершить свой собственный подвиг в отдельно взятом дворе. Особенно ярко это проявилось в мальчишках ХХ века, примером для которых были их любимые киногерои, среди которых одними из самых ярких были четыре отважных польских танкиста, дошедших вместе со своим боевым товарищем – псом Шариком – на своем танке до Берлина. В советском кино тоже было много фильмов о войне, но почему-то ни один из них не смог превзойти по популярности у мальчишек этого добродушного и веселого военного приключения.

Когда в 1944 году в СССР было решено сформировать польскую дивизию, юный поляк Янек Кос (Гайош), живущий в Сибири и мечтавший вслед за отцом попасть на фронт, разузнав об этом, отправляется вместе со своей собакой по кличке Шарик на призывной пункт, где и зачисляется стрелком-радистом в состав танкового экипажа 1-й Варшавской танковой бригады имени героев Вестерплатте 1-й армии Войска Польского. Там он и знакомится со своими новыми товарищами – рассудительным командиром танка Ольгердом Ярошем (Вильгельми), силачом-наводчиком Густавом «Густликом» Еленем (Печка) и механиком-водителем Григорием «Гжесем» Саакашвили (Пресс), грузином и единственным не поляком в экипаже. Пятым членом экипажа становится Шарик, крайне смышленый пес Янека, хотя не лишним будет и то утверждение, что и сама «тридцатьчетверка», на которой танкисты дойдут до Берлина, тоже вскоре станет считаться полноценным членом боевого отряда. Уже в первых сериях необстрелянному экипажу предстоит столкнуться с врагом, показать себя с лучших сторон и ощутить первое столкновение со смертью, которая все же долго будет обходить стороной бравую четверку. Во время боев на польской земле танкисты будут не только громить немцев, выполнять опасные задания и с честью выходить из сложных ситуаций (часто не без помощи любимого всеми Шарика), но и не забудут о том, что они обычные молодые парни – будут шутить, петь и влюбляться. И даже несмотря на то, что к концу первого сезона они потеряют в бою свой танк, названный «Рыжим» (имя Rudy будет запечатлено на борту танка рядом с отпечатками ладоней всех членов экипажа и отпечатком лапы Шарика) в честь русской девушки Маруси с ласковым прозвищем «Огонек» (Ракса), возлюбленной Янека, а их командир Ольгерд Ярош погибнет смертью героя, оставшиеся герои не потеряют веры в жизнь и скорую победу. В продолжении сериала к экипажу нового «Рыжего», чьим командиром теперь становится Янек, присоединится сын крестьянина Томаш «Томек» Черешняк (Голас), которому, хоть все и считают его трусоватым простаком, предстоит вскоре проявить себя в деле. Так, на протяжении последующих 14 серий экипаж «Т-34» совершит еще не один подвиг: сорвет секретную операцию вражеского морского десанта, вырвется из немецкого плена, примет участие в освобождении Гданьска и Рицена, совершит рейд в тыл противника, поможет восстанию узников концлагеря и с боями дойдет до самого Берлина. Именно там и закончится боевой путь танкистов и начнется новая, мирная жизнь, в которую герои вступят новыми людьми, а Янек, Густлик и Гжесь вместе с победой обретут и любовь, найденную ими на фронтах самой страшной войны.
Первая серия нового польского сериала о войне, предназначавшегося в первую очередь для детской и подростковой аудитории, вышла в эфир 9 мая 1966 года, и уже первый показ превзошел все ожидания. Фильм мгновенно стал безумно популярен, а зрители буквально влюбились в новых героев. Поначалу его показ был поставлен на утренние часы, но вскоре его были вынуждены перенести на более позднее время, так как многие подростки просто прогуливали школу во время трансляции сериала, поэтому на телевидении, распознавшем потенциальный хит, было принято решение показывать фильм во время каникул. Так с легкой руки телечиновников и не без участия зрителей «4 танкиста и собака» стали непременным атрибутом школьных каникул на протяжении многих лет, демонстрируясь ежегодно вплоть до 1989 года. Фильм оказался настолько успешен, что актеров, снявшихся в нем, практически сразу же начали приглашать на встречи со зрителем, а дети уже во время первого показа стали играть на улицах в «танкистов и собаку». По всей стране поднялось патриотическое движение, ветераны танковых войск стали самыми желанными гостями не только в школах, но и в рабочих клубах, по мотивам сериала в школах проводились уроки, в театрах ставились спектакли, организовывались так называемые Клубы Танкистов, девушки делали себе прически «под Марусю», а юноши высветляли перекисью челки «под Янека», каждый школьник мечтал о том, чтобы стать танкистом (конкурс в Познаньскую школу танковых войск на много лет вперед вырос в несколько раз), а каждая вторая собака вне зависимости от породы получала имя Шарик. В 1967-м году решением министра культуры и министра обороны актерский состав фильма был удостоен специальных наград.
25 сентября 1968 года фильм (тогда в нем было только 7 серий) впервые был показан в Советском Союзе и там его ждал точно такой же успех. Видя грандиозную популярность ленты и не в состоянии противостоять настойчивым требованиям публики «показать другие приключения танкистов», было принято решение начать снимать продолжение. Несмотря на то, что первый сезон был вполне самодостаточным произведением, а танк «Рыжий» погиб в бою вместе со своим командиром, студия вновь обратилась к писателю, придумавшему «Рыжего» и его экипаж. Так в фильме появился новый 4-й герой в исполнении Веслава Голаса, а героический экипаж получил новый танк «Т-34-85» вместо подбитого «Т-34-75» (хотя, на самом деле в обоих случаях снималась 85-я модель, так как более ранних моделей после войны не сохранилось). Экстренными темпами съемки велись на военных полигонах в Польше, и даже Сибирь снимали около города Клоцка. Телезрители о съемках долгожданного продолжения узнали практически сразу, и съемочные площадки возле города Лодзи, где были построены несколько улиц Берлина и Бранденбургские ворота, буквально осаждали мальчишки, мечтавшие заполучить хотя бы волосок Шарика, считавшийся среди детей талисманом и предметом гордости. Несмотря на явный «заказ» со стороны публики, к созданию картины относились достаточно строго. Цензура сериал стороной обойти не могла, делая акцент на идеологическом содержании и часто защищая польские интересы в ущерб исторической справедливости, что, однако, мало отразилось на отражении взаимоотношений русских и польских солдат. Гораздо чаще звучали упреки в излишней эротичности сериала, так как любовная линия Янека и Маруси периодически выбивалась на передний план и часто сопровождалась поцелуями. Придирались и к внешнему виду польских солдат, которые якобы даже в пылу боя должны были щеголять в начищенных сапогах и в застегнутых на все пуговицы гимнастерках. И если подобное кое-как еще смогли допустить, то сцену, в которой Янек и Магнето, командир мотоциклетной роты, идут в немецкую пивную, пришлось вырезать, так как подобного излишнего интернационализма и вольнодумия цензоры допустить не могли. И вот в 1969 году зритель наконец-то получил новые 7 серий, а год спустя – еще 7.
Успех многосерийного телефильма, ставшего полноценным сериалом (редкое для той поры явление для социалистического телевидения), остался прежним, а с увеличением зрительской аудитории за счет других стран соцлагеря даже вырос во много раз. Актеры и создатели фильма шли нарасхват по всем странам Варшавского договора, а встречи с ними проходили на стадионах, где собиралось до 40 тысяч зрителей. Так продолжалось на протяжении нескольких лет. Как вспоминает кинолог Францишек Шиделко, сопровождавший пса Шарика в 1975 году во время визита в Чехословакию, на улице Праги, по которой проезжали актеры, собралось несколько тысяч жителей чешской столицы: «Это выглядело примерно так, как если бы в Прагу приехал ансамбль «Биттлз». Миллионными тиражами расходились фотографии актеров, но особым шиком считалось заполучить автограф Шарика. Специально для этой цели была изготовлена особая полушка, пропитанная тушью, к которой тренер пса прижимал его лапу, после чего та оставляла свой отпечаток на фотографии любимого всей страной Шарика, каждая из которых (в день пес позволял делать не более 50 оттисков) ценилась польскими мальчишками на вес золота. Не обошла слава и знаменитого «Рыжего», ставшего звездой картины наряду с остальными ее участниками: он с почетом был установлен в Музее бронетехники в городе Познань, хотя и существуют версии, что настоящий «Рудый» (то есть «Рыжий») стоит совсем в другом месте.

Прославившиеся на весь «восточный блок» «4 танкиста и собака» не появились бы на свет, если бы не их создатель – польский писатель и журналист Януш Пшимановский (род. 1922), воевавший с 1943 года в составе Народного Войска Польского. Именно с 1945-го он начал писать – сначала как журналист, а с 1950 года – и как прозаик, причем большую часть своих работ он посвятил именно войне и героизму польских солдат. Вместе с Овидием Горчаковым им была написана повесть «Вызываем огонь на себя», по которой в 1964 году советский режиссер Сергей Колосов снял одноименный фильм. Тогда же писатель специально для конкурса военной литературы для молодежи в 1963 году написал роман «4 танкиста и собака», который, хоть и получил одну из пяти наград, вышел все же сравнительно небольшим тиражом в 10 тысяч экземпляров. Роман из-за спешки к конкурсу был достаточно сырым и неровным и, возможно, так и прошел бы незамеченным, если бы его публикацией в одной из газет не заинтересовались на телевидении. А когда в 1966 году на польские экраны вышел 7-ми серийный фильм, судьба романа Пшимановского была решена: он печатался огромными тиражами по всему соцлагерю – от СССР до Кубы, был переведен на множество языков (вплоть до португальского и шведского), а позже на его основе был даже сделан комикс. Но Януш Пшимановский славен не только своими «танкистами» (продолжения романа выходили до 1970 года вслед за появлениям новых киноприключений). Так, его документальная книга «Студзянки» была названа в Польше лучшей книгой 1966 года, а в 1987 году им была составлена книга «Память», куда были включены имена всех погибших в Польше во время Второй мировой войны.
Хотя в своем романе Януш Пшимановский и значительно облегчил происходившее на фронте, основные события и черты характера своих героев он взял из собственного опыта, а командир «Рыжего» Ольгерд Ярош даже имеет реальный прототип. Им стал русский капитан Виктор Тюфяков (в романе командир экипажа носил имя Василий Семенов, тогда как поляком стал только в фильме), уроженец Алтайского края, выпускник Полтавского танкового училища, встретивший войну в Одессе и в 1943 году направленный для помощи в создании Войска Польского (командирами польских танковых экипажей ставили преимущественно русских офицеров, уже имевших боевой опыт). В боях капитан неоднократно проявлял себя как пример для подражания, часто идя на риск, за что неоднократно был награжден орденами и медалями, а после сражения за деревню Студзянки, которая четырнадцать раз переходила из рук в руки, его заметили не только свои (после этого он был назначен комбатом), но и немцы, пообещавшие награду в пять тысяч марок за уничтожение танка Тюфякова. К сожалению, после войны жизнь бравого капитана не сложилась: из-за своего независимого характера и конфликтов с начальством он был разжалован, уволен из армии и лишен всех воинских званий и наград. Он работал разнорабочим в геологической партии, и его судьба так и оставалась бы незавидной, если бы не «4 танкиста и собака». После его показа в Польше стали разыскивать ветеранов-танкистов и устраивать с ними встречи. Среди многих был найден и «разноглазый комбат» из романа Пшимановского. Когда в Польше узнали о том, что найден реальный герой любимого произведения, его встретили как настоящего героя, а когда об этом узнали и на Родине, ему двадцать лет спустя вернули все боевые награды и восстановили в воинском звании. Так фильм вернул к жизни уже совершенно отчаявшегося человека, и он в свои сорок лет начал новую жизнь, поступив в вуз на юриста.
Героями и любимцами публики фильм сделал и артистов, исполнивших главные роли. Танкисты стали безумно популярны, что, правда, несколько подпортило жизнь некоторым из них, так как зрители отказывались видеть их в каких-либо других образах. Но при этом все они смогли справиться с бременем славы и много работали в театре и кино. О каждом из них стоит сказать отдельно.

Роман Вильгельми, сыгравший офицера Ольгерда, с 1958 года работал в варшавском театре «Атенеум», где славился своим непокорным характером и требовательным отношением к своим ролям, среди которых за 30 лет работы были роли Стэнли в «Трамвае «Желание», Макмерфи в «Пролетая над гнездом кукушки» и Пер Гюнта в одноименной пьесе Генриха Ибсена. Так получилось, что, как и его герой в фильме, Вильгельми умер раньше остальных: в 1991 году, когда ему было всего 55, он умер от рака печени, но до последних дней выходил на сцену. В 2004 году его коллега Рицик Марцин написал о нем книгу «Роман Вильгельми. И да буду я великим!», где рассказал не только о его жизненном пути, но и о погубившей его пагубной страсти к алкоголю. За свою недолгую жизнь актер был удостоен 13 наград за работу в театре, а после его смерти варшавские власти по многочисленным просьбам поместили барельеф с его изображением на стене у центрального кинотеатра города.

Януш Гайош, всеми любимый Янек, был самым молодым в четверке и пришел в кино сразу после окончания в 1965-м знаменитой Лодзинской актерской школы. Первая крупная роль чуть не стала для него последней, когда после съемок одного из первых эпизодов его, отдыхающего в траве, переехал по спине грузовик. Два месяца после этого актер пролежал в гипсе, и чтобы не останавливать съемки, срочно был придуман эпизод с Янеком в госпитале. Гайош в кино дебютировал еще во время учебы – в фильме «Барышня в окошке», но именно роль Янека сделала его «звездой» и чуть не похоронила его актерскую карьеру. После сериала он не снимался почти 10 лет, однако, смог найти себя на театральной сцене, став ведущим актером нескольких варшавских театров. К конце 70-х наладилась и его кинокарьера, а за роль в фильме «Миллионер» в 1977 году он был удостоен премии кинофестиваля в Гданьске, за чем последовали и другие блестящие роли в фильмах «Допрос», «Человек из железа», «Побег из кинотеатра «Свобода», «Последняя миссия», «Псы», а также наиболее известных – «Декалог-4» и «Три цвета: белый» Кшиштофа Кесьлевского, Однако, былая слава оставила свой след и на нем, о чем говорят частые запои и вот уже третий брак.
Франтишек Печка (сержант Густлик) к началу съемок был уже достаточно известным актером, дебютировав в фильме Анджея Вайды «Поколение» и успешно выступая в Краковском Старом театре (ныне Театр Людовы). После успеха сериала он стал необычайно востребован как в театре (в 1970-м он перебрался в Варшаву), так и в кино, снявшись в 78 фильмах, в том числе и в советской военной киноэпопее «Освобождение» (1971). В возрасте 74 лет он вновь блеснул на экране, исполнив роль Святого Петра в фильме Ежи Кавалеровича «Кво вадис» (2002), за что был отмечен критикой и зрителями. Не оставил он сцену и перешагнув девятый десяток, по-прежнему появляясь в спектаклях Общедоступного Театра Драмы, в котором служит с 1974 года.

На роль грузина Григория Саакашвили был приглашен Влоджимеж Пресс, еврей с украинскими корнями, родившийся во Львове. Его семью разлучила война, он с мамой уехал в эвакуацию, а отец, как потом выяснилось, попал в варшавское гетто и погиб в концлагере Треблинка. Долгое время он практически ничего не знал о своем отце, но и тут в судьбу вмешались «4 танкиста и собака». Когда сериал показали в Советском Союзе, молодого актера разыскала женщина, утверждавшая, что он ее родственник. Она оказалась сестрой мамы его отца, и именно от нее он узнал о его судьбе и даже получил в подарок несколько фотографий отца, которого, как и его героя – грузина-механика – звали Григорием. На съемках фильма Влоджимеж, как и его герой, нашел свою судьбу, будущую жену Ренату, работавшую костюмером. После фильма Пресс много играл в театре и кино, снявшись, например, в роли сына Сталина в фильме Агнешки Холланд «Европа, Европа», выдвигавшегося на премию «Оскар» как лучший фильм на иностранном языке.
Также успешна была и карьера Веслава Голаса, появившегося со второго сезона в роли Томека. После сериала он очень много снимался, появляясь на экранах минимум в двух фильмах в год, дважды был женат и при помощи дочери Агнешки написал воспоминания о своей актерской жизни.

И лишь судьба красавицы Маруси «Огонек» не сложилась. Несмотря на огромную любовь зрителей, актриса Пола Ракса (она родилась в 1941 году в белорусском городе Лида) так и не смогла найти себя ни в кино, ни в театре. При этом она успела сняться в советском фильме Михаила Богина «Зося», сделавшим ее лауреаткой Московского кинофестиваля 1967 года. По какому-то странному стечению обстоятельств в дальнейшем красавица-актриса так и не смогла утвердиться в первом эшелоне, довольствуясь второстепенными ролями и разовыми постановками, а в 90-х окончательно порвала с кино, появившись в последний раз в фильме «Похищение Агаты» (1992). При этом на театральной сцене она иногда все еще появлялась, по-прежнему потрясая зрителей своей неугасающей красотой и девичьей фигурой. Уйдя из кино, от искусства Пола Ракса все же не отказалась, занявшись дизайном и моделированием одежды. Если же упомянуть об экранном романе Янека и Маруси, то он существовал только на экране, так как молодой Януш Гайош актрисе не приглянулся. Гораздо более интересным ей показался советский актер Юрий Каморный, ее партнер по фильму «Зося», с которым у нее вспыхнул пылкий роман, чуть не закончившийся свадьбой. Однако, Каморный, славившийся любвеобильностью, параллельно встречался и с другой девушкой, а когда та заявила, что ждет от него ребенка, предпочел Поле соперницу.
Отдельного упоминания заслуживает знаменитый Шарик, роль которого в фильме исполняли сразу две немецкие овчарки – псы по кличкам Шпик и Тример, хотя на самом деле собак, приглашенных «на главную роль» было три. Все три собаки были отобраны и выдрессированы в питомнике в Сулковцах под Варшавой опытным кинологом подполковником Францишеком Шиделко. Правда, они были далеко не лучшими, так как самый лучший пес, по словам подполковника «разорвал бы в клочья не только актеров, но и танк». Все три отобранные собаки присутствовали на съемках, только вот третьей пришлось довольствоваться «скамейкой запасных», так как необходимости в ее участии так и не возникло. При этом во всех крупных планах снимался Шпик, отличавшийся более выигрышным экстерьером, тогда как на Тримера возлагались все те сцены, где Шарику предстояло не только красоваться в кадре, но и проявлять себя в действии. Съемки одной из подобных сцен чуть не закончились трагедией, когда Тримера во время переправы через реку снесло вниз по течению, и он был спасен подоспевшим вовремя кинологом. После съемок в фильме именно Тример стал главным Шариком страны, взвалив на себя все тяготы звездной жизни. И после долгих лет «гастролей» Шарик на службу в милицию уже не вернулся и нашел себе новых хозяев, которые ухаживали за ним до последнего дня и отказывались усыпить его даже после того, как он потерял зрение и слух, а паралич поразил его задние лапы. Прожив в таком состоянии еще год, знаменитый актер умер в возрасте 14 лет. Полицейские кинологи из родного для Тримера питомника решили увековечить его память и в помещении библиотеки открыли выставку, посвященную Шарику, главным экспонатом которой стало чучело самого популярного в Польше пса. На подставке, на которой он стоит сейчас, значится надпись «Тример-Шарик», а рядом в рамке висит служебный формуляр знаменитой собаки.

Судьба этого сериала была удивительной, но, говоря о его влиянии на жителей социалистического общества, нельзя говорить только об идеологической составляющей фильма, хотя и она была немаловажна. Главным для истории стало не столько место, занимаемое «Танкистами» среди молодежных фильмов о войне, сколько его художественные достоинства, которых, несмотря на кажущуюся простоту и наивность, у сериала хоть отбавляй. Ведь не влюблялись же миллионы простых зрителей в героев стерильно-патриотических полотен, которых после Второй мировой было снято великое множество. Да и особого размаха батальных сцен, свойственного военному кино, в фильме было не так уж и много, впрочем, как и самой смерти, присущей любой войне. И тут дело не только в том, что картина была рассчитана на подростков, но и в том, что создателей «Танкистов» интересовали в первую очередь сами герои, а не окружающая их война. Поэтому те и получились настолько притягательными для зрителей, полюбивших их абсолютно искренне, без какого-либо давления сверху. И пусть «4 танкиста и собака» далеки от совершенства, именно в их условности и некой игрушечности и заключена их главная прелесть. Именно благодаря этому каждый мальчишка играл не просто в войну, а именно в танкистов, а владелец любой, даже самой маленькой собаки становился предметом зависти всего двора. Фильм, который совершенно не претендовал на историческую достоверность и точное соответствие деталям, стал для целого поколения настоящим сказочным приключением, рассказывающим простым и ясным языком о важном – о дружбе, любви, доблести и героизме. Как говорил в одном из интервью Влоджимеж Пресс, «я больше чем уверен, что ни сценарист картины, ни режиссер, ни мы, актеры, никакого политического смысла не закладывали. Хотя получилось немного наивно, но мы изо всех сил старались рассказать историю о дружбе, взаимовыручке и любви». Создатели фильма не пытались создать идеологическую агитку, и даже враг получился у них каким-то условным и схематичным, которого хотелось скорее пожалеть, чем возненавидеть. Немецкие солдаты выглядят некими комическими персонажами, которым отведена отрицательная роль лишь в силу сюжетных обстоятельств, а война с ними напоминает забавную компьютерную игрушку для детей дошкольного возраста.
Как бы это было ни странно, но именно последнее стало одной из причин разгоревшегося летом 2006 года скандала, вышедшего за пределы польского государства. В год 40-летия фильма, регулярно показывавшегося польским телевидением, против его показа выступили представители объединения ветеранов Армии Крайовой, которая в 40-е сражалась за свободу Польши, воюя как с фашистской, так и с советской армией. Пресс-секретарь правления организации ветеранов и партизан (POKiN) в Кракове, Ежи Буковский, в своем письме к руководству польского общественного телевидения (компании TVP) заявил, что по мнению польских ветеранов фильм является «продуктом коммунистической пропаганды, созданным на потребу СССР», а многие его эпизоды вызывают у них сомнения (среди таковых оказались появление главного героя в Сибири и изображение братства польской и русской армии): «Можно было в это верить тридцать лет назад, но не сейчас». Другим ярким высказыванием, на которое обратили внимание многие обычные зрители не только в Польше, но и на территории бывших советских республик, были следующие слова заместителя председателя объединения «Армия Крайова» Тадеуша Филипковского: «Нас возмущает то, что немцев показывали, как банду идиотов, а это была очень сильная армия тогда в мире, победить ее было трудно. А банду идиотов и дети могут победить. Не показан трагизм войны, в фильме война, как приключение». В июле 2006 года Бронислав Вильдштейн, председатель TVP, запретил передавать фильм в эфир, отметив, что компания и в дальнейшем не намерена демонстрировать фильмы, «очерняющие историческое прошлое Польши». Это решение телечиновника, известного своими антирусскими выступлениями, вызвало массу протестов не только в Польше и широко обсуждалось и осуждалось в сетевой и печатной прессе. Неизвестно, что именно повлияло на владельцев главного польского телеканала, но в 2007 году Вильдштейн был уволен из компании, а запрет на показ сериала был снят. И хотя на самом-то деле такой поворот в судьбе любимого многими фильма был ничем иным, как попыткой использовать его в грубой политической игре, главными заступниками «Танкистов» стали обычные зрители, возмущенные запретом традиционного для летних каникул показа сериала, причем среди них были не только те, кто вырос в 70-е и 80-е, но и более молодые поколения вплоть до современных польских школьников.

Именно это и стало подтверждением того, насколько важен этот фильм для всех поколений, ведь он не потерял своей прелести и вне зависимости от того времени, когда он был снят. И пусть для взрослых зрителей, смотревших фильм в далеком детстве, «4 танкиста и собака» являются лишь приятным воспоминанием, не стоит бояться разрушить детские впечатления пересмотром сериала, ведь именно сегодня, с высоты прожитого и пережитого, можно взглянуть на фильм совершенно по-новому. При этом достаточно будет посмотреть на реакцию собственного ребенка, который будет смотреть фильм впервые, чтобы увидеть, каким в детстве были вы сами.

Плюсы: всем, кто хочет вспомнить детство или просто вернуться в него, достаточно посмотреть эту одну из самых добрых «советских» сказок про войну.

Минусы: если вы ждете от фильма исторической правды в духе «Живых и мертвых» или спецэффектов в духе «Спасения рядового Райана», то это кино точно не для вас.

Три женщины (1977)

2009-11-19T19:34:00.000-08:00

Три женщины
3 Women
1977; США; 124 мин.

Drama
* * * * / 7.9

Режиссер: Роберт Олтман
В ролях: Шелли Дювалл, Сисси Спейсек, Дженис Рул, Роберт Фортье, Рут Нельсон, Джон Кромвелл, Сьерра Пешер, Крэйг Ричард Нельсон, Мэйси Хой, Белита Морено, Лесли Энн Хадсон, Патриция Энн Хадсон

Когда на студию 20th Century Fox после выхода в 1977 году «Звездных войн» обрушился гигантский финансовый успех, ее глава Алан Лэдд-младший совершил поступок, многими воспринятый как минимум странным. Продюсер решил вложить часть средств в производство заранее неприбыльных картин, пригласив для этого режиссеров, чьи фильмы не были коммерческими хитами, но пользовались успехом в интеллигентской среде. Одним из них стал Роберт Олтман, к тому времени выпустивший такие фильмы, как «Чертова служба в госпитале М.Э.Ш.», «Маккейб и миссис Миллер», «Видения», «Воры как мы» и «Нэшвилл». Лэдд подписал с Олтманом контракт на производство сразу пяти картин, дав тому полную свободу деятельности и оставив продюсерские решения за прежней компанией режиссера – Lion’s Gate. При этом Олтману на запуск первого проекта – «3 женщин» – зеленый свет был дан уже тогда, когда режиссер не имел законченного сценария. На его руках было лишь 50 страниц текста, написанных им вместе с писательницей Патрицией Резник, да обрывки снов и видений, на которые Олтман основывался при создании картины. Именно из этого и вырос весьма неоднозначный фильм, который был весьма скептически принят зрителями и критикой, но при этом все же стал лучшим из того, что сделал Роберт Олтман на 20th Century Fox, а с годами был признан одним из лучших творений режиссера.

Идея снять картину о трех совершенно разных женщинах и том, что может произойти в их взаимодействии, пришла Олтману во сне, когда его жена лежала в больнице в ожидании операции. Оттуда же пришли и образы героинь, расцвеченные новыми красками уже в процессе работы не без участия приглашенных на главные роли актрис. Три женщины – это Пинки Роуз (Спейсек), Милли Ламоро (Дювалл) и Уилли Харт (Рул), жизнь которых пересекается в тихом санатории в Палм-Спрингс в Калифорнии. Пинки, вчерашняя школьница, только открывает для себя этот мир. Она – наивная простушка, которая пребывает в мечтах об удивительной жизни, в которую она непременно окунется вскоре. Именно это и происходит, когда девушка устраивается на работу в тот самый санаторий. Там она знакомится с Милли, независимой и раскрепощенной молодой женщиной, которая хоть и кажется внешне покорительницей мужских сердец, на деле же не может похвастаться успехами на этом поприще, а все ее попытки найти мужчину своей мечты терпят фиаско. Однако, ее жизнь, скопированная со страниц женских журналов, производит на тихоню Пинки такое впечатление, что та буквально влюбляется в новую подругу. Пинки, возведя Мили в идеал, буквально не спускает с той глаз и следует за ней по пятам, а когда узнает, что та ищет соседку по квартире, не упускает возможности воспользоваться этим. Однажды в жизни двух молодых женщин появляется третья – сорокалетняя хозяйка бара и художница Уилли, которая ждет ребенка и живет с мужем – бывшим актером-ковбоем, не интересующимся ничем, кроме оружия, выпивки и мотоциклов. Именно он и становится новым объектом желания Милли, и именно он доводит ее до нервного срыва, имевшего необратимые последствия. Тем временем для Пинки отношения с Милли становятся главными в ее жизни, она видит в ней объект для подражания, и это (вкупе с накопившимися неудачами на любовном фронте)в один роковой вечер приводит к тому, что Милли срывает зло за все свои неудачи на Пинки, которая стала слишком ревностно вмешиваться в личную жизнь подруги, упрекая ее за связь с мужем художницы. В порыве чувств юная и впечатлительная девушка предпринимает попытку самоубийства, бросаясь в бассейн, украшенный странными рисунками Уилли, в результате чего оказывается на больничной койке. Именно это событие в корне меняет жизнь трех героинь и особенно Пинки, которая, выйдя из комы, мистическим образом переродившей ее психологическую сущность, становится совершенно новым человеком. Временное забытье пробуждает в ней спавшие до того инстинкты: она становится жестче, развязнее и циничнее, превращаясь из молчаливой тихой скромницы в гипертрофированную версию Милли, во всем стремящуюся установить свой диктат над другими и претендующую на почти мужское доминирование. Постепенно эта «новая женщина» подчиняет себе сначала Милли, а потом, играя на материнских чувствах, и Уилли, пережившую неудачные роды (не без косвенного участия Пинки, не вызвавшей вовремя скорую помощь). Теперь три женщины живут вместе, только роли их поменялись, а во главе «семьи» встала Пинки, единственная, кто осознал, что для успеха нужно быть завоевателем, потребляя жизнь так, как того хочется.

Когда фильм Олтмана вышел на экран, он не смог собрать и миллиона (при $1,6 млн. бюджета), так как зрителям рассказанная история показалась слишком вымученной и надуманной, а обычные американские женщины отказывались видеть в героинях себя. Подлили масла в огонь и критики, не оставившие от «3 женщин» камня на камне. Они ругали картину за отсутствие динамики и затянутость, но главным был упрек в неоригинальности, так как Олтман был далеко не первым, кто попытался проникнуть в секреты женской психологии. Фактически фильм заинтересовал только интеллектуальную публику, которая восторженно приняла утонченную работу режиссера, изысканный сценарий и одухотворенную игру актерского трио, отмечая тонкую связь с творчеством Бергмана (Олтман при работе вдохновлялся именно бергмановской «Персоной»). При этом каким-то удивительным образом не приняла картину и фестивальная критика, отметив призами Британской киноакадемии и Каннского кинофестиваля только работу Шелли Дювалл. Однако, вялая реакция публики (критика, напротив, не обошла фильм своим, пусть и негативным, вниманием) не остановила продюсеров и самого Олтмана от продолжения работы, правда, для режиссера «3 женщины» долгое время оставались последним значительным творением, пока он в 1992 году не вернулся с триумфом «Игрока». На исходе ХХ века интерес к картине вернулся, и сквозь призму прожитых лет зрители начали замечать в фильме Олтмана то, что было упущено ими ранее. Были ими отмечены и пронзительный психологизм, и поразительный по своей отточенности сценарий, и то, насколько он опередил свое время.

Когда-то критик Винсент Кенби сказал об этой картине: «Когда-нибудь, в начале следующего тысячелетия, кто-нибудь оглянется на это время, и скажет, что именно тогда, в конце 70-х, Старое Кино отдало концы и на его место пришло Новое. Так вот «3 женщины» как раз из тех самых фильмов, о которых можно будет сказать такое, многие годы спустя». Именно так и получилось, и сегодня мы можем взглянуть на один из лучших фильмов Роберта Олтмана глазами людей, живущих в совершенно новом мире, но остающихся людьми, которым присущи все те же чувства и эмоции.

Плюсы: после просмотра картины мужчины, возможно, иначе посмотрят на женщин, которые их окружают.

Минусы: неподготовленному зрителю фильм может показаться сложным.